Ogni volta che punti la fotocamera fai delle scelte:quanta scena includere; utilizzando un fermo immagine o un movimento che coinvolga panoramica, sfarfallio, tracciamento o zoom; angolo e posizione; lunghezza.
Queste sono le stesse decisioni che occupano le menti e il tempo di registi come Francis Coppola, Martin Scorsese e Akira Kurosawa. Le scelte di composizione, più di ogni altra cosa, determinano come sarà il tuo film.
All'inizio
Ogni volta che viene introdotta una nuova impostazione, dovresti fornire allo spettatore un grandangolo che assorbe il più possibile. Questo primo assaggio è chiamato scatto decisivo.
La maggior parte dei film e dei programmi TV stabilisce rapidamente l'ambientazione, il personaggio e la trama. Casablanca inizia con una serie di scene meravigliosamente narrate che collocano la città geograficamente, politicamente e spiritualmente. La sequenza va dal generale allo specifico, iniziando con l'inquadratura di un globo che gira e terminando con un primo piano del proprietario di un bar espatriato Rick.
Ogni episodio del video noir serie televisiva Hill Street Blues è iniziato con un briefing mattutino al distretto che ha stabilito l'ora a venire. I titoli di coda si sono conclusi con un'inquadratura classicamente semplice dell'edificio fatiscente in mattoni di Hill Street Station.
In Il tocco del male Orson Welles si apre con una brillante carrellata di sei minuti che curiosa in una città che si estende oltre il confine tra Stati Uniti e Messico, seguendo sia i personaggi principali che l'automobile piena di esplosivi su cui si svilupperà la trama. L'inquadratura, la scena e la sequenza si concludono con un'improvvisa distruzione infuocata.
I produttori di video che si aprono con un'inquadratura decisiva forniscono al pubblico un contesto per l'azione che vedranno. Mostra l'intero ambiente, anche se solo una stanza o parte di una stanza.
Ovviamente, come con tutte le convenzioni, a volte è interessante giocare contro questo. In velluto blu David Lynch inizia con stranezze come scarafaggi che si agitano sotto terra, cani che rosicchiano acqua e un orecchio mozzato.
A volte vale la pena disorientare temporaneamente o addirittura fuorviare lo spettatore. Inizia con l'inquadratura di una fede nuziale d'oro sulla mano di un uomo, quindi tira indietro per rivelare un soldato sdraiato morto in una trincea fangosa.
Ottieni Primo Piano
Dopo aver stabilito la scena, la maggior parte dei registi passa alle inquadrature medie e primi piani . La progressione tradizionale va da lungo a medio per chiudere. Le inquadrature più frequenti di esseri umani sono inquadrature medie, inquadrate all'altezza del petto.
Non ci sono regole assolute. I grandi registi scelgono le loro inquadrature per istinto estetico. Dovresti imparare a fare lo stesso.
I cineasti principianti sono spesso come i primi cineasti:tendono ad accendere la telecamera e lasciarla in funzione. È stato il regista pioniere D.W Griffith a sfidare finalmente questa convenzione, riempiendo film come Birth of a Nation e Intolleranza con primi piani che hanno deliziato il pubblico dei primi film.
I maestri cineasti Orson Welles e Akira Kurosawa fanno un ulteriore passo avanti, utilizzando primi piani estremi anche nelle riprese d'azione. Guarda la battaglia culminante in Chimes At Midnight di Welles e la sequenza "Blizzard" in Dreams. di Kurosawa
Per un primo piano estremo, riempi la cornice con il viso, tagliando la parte superiore della testa e le spalle. Anche in questo caso, i tuoi occhi saranno a un terzo della distanza dalla parte superiore dello schermo.
Primi piani e primi piani estremi possono anche essere avvincenti quando si espongono soggetti umani. Martin Scorsese usa abitualmente primi piani estremi di oggetti come scarpe che schiacciano mozziconi di sigarette fumanti (Lezioni di vita) , palline da biliardo e stecche (Il colore dei soldi) , fumo e sangue (Toro scatenato).
