1. Inizia con la foto giusta:
* Oggetto: Scegli un soggetto con caratteristiche e consistenza interessanti nella pelle. I soggetti più vecchi con più carattere possono funzionare bene.
* illuminazione: L'elemento più cruciale. Idealmente, spareresti con una singola fonte di luce direzionale proveniente dal lato e leggermente di fronte al soggetto. Pensalo come un angolo di 45 gradi sia orizzontalmente che verticalmente dalla fotocamera. Questo creerà il classico triangolo Rembrandt (un piccolo triangolo di luce sulla guancia di fronte alla sorgente luminosa). Evita la luce diretta e piatta.
* Sfondo: Usa uno sfondo scuro (nero, marrone profondo o grigio scuro) per isolare ulteriormente il soggetto e migliorare l'umore.
* Formato RAW: Spara sempre in formato grezzo. Ciò ti dà la massima quantità di dati con cui lavorare in post-elaborazione e consente una maggiore flessibilità nel recupero dei dettagli dalle ombre e dai punti salienti.
2. Regolazioni di Lightroom:
* Pannello di base:
* Esposizione: Leggermente sottovalutare l'immagine. Vuoi enfatizzare le ombre. Punta a un'atmosfera debolmente illuminata, ma non del tutto oscura, generale. Non aver paura di spingere il cursore dell'esposizione a -1 o anche oltre se necessario.
* Contrasto: Aumenta il contrasto per approfondire le ombre e far scoppiare i punti salienti (ma non eccessivamente). Un buon punto di partenza è da +20 a +40, ma regola in base all'immagine.
* Highlights: Riduci i punti salienti. Ciò contribuirà a conservare i dettagli nelle aree più luminose e impedire loro di esplodere. Abbassalo in modo significativo -forse -50 o anche più in basso.
* ombre: Sollevare con cura le ombre. Vuoi rivelare alcuni dettagli nelle aree più scure, ma non esagerare e lavare l'umore. Sperimenta con piccoli incrementi, forse da +20 a +40. L'obiettivo è un dettaglio sottile, non illuminazione luminosa.
* Bianchi: Ridurre leggermente i bianchi. Simile ai punti salienti, ciò impedirà il ritaglio e manterrà i dettagli.
* Blacks: Abbassa i neri per approfondire le ombre e creare un senso del dramma. Non schiacciarli completamente; Lascia alcuni dettagli.
* Clarity: Aumenta la chiarezza per migliorare la consistenza e i dettagli, specialmente nella pelle. Da +10 a +30 di solito funziona bene.
* Dehaze: Un sottile tocco di dehaze può aggiungere profondità e dimensione, ma fai attenzione a non esagerare. Da +5 a +15 è generalmente sufficiente.
* Vibrance/saturazione: Riduci leggermente la saturazione per creare una sensazione più silenziosa e senza tempo. La vibrazione funziona spesso meglio per i toni della pelle rispetto alla saturazione generale. Riduci entrambi leggermente.
* Curva di tono:
* La curva del tono è uno strumento potente per modellare l'umore generale. Punta a una curva a forma leggermente "S".
* In basso a sinistra: Solleva leggermente il punto in basso a sinistra della curva per sollevare i neri e creare una transizione ombra più morbida (una leggera "dissolvenza").
* Midtones: Regola il centro della curva per controllare la luminosità e il contrasto complessivi. Un leggero tuffo può approfondire l'umore.
* in alto a destra: Leggermente abbassare il punto in alto a destra per domare le luci.
* Pannello HSL/colore:
* Hue: Apportare sottili regolazioni ai toni della pelle. Spesso, spostare leggermente la tonalità arancione verso il giallo può creare un aspetto più caldo e più classico.
* Saturazione: Desaturare leggermente i colori, in particolare i rossi, le arance e i gialli, per migliorare ulteriormente l'aspetto silenzioso.
* Luminance: Regola la luminanza di colori specifici per controllare la loro luminosità. Ad esempio, l'oscuramento dei rossi sullo sfondo può migliorare l'attenzione sul soggetto.
* Pannello di dettaglio:
* Affilatura: Applicare l'affilatura per far emergere i dettagli. Usa il cursore di mascheramento per proteggere le aree più fluide come la pelle dall'eccessivo raspazio. Tenere premuto Alt/Opzione mentre si regola il cursore di mascheramento per vedere le aree affilate.
