Sei mai stato ipnotizzato? Se sei mai stato al cinema e ti sei trovato completamente perso nella storia, lo sei. Un film ben montato fa esattamente questo, e non è una brutta cosa. Cattura l'immaginazione in un modo che virtualmente prende il controllo del cervello. Ci arrendiamo alla storia e dimentichiamo la realtà fino a quando i crediti non ci riportano sulla terra.
In effetti, questo effetto ipnotico è spesso così potente che se la progressione delle immagini viene interrotta se le cose non scorrono fluide da un'idea all'altra si verifica uno shock.
Se ti trovi mai in un cinema e il film sfortunatamente si interrompe, conoscerai la sensazione. Dall'immersione totale a un grande schermo bianco accecante in un istante; i gemiti che seguono sono suoni di pura frustrazione.
Quindi, quando inizi a modificare le immagini in movimento con il tuo editor non lineare, è utile prestare attenzione alle tecniche sviluppate nel tempo che incoraggiano il pubblico a immergersi nel flusso dell'azione.
Nozioni di base
Molte tecniche che incoraggiano il flusso visivo rientrano nella denominazione di "azione di corrispondenza". In realtà non sono altro che un insieme di semplici regole che aiutano a mantenere lo spettatore orientato e l'azione scorre da una scena all'altra.
Uno dei tipi più elementari di azione di corrispondenza è semplicemente assicurarsi che ogni tiro segua una progressione logica.
Considera la sequenza tradizionale di una persona che attraversa una porta. La solita progressione che si userebbe potrebbe essere :
Tiro 1 – Un'inquadratura ampia di un attore che si avvicina a una porta.
Scatto 2 – Un primo piano della maniglia della porta e una mano protesa per afferrarla.
Scatto 3 – Una ripresa media della mano che apre la porta e la persona che cammina.
Scatto 4 – Un angolo inverso dall'interno della porta che mostra il personaggio che entra nella nuova stanza.
Scatto 5 – Un'inquadratura ampia che mostra la porta chiusa e il personaggio stabilito nella nuova stanza.
Questa progressione di tiro è di base. Sappiamo com'è entrare in una stanza, quindi tutti hanno le stesse aspettative su quale scena segue quale. Ciò che fa la differenza tra il flusso di scena buono e quello cattivo è la tempistica precisa di ogni scena; quante riprese consenti prima e dopo ogni azione centrale.
Guarda la sequenza nella Figura 2A. C'è un errore deliberato nei punti di attacco e stacco tra i due scatti per mostrare un errore di modifica comune.
Nota che al punto di stacco del primo colpo, la mano del personaggio sta appena iniziando a salire verso la maniglia della porta, ma al punto di attacco del tiro successivo, la mano è già sulla maniglia. Un taglio dritto in questi punti in azione produrrebbe un salto che sembrerebbe affrettato.
Invece, un editor esperto consentirebbe all'azione nel colpo 1 di continuare fino a quando la mano non si avvicina alla maniglia della porta, (Figure 2B) o sposterebbe il punto di attacco del colpo 2 in avanti nell'azione per mettere un po' di buffer tra il scene. Tagliare la maniglia della porta prima che la mano entri nell'inquadratura, quindi lasciare che la mano entri nella scena e afferri la maniglia, corrisponderebbe all'azione che il pubblico si aspetta, anche se il tempo tra queste azioni è inferiore al tempo reale.
E questo è un punto importante. Tagliare tra le scene previste in un flusso non significa che devi sempre mantenere una relazione in tempo reale tra di loro. Il pubblico spesso non si accorgerà se tagli il tempo da una sequenza, purché l'azione sia fluida e fluisca logicamente da una scena all'altra.
Rilassati
L'obiettivo generale di ogni editor dovrebbe essere capire di cosa ha bisogno ogni scena per contribuire al programma e assicurarsi che rimanga sullo schermo esattamente abbastanza a lungo (e non un fotogramma in più) per raggiungere l'obiettivo della scena.
Un chiaro segno di montaggio amatoriale sono le scene che durano troppo a lungo. La regola pratica per il ritmo delle scene è la stessa di tutti i buoni film:se non aiuta il pubblico a seguire l'azione o non aiuta a far avanzare la storia, liberatene.