Regola tre
La regola dei terzi è una classica regola di composizione usata da pittori, fotografi e altri artisti visivi. Dichiara che il centro di interesse dovrebbe trovarsi a un terzo del percorso nel frame.
Graficamente, la cornice dell'immagine è divisa orizzontalmente e verticalmente in terzi. Il soggetto principale dovrebbe trovarsi nel punto in cui due delle linee si intersecano o a un terzo del percorso dal bordo dell'inquadratura.
Se la persona sta guardando la telecamera, la testa del soggetto dovrebbe essere centrata o leggermente fuori centro. Se il soggetto sta guardando un'altra persona, luogo o cosa, indica l'oggetto dello sguardo lasciando più spazio nella direzione in cui sta guardando il soggetto. Il termine per questo spazio è sala di conversazione spazio di conversazione, o guarda lo spazio.
Quando si inquadrano due persone, posizionarle in diagonale. Questo li mette insieme nella cornice e crea una composizione equilibrata.
In una foto di gruppo, non mettere le persone in fila come se dovessi scattare un ritratto fermo vecchio stile. Spostali tutti nella cornice, ma raggruppali in modo naturale. Una selezione distoglie lo sguardo dall'inquadratura, mentre un raggruppamento più naturale fa vagare lo sguardo intorno all'immagine.
Contrasto equilibrato
Un produttore di video in cerca di una buona composizione si adopererà per una ripresa ordinata. Un uccello che vola su uno sfondo di cielo azzurro è sia bello che semplice.
Con più di una persona o un oggetto nella cornice, il produttore dovrebbe cercare l'equilibrio. Un oggetto principale appare meglio bilanciato da un oggetto più piccolo a lato. Dimensioni, contrasto e colore dovrebbero essere sempre bilanciati.
Un'interessante tecnica compositiva è l'inquadratura degli interni, che compone un'inquadratura in modo che il centro dell'interesse sia inquadrato da qualcosa all'interno della scena:rami di un albero, ringhiere di recinzione, un arco, uno specchio.
Mentre il cantante sale sul palco in Diva c'è un taglio su un primo piano estremo degli occhiali da sole di un uomo che riflette una visione completa di lei che sale al centro della scena. Un tiro del genere è potente e intelligente, ma evidente. Questi tipi di trucchi perderanno il loro impatto se abusati.
Il maestro dell'inquadratura interna più sottile è Orson Welles. All'inizio di Cittadino Kane il giovane Charles Foster Kane è visto attraverso una finestra che si diverte con la sua slitta nella neve, mentre all'interno della casa e davanti alla cornice sua madre, il patrigno e il banchiere determinano il suo futuro.
Linee guida è un'altra tecnica compositiva che guida l'occhio dello spettatore al centro dell'interesse. Quando riprendi un edificio storico con una strada asfaltata che si snoda verso di esso, scatta da un lato in modo che la strada sia inclinata attraverso l'inquadratura rispetto all'edificio. Una strada è una linea guida ovvia, ma cercane altre che puoi organizzare in modo che sembrino indicare l'argomento.
Impara a notare tutto nella cornice. Supponiamo di girare un'intervista con il soggetto ben bilanciato nell'inquadratura. Sfortunatamente, trascuri la pianta sullo sfondo che sembra crescere dalla testa dell'intervistato e la linea sul muro che sembra entrare da un orecchio e uscire dall'altro.
Per evitare composizioni così imbarazzanti e non necessarie, usa la stessa cura che eserciteresti nell'allestimento di una fotografia fissa. Elimina gli oggetti che distraggono. Riordina il set. Crea il tuo sfondo.
Fai attenzione al contrasto estremo. Una persona tutta vestita di nero appollaiata davanti a un muro bianco può sembrare troppo scura. In generale, i soggetti dovrebbero indossare tonalità medie e tinta unita senza righe o piccoli motivi. Il blu è un buon colore per i video. Sii consapevole dei contrasti tra le tonalità della pelle, i vestiti e lo sfondo.
