i. Preparazione e visione:
* Definisci il tuo stile e il tuo scopo:
* Che storia vuoi raccontare? Si tratta di potere, vulnerabilità, gioia, mistero? Questo guida tutto il resto.
* Chi è il tuo soggetto? Comprendere la loro personalità, professione e persino caratteristiche fisiche influenzerà le tue scelte.
* Qual è l'uso previsto? Un colpo alla testa di LinkedIn ha requisiti diversi rispetto a un progetto artistico personale.
* scout la tua posizione (se applicabile):
* Luce: Osserva come cade la luce in diversi momenti del giorno. È un duro sole di mezzogiorno, luce morbida diffusa o magia d'ora dorata?
* Sfondo: È pulito e ordinato? Completa il tuo soggetto o distrae da loro? Considera colori, trame e motivi.
* Spazio: Hai abbastanza spazio per muoverti e posizionare te stesso e il tuo soggetto?
* Controllo dell'attrezzatura:
* Camera: DSLR, mirrorless o persino uno smartphone può funzionare. Comprendi le impostazioni della tua fotocamera.
* Lens: L'apertura è tuo amico! (Vedi sotto.) Le lenti a ritratto sono in genere nella gamma da 35 mm a 135 mm, ma un 50 mm è un ottimo punto di partenza.
* illuminazione: La luce naturale è spesso migliore, ma considera riflettori, diffusori o lampi esterni se necessario.
* Accessori: Tripode (per stabilità, specialmente in condizioni di scarsa illuminazione), misuratore di luce (per esposizione accurata), sfondo (se necessario).
ii. Impostazioni della fotocamera (le cose tecniche):
* apertura (f-stop):
* Tasto per la profondità di campo (DOF): Questo controlla la quantità di immagine a fuoco.
* Apertura larga (ad es. F/1.8, f/2.8, f/4): Crea un DOF poco profondo, offuscando lo sfondo e isolando il soggetto. Look da ritratto classico. Usa con parsimonia, come vuoi entrambi gli occhi a fuoco, se possibile.
* Apertura stretta (ad es. F/8, f/11, f/16): Crea un grande DOF, mantenendo più l'immagine a fuoco. Utile per ritratti ambientali o scatti di gruppo.
* Velocità dell'otturatore:
* Controlla il movimento Blur: Velocità di scatto più veloci (ad es. 1/200s, 1/500s) Motion. Le velocità più lente (ad es. 1/30s, 1/60s) possono introdurre una sfocatura del movimento (intenzionale o non intenzionale).
* Scatto portatile: Generalmente, utilizzare una velocità dell'otturatore almeno uguale alla lunghezza focale dell'obiettivo (ad esempio, con una lente da 50 mm, utilizzare almeno 1/50).
* Iso:
* Sensibilità alla luce: L'ISO inferiore (ad es. 100, 200) produce immagini più pulite con meno rumore. L'ISO più alto (ad es. 800, 1600, 3200) viene utilizzato in bassa luce ma può introdurre rumore (grano). Mantienilo il più basso possibile mantenendo una buona esposizione.
* Modalità Focus:
* Autofocus a punto singolo (AF-S o One-Shot): Meglio per soggetti stazionari. Concentrati sugli occhi (di solito l'occhio più vicino).
* Autofocus continuo (AF-C o AI SERVO): Meglio per i soggetti in movimento.
* Modalità di misurazione:
* Misurazione valutativa/matrice: Valuta l'intera scena e i tentativi di fornire un'esposizione equilibrata. Buon punto di partenza.
* Misurazione spot: Misura la luce solo in una piccola area. Utile per situazioni di illuminazione difficili o quando si desidera controllare con precisione l'esposizione.
* Misurazione ponderata centrale: Enfatizza il centro del telaio per la misurazione.
* White Balance:
* Regola per la temperatura del colore: Garantisce che i colori siano accurati. Utilizzare il bilanciamento del bianco automatico (AWB) come punto di partenza, ma regolare secondo necessità (ad es. Luce diurna, nuvolosa, tungsteno). Le riprese in RAW consentono di regolare il bilanciamento del bianco in post-elaborazione.
* Modalità di tiro:
* Priorità di apertura (AV o A): Si imposta l'apertura e la fotocamera imposta automaticamente la velocità dell'otturatore. Buono per controllare la profondità di campo.
* Manuale (M): Controlli sia l'apertura che la velocità dell'otturatore. Richiede più esperienza ma ti dà il massimo controllo.
iii. Composizione e posa (l'arte):
* La regola dei terzi: Immagina di dividere la cornice in nove parti uguali con due linee orizzontali e due verticali. Posiziona elementi chiave (come gli occhi del soggetto) alle intersezioni di queste linee.
* Linee principali: Usa le linee nell'ambiente per attirare l'occhio dello spettatore sul soggetto.
* Inquadratura: Usa elementi nella scena (ad esempio rami, porte, archi) per inquadrare il soggetto e aggiungere profondità.
* Spazio negativo: Lascia spazio vuoto attorno al soggetto per creare un senso di calma ed equilibrio.
* Posa:
* Rilassamento: Rendi il tuo soggetto a proprio agio. Parla con loro, offri incoraggiamento e dai indicazioni chiare.
* Angoli: Sperimentare con angoli diversi. Una leggera svolta della testa o del corpo può fare una grande differenza.
* Chin: Incluire leggermente il mento verso il basso è generalmente più lusinghiero che inclinarlo.