Se guardi gli editori di prima classe al lavoro, noterai la loro ossessione per il taglio delle scene alla perfezione. In genere impostano un punto di montaggio iniziale, quindi impostano un ciclo di riproduzione che attraversa il punto di montaggio. Quindi, riprodurranno la transizione più e più volte mentre usano i comandi da tastiera Ritaglia Modifica per tagliare i fotogrammi dalla testa e dalla coda fino a quando la modifica non sembra perfetta e ogni fotogramma non necessario è sparito.
Tagliare l'azione
Questo è ancora un altro luogo in cui i moderni editori hanno le cose molto più facili rispetto ai vecchi tempi, quando tagliare i fotogrammi significava tagliare strisce di pellicola di celluloide. Oggi, un paio di tocchi sulla tastiera possono manipolare i punti di attacco e stacco e tagliare i singoli fotogrammi in una scena in modo che non ci siano davvero scuse per non effettuare le modifiche.
Molti dei principali pacchetti software odierni vanno ancora oltre, fornendo display a doppia finestra, in modo che l'editor possa vedere le anteprime degli scatti in entrata e in uscita in esecuzione in tempo reale. Questa è un'ottima funzionalità quando vuoi vedere come il taglio influisca sugli scatti su entrambi i lati di un punto di montaggio.
Se guardi i grandi film di ieri e di oggi, scoprirai che hanno tutti qualcosa in comune. Indipendentemente dal fatto che il ritmo delle scene sia veloce o lento, i montatori di film utilizzano queste tecniche d'azione abbinate per mantenere le loro storie in movimento. Allineano l'atmosfera delle esibizioni con il ritmo delle modifiche per dare a ogni scena (o sequenza di scene) il proprio ritmo naturale.
Riconoscere e trovare il ritmo visivo ideale per una sequenza di inquadrature e modificarlo in modo che scorra senza intoppi da una scena all'altra è la differenza tra qualcuno che semplicemente mette insieme le scene e un vero narratore visivo.
[Sidebar:Breaking the Line]
Un altro elemento dell'azione di corrispondenza è la comprensione che i movimenti che avvengono sullo schermo avranno sempre una direzione percepita.
Se il film viola questa nozione, il nostro cervello ha difficoltà a collegare le cose . Immagina che tu e il tuo video club stiate registrando una recita scolastica intitolata Le verdure sono i nostri amici. Dato che ci sono molti volontari, decidi che oltre alle videocamere tra il pubblico, collocherai una telecamera sul palco, dietro lo scenario, puntando verso il pubblico.
È ora del grande ingresso di Mr. Tomato. Entra da sinistra e si sposta a destra. Sia le telecamere sul palco che quelle dietro le quinte stanno girando e hanno il signor Tomato in primo piano.
In post-produzione, noteresti che se tagliassi tra queste due inquadrature, il signor Tomato si sposterebbe da sinistra a destra nel inquadrature del pubblico, ma spostandosi da destra a sinistra nelle riprese della telecamera sul palco.
Questo è ciò che viene chiamato "rompere la linea". Gli spettatori si aspettano che le azioni sullo schermo abbiano un flusso direzionale. Mantenere la prospettiva della telecamera su un lato di una linea immaginaria che corre parallela all'azione mantiene quel senso di flusso.
Se è necessario interrompere la linea, utilizzare una ripresa neutra con il personaggio rivolto direttamente verso o lontano dalla telecamera come buffer, in modo che il flusso direzionale della scena si interrompa momentaneamente.
[Barra laterale:Spaccature]
Un'altra tecnica che consente a un editor di mantenere il programma in movimento è l'uso di inquadrature tagliate o B-roll.
Nel nostro esempio precedente, invece di tagliare dal primo piano della mano all'inquadratura ad angolo inverso del personaggio che entra la stanza, potresti usare una spalla mancante. Un'inquadratura in sezione di una persona seduta a una scrivania nella stanza e che guarda verso la porta potrebbe mantenere la scena in movimento, introducendo in modo efficiente un nuovo personaggio. Usando di nuovo lo spaccato puoi ridurre la durata della scena, poiché il pubblico si aspetta che l'azione di apertura della porta sia continuata durante lo spaccato.
Il ritmo della scena dipende sempre dal contenuto della scena stessa. Se stavi girando una scena di una madre che culla un neonato per farlo addormentare, il ritmo della scena sarebbe in genere molto più lento rispetto a quando stessi tagliando una sequenza di inseguimento in macchina.
I montatori esperti prestano molta attenzione al ritmo della scena. , capendo che può fare la differenza tra un pubblico completamente coinvolto nella storia e uno che si agita al proprio posto.