Su, Giù, Lateralmente
Si ottengono effetti interessanti scattando da angolazioni alte o basse.
Se vuoi enfatizzare le dimensioni e l'importanza di un soggetto, scatta da un angolo basso. Nel Guerriero della strada il regista George Miller intendeva che il duro e pieno di risorse sopravvissuto alle battaglie post-apocalittiche per il carburante fosse un eroe mitico. Pertanto, Miller ha sparato a Mad Max da angolazioni basse.
Le riprese dal basso danno agli spettatori la sensazione di guardare persone ed eventi più grandi della vita. Un angolo molto basso conferisce a una persona o a un oggetto più potenza. Il falco maltese di John Huston ha una memorabile inquadratura dal basso della montuosa Sydney Greenstreet mentre scherza con il detective Sam Spade sulla mitica reliquia scomparsa.
Matewan di John Sayles include una scena in cui un organizzatore sindacale convince finalmente i minatori scontenti dalla sua parte. Sayles ha deliberatamente scelto di non sparare da un'angolazione bassa; farlo avrebbe dipinto l'uomo del sindacato come un eroe, mentre Sayles desiderava ritrarlo semplicemente come uno di un gruppo.
Un'inquadratura dall'alto trasmette insignificanza e impotenza. In Tutti i Presidenti Uomini la telecamera si sposta a un angolo estremamente alto dal soffitto della Biblioteca del Congresso, mostrando due giornalisti che solcano imbronciati pile di ricevute e comunicando la noia e la noia dei loro sforzi apparentemente insignificanti per far cadere un'amministrazione brulicante di criminali.
Un'inquadratura con una gru ad angolo molto alto può rivelare l'assoluta grandezza di una scena. In Via col vento Il tiro con la gru di Victor Fleming si allontana per mostrare Scarlett O'Hara che inciampa tra file e file di soldati confederati feriti e morenti che giacciono in un deposito di treni in frantumi.
Ovviamente anche scattare dall'altezza degli occhi più standard va bene. La convinzione di Howard Hawks che lo sviluppo della storia fosse il lavoro più importante del regista lo ha portato a posizionare spesso la telecamera direttamente all'altezza degli occhi; in questo modo lo spettatore potrebbe considerare il film come uno spettatore. La sua ragazza venerdì di Hawks è un film girato quasi esclusivamente all'altezza degli occhi.
Non limitarti solo agli angoli verticali. Nelle riprese di apertura di Bagdad Cafe, una coppia di turisti tedeschi che si sono fermati nel deserto del Mojave per fare i propri bisogni decide di prendere strade separate. La scena è girata con la telecamera inclinata a destra e a sinistra, illustrando la disarmonia tra l'uomo e la moglie.
A Est dell'Eden Martin Pitt improvvisamente inclina e fa oscillare ritmicamente la telecamera per riflettere il desiderio rabbioso e malevolo di Caleb di distruggere suo fratello e suo padre. Spike Lee utilizza anche la fotocamera inclinata in Fai la cosa giusta , un film sul conflitto etnico a New York.
Lungo e veloce
La lunghezza dello scatto dipende dal tipo. Un fermo immagine potrebbe durare tre secondi, una panoramica 10 secondi, un'azione molto più lunga. La ripresa media di film e televisione è di 10 secondi.
Esistono due stili di modifica di base, varie scene e montaggio. Entrambi sono termini francesi. Mise-en-scene significa dirigere l'azione in un ambiente; montaggio si traduce come montaggio. In inglese potremmo definire questi termini come long take e cut.
A lungo la fotocamera rimane ferma e lascia che l'azione avvenga all'interno dell'inquadratura. Poiché una serie di azioni si verifica in un singolo fotogramma, deve esserci una profondità di campo sufficiente per mantenere tutto a fuoco. Cittadino Kane, considerato da alcuni critici la massima espressione della tecnica cinematografica, presenta scene intere coperte in un'unica ripresa.
