i. La preparazione è la chiave (a partire dall'immagine giusta)
* Oggetto: I soggetti migliori hanno spesso caratteristiche forti, occhi espressivi e un comportamento naturale e contemplativo.
* illuminazione durante le riprese (idealmente):
* Fonte a luce singola: I ritratti di Rembrandt sono definiti da una singola sorgente di luce direzionale (di solito dal lato e leggermente sopra). Pensa a una finestra o un singolo softbox.
* Pattern di illuminazione Rembrandt: Il segno distintivo è il "triangolo Rembrandt" - un piccolo triangolo illuminato di luce sulla guancia di fronte alla fonte di luce. Questo è cruciale.
* Sfondo scuro: Uno sfondo scuro o neutro aiuta il soggetto a distinguersi e contribuisce all'umore generale.
* Esposizione controllata: Esporre leggermente sottoesposto. Vuoi dettagli nei punti salienti ma spazio per giocare con le ombre.
* Qualità dell'immagine: Spara in formato grezzo per darti la massima flessibilità nel post-elaborazione.
ii. Flusso di lavoro di modifica Lightroom
Ecco una guida passo-passo, che si concentra sulle regolazioni della chiave:
1. Pannello di base:
* Correzione del profilo: Abilita la correzione del profilo per rimuovere la distorsione dell'obiettivo.
* White Balance: Generalmente, lascialo come un tiro a meno che non ci sia un cast di colori evidente. Sperimenta con "luce diurna" o "tonalità" per un tono più caldo.
* Esposizione: Regola l'esposizione per ottenere una buona luminosità generale. Ricorda, stai cercando un umore più scuro, quindi non sovraespro. In genere, sottoscriverai leggermente l'immagine.
* Contrasto: Aumenta il contrasto per migliorare la separazione tra luce e ombra. Fai attenzione a non tagliare (perdere dettagli) i luci o le ombre.
* Highlights: Abbassare il cursore dei luci per recuperare i dettagli nelle aree più luminose del viso. Questo è cruciale se l'esposizione iniziale era leggermente calda.
* ombre: Solleva leggermente il cursore delle ombre per mettere in evidenza i dettagli nelle aree più scure. Non esagerare:vuoi mantenere il malumore.
* Bianchi: Regola il cursore dei bianchi per impostare il punto più luminoso nell'immagine, assicurando che ci siano ancora dettagli.
* Blacks: Regola il dispositivo di scorrimento dei neri per impostare il punto più scuro. Ciò contribuisce al contrasto complessivo e all'umore. Spingere i neri più in basso creerà un effetto più drammatico.
* Texture &Clarity: Usa questi cursori con parsimonia. Un tocco di trama può migliorare i dettagli, ma troppo può sembrare duro. La chiarezza può aggiungere una definizione ai medili, ma fai attenzione a non creare un aspetto innaturale. Di solito, ridurre la chiarezza può creare un aspetto più morbido e più pittorico.
* Dehaze: Evita di usare Dehaze, a meno che tu non abbia sparato in condizioni confuse. Può sembrare innaturale per questo stile.
* Vibrance e saturazione: Riduci leggermente la saturazione per un'atmosfera più smorzata e classica. La vibrazione influisce sui colori meno saturi, quindi puoi usarla per riportare un po 'di vita senza rendere i colori troppo intensi.
2. Curva del tono:
* Curva punti:
* S-Curve (sottile): Una curva a S molto sottile può aggiungere contrasto e profondità. Solleva leggermente i luci e abbassa leggermente le ombre.
* Effetto opaco (opzionale): Per creare un aspetto opaco, sollevare il punto inferiore della curva per sollevare leggermente i neri.
* Curve di canale (rosso, verde, blu): Questi ti consentono di regolare l'equilibrio del colore nei punti salienti, mezzoni e ombre. Regolazioni sottili possono aggiungere calore o freschezza a diverse aree dell'immagine. Sperimenta il tiro verso il basso la curva blu nell'ombra per un tono più caldo nelle aree più scure.
3. Pannello HSL/Color:
* Hue: Apportare sottili regolazioni alla tonalità di colori specifici. Ad esempio, spostare l'arancia verso il rosso può migliorare i toni della pelle.
* Saturazione: Riduci la saturazione dei colori che distraggono dal soggetto. Abbassare la saturazione di blu e verdure può aiutare a concentrarsi sul viso.
