i. Comprensione dell'illuminazione di Rembrandt:
Prima di immergerti in Lightroom, capire gli elementi chiave dell'illuminazione di Rembrandt:
* Fonte a luce singola: In genere, una singola sorgente di luce focalizzata dal lato e leggermente sopra il soggetto.
* patch Rembrandt (Triangle of Light): La caratteristica firma è un piccolo e distinto triangolo di luce sulla guancia più lontana dalla fonte luminosa. Questa patch è cruciale per raggiungere l'aspetto.
* ombre profonde: Una parte significativa del viso è nell'ombra profonda, creando un contrasto drammatico.
* gradazioni sottili: Transizioni fluide tra luci e ombre, evitando linee difficili.
* Toni caldi: Un calore generale per i punti salienti e le mezzitoni, spesso inclinate verso le tonalità dorate.
* Sfondi scuri: Il soggetto è spesso posto su uno sfondo scuro e non sottoposto, che aiuta a isolare e enfatizzare il soggetto.
ii. La foto ideale:
Inizia con una foto che ha già un potenziale. Idealmente, dovrebbe:
* essere girato in grezzo: I file RAW mantengono maggiori informazioni, dando una maggiore flessibilità nell'editing.
* avere una singola sorgente luminosa (o imita): Una foto scattata con una singola luce da studio, una luce della finestra o persino una lampada ben posizionata è l'ideale. Se si utilizza più luci, assicurarsi che uno sia chiaramente dominante.
* Mostra un accenno al triangolo Rembrandt: Anche una piccola indicazione della patch di luce sulla guancia semplificherà il processo.
* Avere uno sfondo più scuro: Questo non è obbligatorio, ma risparmia tempo dopo.
iii. Flusso di lavoro Lightroom:
Ecco una rottura delle regolazioni di Lightroom per raggiungere l'aspetto Rembrandt. Ricorda, queste sono linee guida; Regola per adattarsi alla tua foto specifica.
a. Pannello di base:
1. Esposizione: Abbassa l'esposizione per approfondire le ombre e creare un'immagine generale più scura. Punta a un aspetto più lunatico e sottoesposto.
2. Contrasto: Aumenta il contrasto per enfatizzare la differenza tra punti salienti e ombre. Fai attenzione a non esagerare; La sottigliezza è la chiave.
3. Highlights: Abbatti i punti salienti per proteggere i dettagli e impedire loro di essere spazzati via. Vuoi momenti salienti morbidi, non quelli difficili.
4. ombre: Solleva leggermente le ombre per rivelare alcuni dettagli nelle aree più scure, impedendo loro di diventare completamente neri. Un sollevamento sottile è meglio di uno grande.
5. Bianchi: Regola i bianchi per controllare i punti più luminosi dell'immagine. Essere conservatore.
6. Blacks: Abbassa i neri per approfondire le ombre e creare un aspetto più ricco e drammatico.
7. Temperatura: Riscalda la temperatura facendo scorrere verso il giallo. Questo darà ai toni della pelle un aspetto più caldo e più classico.
8. tinta: Regola la tinta verso magenta o viola, ma molto sottilmente. Questo può integrare il calore.
9. Chiarità: Riduci leggermente la chiarezza. I dipinti di Rembrandt non sono noti per la nitidezza. Una leggera riduzione della chiarezza aiuta ad ammorbidire la pelle.
10. Vibrance/saturazione: Aumentare sottilmente la vibrazione per migliorare i colori senza renderli eccessivamente saturi.
b. Curva del tono:
1. Curva punto (consigliata): Usa la curva dei punti per un maggiore controllo. Crea una curva a S delicata per aggiungere contrasto. Abbattere leggermente i luci e sollevare sottilmente le ombre. L'effetto complessivo dovrebbe essere un miglioramento sfumato del contrasto esistente.
2. Curva della regione (alternativa): Se preferisci la curva della regione, sperimenta i cursori per regolare i luci, le luci, i scure e le ombre in modo indipendente. L'obiettivo è lo stesso della curva dei punti:aggiungere un sottile contrasto preservando i dettagli.
c. Pannello HSL/Color:
1. Hue: Attivare la tonalità di rossi, arance e gialli per ottenere il tono della pelle desiderato. Potresti voler spostare i rossi leggermente verso l'arancione e le arance leggermente verso il giallo per un aspetto più caldo e più dorato.