* Mani: Presta attenzione alle mani. Dovrebbero sembrare rilassati e naturali. Evita pugni serrati o posizioni imbarazzanti.
* Evita le pose frontali dirette: Trasformare leggermente il soggetto sul lato è generalmente più lusinghiero.
* Contatto visivo:
* Contatto per gli occhi diretti: Crea una connessione con lo spettatore. Potente per trasmettere emozioni.
* distogliendo lo sguardo: Può creare un senso di mistero o contemplazione.
IV. Illuminazione (la magia):
* Luce naturale:
* Golden Hour: L'ora dopo l'alba e l'ora prima del tramonto offrono luce calda e morbida.
* Open Shade: Fornisce una luce diffusa, uniforme. Evita la luce del sole diretta, che può creare ombre aspre.
* Giorni nuvolosi: Può fornire una bella luce morbida, ma fai attenzione a evitare un aspetto piatto e senza vita.
* Luce artificiale:
* Reflectors: Rimbalzare la luce sul soggetto per riempire le ombre.
* Diffusers: Ammorbidire la luce dura.
* Flash esterni: Fornire ulteriore luce quando necessario. Utilizzare il flash off-camera con modificatori (ad es. Softbox, ombrelli) per risultati più lusinghieri.
* Direzione leggera:
* illuminazione frontale: Può essere lusinghiero ma può anche appiattire l'immagine.
* illuminazione laterale: Crea più dimensioni e ombre.
* retroilluminazione: Crea una silhouette o una luce del cerchione attorno al soggetto. Richiede un'attenta compensazione dell'esposizione.
v. Comunicazione e interazione:
* Connettiti con l'oggetto: Parla con loro, racconta battute e mettili a proprio agio. Le espressioni autentiche sono più convincenti dei sorrisi forzati.
* Dai una direzione chiara: Dì loro esattamente cosa vuoi che facciano. "Inclina la testa leggermente a sinistra", è meglio di "sembrare naturale".
* Sii paziente: Ci vuole tempo per ottenere un ottimo colpo. Non affrettare il processo.
vi. Post-elaborazione (polacco):
* Scatto in Raw: Ti dà una maggiore flessibilità nel post-elaborazione.
* Software: Adobe Lightroom, Adobe Photoshop, catturarne uno.
* Regolazioni di base:
* Esposizione: Regola luminosità e contrasto.
* White Balance: Casti di colore corretti.
* Highlights and Shadows: Recupera i dettagli in aree luminose e scure.
* chiarezza e trama: Aggiungi definizione.
* Affilatura: Migliora la nitidezza.
* Ritocco (usa con parsimonia):
* Rimuovere le imperfezioni.
* Amodottare la pelle.
* Dodge and Burn: Alleggerisci sottilmente le aree e scuriscono le aree per migliorare la forma e la dimensione.
Esempio:come ho ottenuto * questo * scatto (ritratto ambientale)
Diciamo che voglio fotografare un artista locale nel loro studio.
1. Visione: Voglio catturare la loro creatività e passione, mostrandoli nel loro ambiente naturale. L'immagine dovrebbe sembrare autentica e stimolante.
2. Posizione: Lo studio dell'artista è uno spazio colorato e disordinato pieno di dipinti, pennelli e strumenti.
3. Equipaggiamento:
* Nikon D850
* 50mm f/1.4 lente
* Riflettore
4. Impostazioni:
* Apertura:f/2.8 (per offuscare leggermente lo sfondo e concentrarsi sull'artista)
* Speed dell'otturatore:1/125S (per evitare la sfocatura del movimento)
* ISO:400 (per mantenere una buona esposizione nella luce ambientale dello studio)
* Modalità Focus:Autofocus a punto singolo (focalizzato sull'occhio dell'artista)
5. Composizione:
* Posizionerò l'artista leggermente fuori centraggio, usando la regola dei terzi.
* Includo alcune delle loro opere d'arte in background per fornire contesto.
* Uso le linee principali (ad esempio, il bordo di una tela) per attirare l'occhio dello spettatore sull'artista.
6. Lucitura:
* Lo studio ha grandi finestre che forniscono luce morbida e diffusa.
* Uso un riflettore per rimbalzare la luce sul viso dell'artista e riempire qualsiasi ombre.
7. Posa:
* Chiedo all'artista di stare vicino al loro cavalletto, con in mano un pennello.
* Li incoraggio a guardare direttamente la fotocamera con un'espressione sicura.
8. Interazione:
* Chiacchiera con l'artista del loro lavoro e chiedo loro di condividere i loro pensieri.
* Do loro un feedback positivo e li faccio sentire a proprio agio.
9. Post-elaborazione:
* Regola l'esposizione, il bilanciamento del bianco e il contrasto in Lightroom.
* Affizzo leggermente l'immagine.
* Rimuovo eventuali distrazioni dallo sfondo.
per darti * consigli specifici *, dimmi:
* A che tipo di ritratto mi punta? (Colpo di testa, ambientale, candido, ecc.)
* Chi è il soggetto? (La loro età, personalità e relazione con te)
* dove spararai? (All'interno, all'aperto, in studio)
* Qual è l'uso previsto della foto? (Social media, stampa, regalo, ecc.)
* Che attrezzatura hai? (Telecamera, lente, illuminazione)
* Qual è il tuo livello di esperienza? (Principiante, intermedio, avanzato)
Più informazioni fornisci, più mi sono adattato il mio consiglio! Buona fortuna e divertiti!