1. Scatto con l'illuminazione Rembrandt in mente:
* Una fonte di luce: Il fondamento dell'illuminazione di Rembrandt utilizza una singola sorgente luminosa, in genere un softbox o una finestra di grandi dimensioni.
* Angolo di 45 gradi: Posiziona la tua sorgente luminosa ad un angolo di 45 gradi rispetto al soggetto, sia orizzontalmente che verticalmente.
* Funzione chiave:il triangolo della luce: Punta a un piccolo triangolo di luce illuminato sulla guancia di fronte alla fonte di luce. Questo è il segno distintivo dell'illuminazione di Rembrandt.
* ombre: Abbraccia le ombre! Sono cruciali quanto i punti salienti nella creazione dell'umore e della profondità.
* Sfondo scuro: Uno sfondo scuro o neutro aiuta a enfatizzare l'argomento e il dramma della luce.
* Luce diffusa: Usa un diffusore (softbox, ombrello, scrim) per ammorbidire la luce e creare una transizione più graduale tra luci e ombre.
2. Regolazioni iniziali di Lightroom (regolazioni globali):
* Importazione e regolazioni di base: Importa la tua immagine in Lightroom e naviga sul modulo Sviluppa.
* Correzione del profilo: Vai alle correzioni delle lenti e abilita "Rimuovi l'aberrazione cromatica" e "Abilita le correzioni del profilo". Ciò aiuterà a correggere le distorsioni delle lenti e la frange a colori.
* Esposizione: Abbassa l'esposizione per creare un'immagine generale più scura. Probabilmente dovrai regolare questo in seguito, ma iniziare dal lato scuro. Di solito, da -0,5 a -1 fermate è un buon punto di partenza.
* Contrasto: Aumentare il contrasto. Questo approfondirà le ombre e renderà i punti salienti un po 'di più. Un valore tra +20 e +40 è tipico.
* Highlights: Ridurre significativamente le evidenziazioni. Ciò recupererà i dettagli nelle aree più luminose dell'immagine e impedirà loro di ritagliare. Un valore da -50 a -80 è comune.
* ombre: Solleva leggermente le ombre per rivelare alcuni dettagli nelle aree più scure, ma non esagerare. Vuoi mantenere il malumore. Da +10 a +30 potrebbe essere un buon punto di partenza.
* Bianchi: Regola attentamente il cursore dei bianchi. Aumentalo leggermente per far emergere i punti di luce più luminosi nell'immagine, ma evitare il ritaglio. Guarda l'istogramma!
* Blacks: Abbassa il cursore neri per approfondire le ombre e migliorare il contrasto. Ancora una volta, osserva l'istogramma per evitare di perdere dettagli nelle aree più scure.
* Clarity: Aggiungi una piccola quantità di chiarezza. Ciò migliorerà il contrasto di metà tono e aggiungerà un po 'di nitidezza. Evita di esagerare, poiché troppa chiarezza può sembrare dura. Da +5 a +15 è generalmente sufficiente.
* Dehaze: Usa Dehaze * molto * con parsimonia. Un tocco di dehaze può aggiungere un dramma sottile, ma troppo può rendere l'immagine innaturale. Da +5 a +10 è un intervallo sicuro con cui sperimentare.
* Vibrance/saturazione: Ridurre leggermente la vibrazione. I dipinti di Rembrandt hanno spesso colori tenui. Abbassare un po 'la vibrazione può aiutare a raggiungere quell'aspetto. Da -5 a -15 è un buon punto di partenza. Lasciare la saturazione da sola inizialmente, ma preparati ad adattarla in seguito.
3. Regolazioni della curva del tono:
* La curva S: Qui è dove accade la magia! Crea una sottile curva a S nel pannello della curva di tono.
* Abbassa il punto in basso a sinistra per scurire ulteriormente le ombre.
* Sollevare il punto in alto a destra per illuminare i luci.
* I punti di ancoraggio nel mezzo impediscono l'eccesso di aggiustamento.
* Curve del canale (opzionale): Per un controllo più avanzato, è possibile regolare i singoli canali RGB nella curva di tono. Modifiche sottili su questi canali possono influenzare la tonalità del colore e l'umore. Per esempio:
* Rosso Channel: Sollevare leggermente il canale rosso nelle ombre può aggiungere calore.
* Blue Channel: Abbassare leggermente il canale blu nelle luci può far apparire l'immagine più calda.
* Green Channel: La regolazione del canale verde è generalmente meno comune ma può essere utilizzata per perfezionare l'equilibrio del colore.
4. Classificazione del colore:
* Pannello di classificazione del colore (sostituzione tonificante divisa): Usa il pannello di classificazione dei colori (introdotto nelle versioni più nuove Lightroom) per aggiungere sottili toni di colore alle luci, alle medi e alle ombre.
* ombre: Prendi in considerazione l'aggiunta di un tocco di blu o verde acqua alle ombre per creare un aspetto più fresco e drammatico.