2. Saturazione: Desaturare alcuni colori (in particolare blu e verdure, se presenti sullo sfondo) per ridurre al minimo le distrazioni e mantenere l'attenzione sul soggetto. Aumentare leggermente la saturazione di rossi e arance per migliorare i toni della pelle.
3. Luminance: Regola la luminanza dei toni della pelle per perfezionare i luci e le ombre. Potresti voler oscurare leggermente i rossi e le arance per aggiungere profondità.
d. Pannello di dettaglio:
1. Affilatura: Applicare una * piccola * quantità di affilatura, concentrandosi su dettagli come gli occhi e le labbra. Troppa nitidezza toglierà la sensazione pittorica. Utilizzare il mascheramento (tieni premuto Alt/Opzione durante la regolazione del cursore di mascheramento) per limitare l'affilatura al soggetto ed evitare il rumore sullo sfondo.
2. Riduzione del rumore: Applicare una piccola quantità di riduzione del rumore per appianare qualsiasi grano indesiderato, specialmente nell'ombra.
e. Pannello di effetti:
1. Grain (opzionale): Aggiungi una * piccola * piccola quantità di grano per simulare la consistenza di un dipinto ad olio. Mantienilo sottile; Troppo grano sembrerà innaturale.
2. Vignetting: Aggiungi una leggera vignetta negativa per scurire i bordi della cornice e disegnare l'occhio dello spettatore verso il soggetto.
f. Aggiustamenti locali (cruciali per il raffinamento):
* Rilevazione:
* Dodge and Burn: Utilizzare il pennello di regolazione per alleggerire selettivamente le aree specifiche del viso (Dodge) e scuri (bruciano). Alleggerisci il punto culminante sulla guancia (patch di Rembrandt), il ponte del naso e parti della fronte. Scutrini le ombre attorno agli occhi, i lati del viso e sotto il mento. Abbassare l'impostazione del flusso per regolazioni più graduali e sottili.
* Miglioramento degli occhi: Usa un pennello più piccolo per aggiungere un tocco di chiarezza e contrasto con gli occhi, rendendoli più accattivanti.
* Schema levigante: Usa un pennello con chiarezza ridotta e nitidezza per levigare eventuali imperfezioni.
* Filtro radiale:
* Spotlight: Usa un filtro radiale per oscurare ulteriormente lo sfondo attorno al soggetto, creando un effetto "riflesso". Invertire la maschera in modo che l'effetto sia * esterno * il filtro radiale.
IV. Suggerimenti e considerazioni:
* La sottigliezza è la chiave: Evita regolazioni estreme. L'obiettivo è creare un aspetto naturale e pittorico, non un'immagine eccessivamente elaborata.
* Funziona in modo non distruttivo: L'editing non distruttivo di Lightroom ti consente di sperimentare senza modificare permanentemente la foto originale.
* Pratica ed esperimento: Il modo migliore per padroneggiare questa tecnica è esercitarsi con foto diverse e sperimentare le impostazioni.
* Dipinti di riferimento di Rembrandt: Studia le opere di Rembrandt per capire come ha usato luce, ombra e colore. Presta attenzione ai toni della pelle, al posizionamento di luci e ombre e all'umore generale.
* Personalizza per ogni immagine: Questi passaggi sono una linea guida. Le impostazioni ottimali varieranno a seconda dell'illuminazione, della composizione e del tono generale della foto originale.
v. Impostazioni di esempio (punto di partenza - Regola di conseguenza):
Questi sono punti di partenza. Adattali alla tua foto specifica.
* base:
* Esposizione:da -0,5 a -1,5
* Contrasto:da +20 a +40
* Punti salienti:da -30 a -60
* Ombre:da +10 a +30
* Bianchi:da -10 a -20
* Neri:da -20 a -40
* Temperatura:da +5 a +15
* Tinta:da +2 a +5
* Chiarezza:da -5 a -15
* Vibrance:da +5 a +15
* Dettaglio:
* Affilatura:quantità:20-40, raggio:1.0, dettaglio:25, mascheramento:50-70
* Riduzione del rumore:luminanza:5-15
* Effetti:
* Grano:Importo:5-10, dimensione:25, Rugosità:25
* Vignetta:importo:da -10 a -30
Seguendo questi passaggi e sperimentando le impostazioni, puoi creare ritratti mozzafiato, buio e lunatico in stile Rembrandt in Lightroom che catturano la bellezza e il dramma senza tempo del lavoro del maestro olandese. Ricorda di essere sempre consapevole delle sottigliezze di luce e ombra e di adattare le tue regolazioni a ogni singola foto. Buona fortuna!