Lo stile di montaggio, che prevede molti tagli rapidi, è stato sviluppato e perfezionato dal regista russo Sergei Eisenstein in film come Dieci giorni che hanno scosso il mondo e Potemkin.
I film di Alfred Hitchcock spesso includono un uso creativo del montaggio. La famigerata scena della doccia in Pycho dispone di 78 tagli in 45 secondi. Lunotto posteriore include una sequenza tesa in cui il ficcanaso in sedia a rotelle Jimmy Stewart osserva Grace Kelly saccheggiare l'appartamento del sospetto assassino Raymond Burr mentre lo stesso Burr si avvicina a casa sua. Questa sequenza dura quattro minuti ed è composta da 61 tagli.
Nelle buone sequenze di montaggio, la giustapposizione di inquadrature crea nello spettatore l'effetto che il regista cerca:l'orrore in Psycho, suspense nel Il finestrino posteriore.
I tagli veloci e violenti di Sam Peckinpah in film come The Wild Bunch e Croce di ferro aumentare l'identificazione viscerale dello spettatore con uomini lacerati e morenti. L'uso del montaggio da parte di Eisenstein è riuscito a sospendere le leggi del tempo e della gravità.
I bravi registi sono a loro agio con entrambi gli stili. I film che utilizzano efficacemente sia il montaggio che le riprese lunghe includono The Black Stallion di Carroll Ballard e Apocalypse Now. di Francis Coppola
I buoni registi sono anche molto spesso economici. Non ci sono filmati in eccesso; ogni inquadratura è lunga quanto deve essere e importante per la storia. Le opere minori sono guastate da sfacciati inseguimenti in auto, risse, dialoghi inutili, scene di sesso superflue.
Spara finché non hai posizionato la punta, quindi taglia.
In entrata e in trasferta
Uno spaccato è un'inquadratura di qualcosa a parte l'azione principale ma ad essa collegata. Durante le riprese di un picnic in famiglia, un'inquadratura di formiche in parata servirebbe da spaccato.
Ogni scena offre opportunità per gli spaccati. Uno spaccato aggiunge interesse e dettagli ed è utile durante la modifica per coprire una modifica in cui l'azione non corrisponde.
Un cut-in come una spalla mancante, è un breve primo piano di una persona o di un oggetto lontano dall'azione principale. La differenza è che un cut-in fa parte dell'azione, mentre uno cutaway non lo è.
Supponiamo di fotografare una persona che modella una scultura. Scatta un primo piano delle mani e dell'oggetto, mentre stai registrando l'azione principale o come scatto separato da modificare in seguito. Con i cut-in, offri al pubblico uno sguardo più da vicino al centro dell'interesse.
Gli scatti ritagliati aggiungono varietà e sono utili durante l'editing. È possibile utilizzare un cut-in per accorciare una scena. Il cut-in del primo piano può coprire quella che sarebbe una modifica imbarazzante tra due scatti simili.
Uno scatto con messa a fuoco in rack , a volte chiamato pull focus, è uno scatto con due oggetti nell'inquadratura a distanze diverse dalla fotocamera. Concentrati prima su uno e poi sposta lo stato attivo sul secondo oggetto. Questo sposta l'attenzione da un argomento all'altro.
La messa a fuoco in rack funziona solo quando si scatta con una profondità di campo ridotta. Scatta con l'obiettivo in posizione teleobiettivo e usa un F-stop basso. Dovrebbe esserci una sostanziale differenza di distanza tra i due oggetti.
Un altro modo per attirare l'attenzione dell'osservatore su un soggetto è utilizzare una padella oscillante eseguire la panoramica il più rapidamente possibile su un oggetto. Esercitati in anticipo per mantenere il soggetto ben inquadrato. Affinché lo scatto sia efficace, la panoramica deve essere eseguita così rapidamente da rendere le immagini sfocate.
