Il cinema narrativo è una delle forme d'arte più grandi e potenti mai inventate ed è ancora relativamente nuovo. E mentre è cresciuto rapidamente, molti degli elementi che compongono un film narrativo di successo erano già presenti all'inizio. Non c'è bisogno di guardare oltre il capolavoro di Fritz Lang del 1927, Metropolis per vedere quanto fosse avanzato il cinema a soli vent'anni circa dopo che i primi cortometraggi di Edison avevano sperimentato le immagini in movimento. Questo perché il cinema era un'estensione naturale di altre arti che esistevano da migliaia di anni ed è stato in grado di digerire e utilizzare rapidamente il lavoro svolto da romanzieri, drammaturghi e pittori e di prendere da questa conoscenza esistente e trasformarla in un aspetto leggermente diverso. direzione.
Quali fattori dovresti considerare quando scegli uno scatto?
I filmati sono in realtà solo una serie di immagini fisse mostrate una dopo l'altra e le regole di una buona composizione che si applicano a tutti gli altri media visivi si applicano anche alla produzione di film e video. Una ripresa che sta bene su uno schermo starà bene anche in una cornice sul muro del tuo soggiorno — completamente a parte qualsiasi altro aspetto del film — potresti girare il miglior suono del mondo con dieci microfoni Shure di fascia alta , oppure potresti girare un film muto, la posizione della fotocamera conta da sola e aggiunge un senso di sentimento.
Il cinema narrativo è una delle forme d'arte più grandi e potenti mai inventate.
Una delle serie visivamente più avvincenti che ha colpito gli schermi televisivi di recente è lo spettacolo originale Netflix "House of Cards" con Kevin Spacey nei panni di un membro del Congresso di alto rango, leale e laborioso che viene trattato male da un presidente che ha aiutato a eleggere e trascorre due stagioni deliziose esigendo un'intricata vendetta. È girato con fotocamere digitali RED. House of Cards è girato con un'attenzione quasi ossessiva alla simmetria. In un mondo governato dalla Regola dei terzi, il creatore e regista della serie David Fincher non ha avuto paura di mettere i suoi personaggi al centro delle riprese ancora e ancora e i risultati sono splendidi. Emotivamente e inconsciamente ci dicono che il mondo è equilibrato. Quale posto migliore per farlo in uno spettacolo su un governo costruito per bilanciarsi? Ma Fincher è anche in grado di giustapporre queste scene di calmo equilibrio con altre che sono appesantite da una parte o dall'altra, e il pubblico diventa inconsciamente consapevole che le cose non sono così stabili come pensavamo. Per ulteriori informazioni sulla composizione, dai un'occhiata a questo articolo.
Perché usare una sensazione di ripresa stretta o una ripresa ampia? C'è una differenza emotiva?
Quanto vicino sia il talento nella cornice ci dà la sensazione di quanto siano vicini a noi o ad altre cose. Questo è stato utilizzato in modo spettacolare nel dramma di Robert Benton del 1979 su una famiglia che cade a pezzi, Kramer vs Kramer. 
L'attore Dustin Hoffman spinge suo figlio Billy (interpretato da Justin Henry) su una bicicletta, mentre Billy capisce come Ride the camera si tira indietro mentre Billy cavalca verso il pubblico, Hoffman diventa più piccolo sullo sfondo, presagindo che Billy starà lasciando suo padre e la distanza che verrà tra loro. Qui quello che sembra un semplice scatto - un padre che insegna a suo figlio ad andare in bicicletta - è avvolto da strati di metafore.
In che modo lo spazio in cui scatti contribuisce ai sentimenti che il pubblico ha sul soggetto?
Una volta che hai imparato l'illuminazione a tre punti, potresti trovarti sopraffatto dal desiderio di riprendere le persone di fronte a uno sfondo grigio con un'illuminazione da studio davvero bella e morbida con un set di banchi video Arri. Aprire il tuo background e riempirlo di informazioni sul tuo argomento può aiutare a creare l'atmosfera per il tuo colloquio. Sparare a uno scienziato nel loro ufficio squallido e illuminato a fluorescenza potrebbe sembrare un triste errore quando entri per la prima volta nella stanza, poiché l'illuminazione funzionale, come quella fluorescente sopra la testa, non è necessariamente attraente. Ma solo perché le luci sono lì, non significa che devi usarle. Spegni le luci e illumina tu stesso la scena. Prova a usare piccole luci strette per accentuare parti dello sfondo. Non aver paura di usare i gel per dare un po' di colore alle pareti. Rendi interessante il tuo background, ma aiuta anche a raccontare la tua storia. Stai fotografando un paleontologo? Riesci a mettere uno scheletro di dinosauro sullo sfondo? Stai fotografando un violinista? Puoi farlo sul palco della sala da concerto? Tutti questi sfondi hanno un impatto emotivo che il tuo spettatore sentirà, anche se potrebbe non rendersene conto; i sottili segnali si riempiranno man mano che la storia viene raccontata. Anche gli spazi vuoti nella tua cornice possono portare mondi di significato.
Come decidi tra un'inquadratura dal basso, all'altezza degli occhi e un'inquadratura dall'alto? In che modo questo influisce sul pubblico?