* Riduzione del rumore: Aumenta la riduzione del rumore per appianare l'immagine, specialmente nell'ombra. Fai attenzione a non esagerare e perdere dettagli.
* Pannello di effetti:
* Grain: Aggiungi un tocco di grano del film per migliorare il look vintage. Sperimentare con quantità e dimensioni diverse.
* Vignetting: Aggiungi una vignetta sottile (quantità negativa) per scurire i bordi dell'immagine e disegnare l'occhio dello spettatore verso il soggetto. Presta attenzione ai cursori "rotondità" e "piuma" per controllare la forma e la morbidezza della vignetta.
* Pannello di calibrazione (opzionale):
* Sperimenta i cursori primari rossi, verdi e blu per regolare sottilmente il fuso di colori complessivo. Piccoli aggiustamenti possono avere un impatto significativo sull'umore.
3. Regolazioni locali (cruciali per lo stile Rembrandt):
* Riflessione/filtro graduato/filtro radiale: Queste sono le tue armi segrete!
* Dodge and Burn: Usa il pennello di regolazione con esposizione positiva a * Dodge * (alleggeri) aree specifiche e esposizione negativa a * Burn * (scurisce) altri.
* Dodge: Alleggerisci sottilmente i punti salienti sul viso del soggetto, concentrandosi sull'area illuminata dalla fonte luminosa. Inoltre, illumina leggermente il punto di riferimento negli occhi.
* Burn: Scutrini le ombre per creare più profondità e drammaticità. Presta attenzione alle aree intorno al viso del soggetto, come il collo e i capelli.
* Enfasi sulla sorgente luminosa: Se necessario, utilizzare un filtro radiale o un pennello di regolazione per illuminare sottilmente l'area in cui la luce sta colpendo la faccia del soggetto.
* Sfuro di sfondo: Utilizzare un filtro radiale o un filtro graduato per oscurare ulteriormente lo sfondo e isolare il soggetto.
* Miglioramento degli occhi: Usa un piccolo pennello di regolazione con aumento della chiarezza e contrasto per affinare e definire gli occhi.
4. Principi chiave da ricordare:
* La sottigliezza è la chiave: Evita eccessiva elaborazione. Le regolazioni piccole e incrementali sono più efficaci delle grandi e drastiche variazioni.
* Concentrati sulla luce e sull'ombra: Lo stile di Rembrandt riguarda la drammatica interazione di luce e ombra. Presta molta attenzione a come la luce cade sul soggetto e usa Lightroom per migliorare questo effetto.
* Preservare i dettagli: Non schiacciare completamente i neri o spegnere i punti salienti. Conservare alcuni dettagli sia nelle ombre che nei punti salienti.
* Pratica ed esperimento: Il modo migliore per padroneggiare questa tecnica è praticare e sperimentare diverse impostazioni e immagini. Non aver paura di provare cose nuove e vedere cosa funziona meglio per te.
* Usa i riferimenti: Studia i dipinti di Rembrandt per capire come ha usato la luce e l'ombra per creare il suo stile di firma.
Esempio di riepilogo del flusso di lavoro:
1. Importa e seleziona la tua foto.
2. Pannello di base: Sottoespondi leggermente, aumenta il contrasto, riduci le luci, solleva con cura le ombre, riducono i bianchi, i neri più bassi, aumentano la chiarezza, dehaze sottili, riducono la vibrazione/saturazione.
3. Curva di tono: Crea una sottile curva "S", sollevando leggermente i neri.
4. HSL/COLORE: Colori desaturati, regola sottilmente le tonalità della pelle.
5. Dettaglio: Affila con mascheramento, aumenta la riduzione del rumore.
6. Effetti: Aggiungi grano sottile e una vignetta.
7. Regolazioni locali (cruciali): Dodge e brucia con il pennello di regolazione per scolpire la luce, enfatizzare la sorgente luminosa e oscurare lo sfondo.
8. Tocchi finali: Rivedere e apportare eventuali modifiche necessarie.
Seguendo questi passaggi e principi, puoi creare splendidi ritratti scuri e lunatici in stile Rembrandt in Lightroom che catturano l'essenza dello stile iconico del pittore principale. Ricorda di esercitarti e sperimentare per trovare ciò che funziona meglio per le tue immagini e la tua visione artistica. Buona fortuna!