* Midtones: Aggiungi un tono caldo sottile, come l'arancione o il giallo, alle mezzoni. Questo aiuta a creare contrasto con le ombre più fredde.
* Highlights: Aggiungi un tono caldo molto sottile (ad esempio arancione, giallo) ai punti salienti. Mantieni questo molto minimo.
* Slider di bilanciamento: Regola il cursore "bilanciamento" nel pannello di classificazione dei colori per favorire ombre o luci, a seconda del look desiderato.
* Slider di fusione: Sperimenta il cursore "Miscelazione" per controllare come i colori nelle luci e nelle ombre si fondono insieme.
5. Affilatura dei dettagli e riduzione del rumore:
* Affilatura: Applicare una moderata quantità di affilatura nel pannello di dettaglio. Utilizzare il cursore "mascheramento" per limitare l'affilatura ai bordi ed evitare il rumore di affilatura nelle aree lisce. Tenere premuto il tasto Alt (tasto opzione su Mac) mentre trascini il cursore di mascheramento per vedere la maschera.
* Riduzione del rumore: Se necessario, applicare una piccola quantità di riduzione del rumore. Le immagini ISO elevate richiederanno probabilmente una maggiore riduzione del rumore.
6. Aggiustamenti locali (perfezionando l'aspetto):
* Riflessione/filtro graduato/filtro radiale: Utilizzare questi strumenti per apportare modifiche mirate a aree specifiche dell'immagine.
* Dodge and Burn: Utilizzare il pennello di regolazione con un flusso basso e una densità per schivare sottilmente (illuminare) e bruciare le ombre (scuri). Questo imita la tradizionale tecnica della camera oscura e aggiunge profondità.
* Attenzione a fuoco: Utilizzare un filtro radiale con una leggera riduzione dell'esposizione e riduzione della chiarezza attorno ai bordi del telaio per attirare l'occhio dello spettatore sul soggetto.
* Migliora il triangolo della luce: Usa il pennello di regolazione per illuminare sottilmente il triangolo di luce sulla guancia, se necessario.
* Riduci le distrazioni: Usa il pennello di regolazione per scurire eventuali elementi di distrazione sullo sfondo.
7. Calibrazione (opzionale):
* Pannello di calibrazione della fotocamera: Sperimenta il pannello di calibrazione della fotocamera per perfezionare il profilo di colore della tua immagine. La regolazione della tonalità e della saturazione primaria rossa, verde e blu può alterare sottilmente la tonalità del colore generale.
8. Impostazioni di esportazione:
* Risoluzione: Esporta ad alta risoluzione se si prevede di stampare l'immagine.
* Formato file: JPEG è una buona scelta per l'uso web. TIFF è migliore per l'archiviazione e la stampa.
* Spazio colore: SRGB è lo spazio di colore standard per il Web. Adobe RGB è più ampio ma potrebbe non essere visualizzato correttamente su tutti i dispositivi.
Suggerimenti chiave per i ritratti in stile Rembrandt:
* La sottigliezza è la chiave: Evita eccessiva elaborazione. I migliori ritratti in stile Rembrandt sono sottili e raffinati.
* Presta attenzione ai toni della pelle: Assicurarsi che i toni della pelle sembrassero naturali e sani.
* Esperimento: Non aver paura di sperimentare diverse impostazioni per trovare l'aspetto che preferisci.
* Usa le immagini di riferimento: Studia dipinti classici di Rembrandt per avere un'idea dell'illuminazione, del colore e dell'umore.
* Pratica: Più ti pratichi, meglio diventerai nel creare ritratti in stile Rembrandt.
* Espressione del modello: L'espressione del modello è vitale. Un'espressione seria, premurosa o leggermente malinconica spesso funziona bene.
* Abbigliamento e oggetti di scena: Abbigliamento scuro e semplice e oggetti di scena minimi contribuiscono all'umore generale.
Esempio di riepilogo del flusso di lavoro:
1. Importa e abilita le correzioni delle lenti.
2. Riduci l'esposizione (da -0,5 a -1).
3. Aumenta il contrasto (da +20 a +40).
4. Riduci i luci (da -50 a -80).
5. Solleva leggermente le ombre (da +10 a +30).
6. Regola attentamente i bianchi e i neri (istogramma di guardia).
7. Aggiungi una leggera chiarezza (da +5 a +15).
8. Riduci la vibrazione (da -5 a -15).
9. Crea una sottile curva a S nella curva del tono.
10. Clavaggio del colore (ombre - blu/verde acqua, medili - arancione/giallo, luci - tono caldo minimo).
11. Affilatura e riduzione del rumore (se necessario).
12. Regolazioni locali (Dodge/Burn, filtri radiali per Focus).
Ricorda che queste sono solo linee guida. Le migliori impostazioni dipenderanno dall'immagine specifica. Usa il tuo occhio e sperimenta per ottenere l'aspetto desiderato! Buona fortuna!