Carroll Ballard usa efficacemente una padella quando il giovane Alec cade dal transatlantico che sta affondando in The Black Stallion. Il cimitero cerca l'oro in Il buono, il cattivo e il brutto contiene una panoramica estesa.
Uno swish pan può essere utilizzato anche come transizione tra le scene. Ad esempio, supponiamo di girare un giro turistico di una città. Gli swish pan come transizioni tra le posizioni fornirebbero un senso di cambiamento senza la finalità di una dissolvenza.
Non colpevole
Come in un romanzo o in un racconto, un film o un programma televisivo ha un punto di vista. Spesso si tratta di una prospettiva strettamente obiettiva e onnisciente in cui la telecamera osserva l'azione come un osservatore neutrale.
Il documentario di Errol Morris The Thin Blue Line è composto quasi interamente da interviste a persone coinvolte in un caso di omicidio. Morris drammatizza diverse versioni dell'omicidio, fornendo diversi trattamenti degli stessi eventi. Non ha alcun punto di vista cinematografico, anche se alla fine del film è ovvio per il pubblico che l'accusato è innocente.
Rashonzan di Kurosawa utilizza la stessa tecnica, fornendo tre diverse versioni di un presunto attacco e stupro di una donna. Alla fine del suo film, nulla è scontato.
Un regista può anche scegliere di assumere il punto di vista di un personaggio, mostrando frequenti primi piani seguiti da inquadrature dalla prospettiva del personaggio. Gran parte della Chinatown di Roman Polanski viene girato in questo modo. In questo modo il regista crea empatia per i personaggi; il pubblico si identifica con le persone che forniscono il punto di vista.
In Psico Hitchcock ci offre il punto di vista di Janet Leigh, creando simpatia per lei. Quando poi la uccide, ci confonde e ci rende vulnerabili ad altre sorprese. Il pubblico dell'epoca non era divertito.
La maggior parte dei film mescola sia il punto di vista onnisciente che quello personale, a volte offrendo prospettive di più di un personaggio.
Sono una macchina fotografica
Di solito, l'obiettivo dell'operatore della telecamera è di eseguire movimenti della telecamera invisibili allo spettatore:fluidi, stabili e appropriati.
C'è, tuttavia, un caso in cui gli operatori desiderano rendere deliberatamente ovvie le loro mosse. Chiamata fotocamera soggettiva, questa tecnica vuole convincere lo spettatore che la fotocamera è una persona. Cammina con un carrello, alza o abbassa la testa inclinandosi, osserva una scena effettuando una panoramica e perde conoscenza andando fuori fuoco o ruotando.
Dama nel lago è stato girato interamente da un punto di vista soggettivo. La telecamera ha rappresentato il personaggio principale per tutto il film. Il pubblico non lo vede mai, ma solo le reazioni nei suoi confronti:una donna protesa verso l'obiettivo per un bacio, per esempio. L'effetto è molto strano.
Passaggio oscuro inizialmente utilizza la stessa tecnica, prima che il personaggio principale subisca un intervento di chirurgia plastica per diventare Humphrey Bogart.
Una lunga sequenza soggettiva della telecamera viene utilizzata in Robocop quando il poliziotto viene trasformato in un robot. Vediamo le persone che guardano nell'obiettivo come se stessero guardando il suo viso. Questa sequenza ci introduce a quello che più avanti nel film diventa una questione importante:sebbene l'uomo sia morto, trasformato in macchina, i suoi ricordi emotivi rimangono.
La maggior parte dei film utilizza con parsimonia la fotocamera soggettiva mescolata con altri punti di vista. Stanley Kubrick utilizza efficacemente la fotocamera soggettiva per i momenti chiave del viaggio dell'astronauta in 2001:Odissea nello spazio. In Una storia di Natale la telecamera soggettiva mette in scena le paurose aspettative del piccolo Ralphie mentre sale la lunga rampa che porta a un Babbo Natale esausto e cinico.