Da dove vediamo le persone ha un grande impatto sul modo in cui le vediamo. Ciò è in parte dovuto al fatto che molti di noi sono abituati a guardare dall'alto in basso i bambini e gli adulti, ma anche a causa di una naturale intimidazione che sentiamo da cose più grandi di noi:chiese, navi giganti, Godzilla, ecc.
Riprendere un soggetto da un angolo basso lo fa sembrare potente e intimidatorio, riprendere un soggetto da un angolo alto lo rende sembri piccolo e debole.
Guardare qualcuno a livello degli occhi li mostra come uguali. In "Il ritorno dello Jedi", quando Luke incontra il minuscolo maestro Jedi Yoda, alto un metro e ottanta, noterai che Luke è seduto per terra quando si incontrano, in modo che gli scatti siano tutti all'altezza degli occhi . In effetti, Yoda, nonostante sia piccolo, viene filmato in modo molto consapevole per lo più all'altezza degli occhi, perché sebbene sia piccolo, come dice "Le dimensioni non contano".
Perché usare uno scatto a mano libera o statico?
A volte i colpi si muovono; a volte stanno fermi. A volte prendi la macchina fotografica e la segui. Tutti significano cose diverse ea volte la cosa è l'opportunità. Gli scatti in movimento sono quasi sempre più coinvolgenti, anche se potresti non notare nemmeno che la fotocamera si sta muovendo. Registi e cineasti con molto tempo e budget elevati utilizzeranno molto spesso un'inquadratura da carrello, se possibile, piuttosto che una serie di riprese statiche. A volte, tuttavia, la quantità di movimento e la velocità con cui devi fare è troppo grande e devi mettere la fotocamera su una persona e Steadicam. L'esempio più ovvio di ciò è The West Wing, i cui caratteristici scatti di camminata e conversazione si muovono attraverso un'enorme ricreazione della Casa Bianca a una velocità vertiginosa, con persone che vanno e vengono e un nodo di conversazione che va da una stanza all'altra con una velocità sarebbe impossibile se dovessi tracciare una serie complessa di binari per dolly.
Le riprese a mano libera spesso conferiscono alle riprese un'atmosfera da documentario. Danno al pubblico la sensazione che il filmato sia reale piuttosto che una storia di fantasia. È un'intrusione nel processo di produzione che ricorda molto sottilmente allo spettatore che le troupe cinematografiche fanno film su situazioni reali, e quello che stai guardando potrebbe essere una di quelle. Usa riprese a mano libera in situazioni in cui il pubblico potrebbe ragionevolmente pensare nella parte posteriore della testa che potrebbe essere presente una troupe televisiva:storie di politici, musicisti o atleti sul campo. I momenti intimi tra i personaggi senza ragionevoli aspettative sulla presenza di una troupe cinematografica sarebbero migliori con le telecamere fisse.
Quando (se mai) dovresti ingrandire o rimpicciolire?
Il tuo obiettivo potrebbe avere uno zoom. È molto comodo per cambiare le lunghezze focali, ma quando ingrandisci o rimpicciolisci molto spesso sembra un film amatoriale.
I cineasti di oggi usano gli zoom con parsimonia. Nelle rare occasioni in cui vedi uno zoom veloce su una telecamera, spesso imita un cameraman TV:scena di folla, c'è il botto, qualcuno cade! La telecamera ingrandisce un tetto dove una figura oscura con una pistola si alza e inizia a correre! Questo ci catapulta nell'azione, ma nella maggior parte dei casi, quando vuoi cambiare le lunghezze focali, è meglio tagliare via, ingrandire e poi ridurre.
Una notevole eccezione a questo è lo zoom lento. Questo è usato spesso e con grande effetto di solito durante i monologhi in cui un personaggio parla e la telecamera si muove in modo quasi impercettibile, avvicinando lo spettatore.
Consulta questo articolo per conoscere gli errori più comuni che i principianti commettono nei video.
Conclusione
Le riprese che scegli per il tuo video dovrebbero servire a migliorare l'efficacia della sua narrazione. I singoli scatti possono creare, migliorare e mantenere l'atmosfera. I bravi registi e direttori della fotografia hanno una logica emotiva per ogni posizionamento della telecamera.
La tua missione, se scegli di accettarlo, è tenere d'occhio quanto segue mentre guardi la TV o i film:
- Zoom lenti:quando un personaggio sta parlando, scegli un punto sul muro, una pianta in vaso, un interruttore della luce e osserva se la telecamera si sta muovendo lentamente dentro o fuori.
- Illuminazione dei dialoghi:presta particolare attenzione allo sfondo.
- Movimento della fotocamera:la fotocamera è statica? In movimento? È portatile? Perché?
- Svela il tuo istinto:esamina come ti senti riguardo agli scatti che vedi sullo schermo. Non aver paura di mettere in pausa e riavvolgere. Qual è la giustificazione dietro gli scatti? In che modo si aggiungono al fascino generale di ciò che stai guardando?
Ogni giorno della tua vita è un giorno per imparare di più sul tuo mestiere. Usa il tuo tempo con saggezza, studia i maestri e migliora continuamente.
Kyle Cassidy vive con sua moglie Trillian, tre gatti e molte schede di memoria. Scrive spesso di tecnologia e in alcune occasioni ha notoriamente lavorato gratuitamente.