* Luminance: Regola la luminanza di colori specifici per illuminarli o scurire. Aumenta la luminanza di arancione/giallo per illuminare i toni della pelle, ma fai attenzione a non farli sembrare innaturali.
4. Pannello di dettaglio:
* Affilatura: Affila l'immagine per far emergere i dettagli. Usa il mascheramento per prevenire l'affilatura nelle aree in cui non lo si desidera (ad es. Pelle liscia). Tieni premuto Alt (opzione su Mac) mentre si regola il cursore di mascheramento per vedere quali aree vengono affilate.
* Riduzione del rumore: Se necessario, utilizzare la riduzione del rumore per appianare qualsiasi grano indesiderato. Usa con giudizio per evitare di ammorbidire troppo l'immagine.
5. Pannello di effetti:
* Vignetting: Aggiungi una sottile vignetta (positiva o negativa) per disegnare l'occhio dello spettatore al centro dell'immagine. Sperimenta la quantità, il punto medio e i cursori di rotondità per trovare un effetto piacevole. Le vignette negative (oscurate i bordi) sono comuni per i ritratti in stile Rembrandt.
* Grain (opzionale): L'aggiunta di un tocco di grano può simulare la consistenza di una tela dipinta e aggiungere alla sensazione artistica. Usalo con parsimonia.
6. Pannello di calibrazione (avanzato):
* Rosso/verde/blu tonalità primaria/saturazione/luminanza: Questi cursori ti consentono di apportare regolazioni a colori perfezionate ai singoli canali di colore. Possono essere utili per raggiungere una tavolozza di colori specifica o correggere i calci di colore. Generalmente meglio lasciato intatto a meno che tu non sia sperimentato.
iii. Regolazioni locali (filtro a pennello e graduati):
* Rilevazione:
* Dodge &Burn: Usa il pennello con un flusso basso e una densità per schivare sottilmente (alleggerisci) le luci e bruciano (scuri) le ombre. Concentrati sul miglioramento della luce sul viso e ad approfondire le ombre attorno ai bordi. Usa un pennello morbido e piuma bene per evitare bordi duri.
* Miglioramento degli occhi: Usa il pennello con una leggera spinta all'esposizione e affilatura per far scoppiare gli occhi. Riduci leggermente la saturazione per evitare di farli sembrare innaturali.
* Filtro graduato:
* Sfuro di sfondo: Usa un filtro graduato per oscurare ulteriormente lo sfondo, attirando più attenzione sul soggetto.
IV. Considerazioni e suggerimenti chiave:
* La sottigliezza è la chiave: Le migliori modifiche in stile Rembrandt sono sottili e pittoriche. Evita di eliminare eccessivamente l'immagine.
* Concentrati sulla luce: L'elemento più importante è la luce. Assicurarsi che il triangolo Rembrandt sia presente e ben definito.
* Palette a colori: Rembrandt usava spesso toni caldi e terrosi. Prendi in considerazione la regolazione del bilanciamento del bianco e dei canali di colore per ottenere un aspetto simile.
* Preservare la consistenza della pelle: Evita la pelle in modo eccessivo. Una leggera quantità di trama aggiunge realismo e carattere.
* Immagini di riferimento: Studia i ritratti reali Rembrandt per comprendere l'illuminazione, la composizione e la tavolozza dei colori.
* esperimento! Non esiste un approccio unico per tutti. Sperimenta diverse impostazioni e tecniche per trovare ciò che funziona meglio per la tua immagine e il tuo stile personale.
* Modifica non distruttiva: L'editing di Lightroom non è distruttivo, quindi puoi sempre tornare indietro e apportare modifiche.
* Usa i preset come punto di partenza (attentamente): Mentre puoi trovare online preset in stile Rembrandt, spesso devono essere regolati per adattarsi all'immagine specifica. Usali come punto di partenza, non una soluzione finale.
Regolazioni di esempio (i numeri sono punti di partenza - Regola sull'immagine):
* Esposizione: -0.3 a -0.7
* Contrasto: Da +20 a +40
* Highlights: -50 a -70
* ombre: Da +10 a +30
* Bianchi: -10 a +10
* Blacks: Da -20 a -40
* Clarity: Da -10 a -20 (da ammorbidire)
* Saturazione: Da -5 a -15
* Vibrance: Da +5 a +15
* Vignetting: Da -10 a -30 (importo)
Ricorda che questi sono solo punti di partenza. Il modo migliore per imparare è sperimentare e vedere come ogni regolazione influisce sull'immagine. Buona fortuna!