Svanire
Le transizioni sono la punteggiatura visiva, il mezzo per passare da un'inquadratura all'altra. Le transizioni primarie sono taglia, dissolvi e dissolvenza . Il taglio, dove finisce una ripresa e inizia la successiva senza sovrapposizioni, è il più usato.
Una dissolvenza è quando due colpi si sovrappongono, uno scompare mentre l'altro si dissolve. Le dissolvenze sono spesso usate per indicare salti di calce e posto. In Il serraglio di vetro dissolve e l'illuminazione diffusa serve a differenziare i monologhi sul passato dai ricordi drammatizzati.
Robert Altman ha affrontato una sfida simile in Come Back to the 5 &Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean, dove l'azione taglia dal presente a 20 anni nel passato. Altman ha riflesso le scene precedenti in un grande specchio e vi si è dissolto.
Un regista dotato può anche usare la dissolvenza per indicare caratteristiche condivise. Tocco del Male contiene un bellissimo esempio di dissolvenza che non solo indica un salto nello spazio, ma sottolinea anche il simile tumulto emotivo di due personaggi apparentemente disparati.
In una dissolvenza un'immagine va da o al nero, indicando un inizio o una fine definiti. Una dissolvenza in chiusura indica la finalità ed è meglio usarla come finale per una sequenza. Apocalisse ora è dimezzato da una dissolvenza straordinariamente lunga. Segue l'uccisione improvvisa e casuale di una donna vietnamita gravemente ferita da parte di Willard e ci dà il tempo di considerare la nostra opinione improvvisamente rivista sul suo personaggio.
Con un wipe, un'immagine sembra spingerne un'altra fuori dallo schermo. Le salviette non sono sempre laterali; possono iniziare dall'alto, dal basso, dall'angolo o dal centro della cornice. Un wipe è meno definitivo di una dissolvenza ed è appropriato per una serie di scatti che non mostrano un'azione continua, ma sono in qualche modo correlati.
In Sette Samurai Kurosawa usa le salviette mentre i samurai lavorano per reclutare altri combattenti. Gli scatti sono simili nella composizione ma l'azione non si svolge nello stesso momento o nello stesso luogo.
Canzone del tiro
Una melodia viene creata dalla relazione di singole note. Allo stesso modo, il significato di un film o di un programma TV deriva dal rapporto tra le inquadrature.
Il rapporto tra una serie di inquadrature crea una sequenza. La scena della doccia in Psycho fa parte di una sequenza che inizia con Norman Bates che sbircia da uno spioncino nel suo ufficio e termina con lui che affonda un'auto carica di cadaveri nella palude.
Nel girare una sequenza, prova a costruire una storia. Al suo livello più semplice, una storia ha un inizio, una parte centrale e una fine. Diventa più interessante se il conflitto viene introdotto e risolto.
In una sequenza che mostra i bambini che decorano un albero di Natale, inizia con i primi ornamenti che vanno sull'albero. Spara ai bambini aggiungendo altro nel mezzo e termina con la stella posizionata con uno svolazzo in cima. Ecco, hai creato una storia. Se il bambino si toglie gli ornamenti non appena i bambini più grandi li indossano, hai un conflitto e una potenziale fonte di umorismo.
Per riprendere una sequenza, scegli prima un punto di vista. Quindi inizia con un tiro decisivo. Mantieni le riprese brevi, non più di quanto occorre al pubblico per cogliere l'azione. Varia le distanze e gli angoli dei tuoi colpi. Usa scatti medi e primi piani. Evita di usare lo zoom; concentrati su una serie di scatti individuali.
Le tecniche qui menzionate sono quei professionisti che trascorrono la vita cercando di perfezionare. Non aspettarti di padroneggiarli nelle tue prossime riprese.
Ma provane uno la prossima volta che esci e continua a provare finché non lo fai bene. Quando hai imparato quella tecnica, provane un'altra. Continua così. Presto girerai come un professionista.