Lo spazio narrativo è l'ambiente costruito in cui si svolge una storia. A differenza dello spazio reale, lo spazio narrativo è necessariamente e intrinsecamente frammentato. Pezzi di ambienti sia reali che interamente fabbricati vengono mescolati insieme per presentare l'aspetto di uno spazio coeso, anche quando tale spazio non esiste nella realtà. In quanto tale, la costruzione dello spazio diventa un elemento base della narrazione che dovrebbe essere manipolato con intenzione e creatività.
Seguire le regole
I registi seguono determinate linee guida in modo che il pubblico possa comprendere le relazioni tra i personaggi nello spazio e in modo che l'illusione di uno spazio completo possa essere mantenuta.
Ad esempio, la regola dei 180 gradi, che dice che una volta stabilita una linea d'azione, la fotocamera non dovrebbe oltrepassarla per evitare di confondere lo spettatore. Se due personaggi sono impegnati in una conversazione, la telecamera dovrebbe rimanere su un lato della linea immaginaria che li collega. Se la telecamera passa dall'altra parte di quella linea, i personaggi sembreranno cambiare posizione all'improvviso, andando contro l'interpretazione iniziale dello spazio dello spettatore e distraendoli dalla storia.
Quando si attraversa quell'asse, la linea d'azione, siamo confusi perché le informazioni presentate non corrispondono allo spazio che il nostro cervello ha già costruito sulla base delle riprese precedenti. Il pubblico non è più in grado di mantenere un'immagine mentale coerente dello spazio in cui i personaggi stanno navigando e il film inizia a crollare.
Naturalmente ci sono momenti in cui questa e qualsiasi altra regola del cinema può essere piegata o infranta, ma è importante capire perché queste regole esistono e come influiscono sulla percezione dello spazio da parte del pubblico e sulla storia che si svolge al suo interno.
Costruire lo spazio attraverso il montaggio
Facciamo ipotesi sullo spazio in base a come le inquadrature vengono messe insieme. Quando mancano informazioni, riempiamo le lacune con ciò che ha più senso. Ad esempio, se due personaggi sono impegnati in una conversazione e l'ambiente che li circonda è coerente in termini di set e illuminazione, supponiamo che quei due personaggi si trovino nella stessa stanza, anche senza un'inquadratura stabile per confermare tale ipotesi. È così che funzionano le conversazioni nella nostra esperienza. Nella realtà dell'evento pro-filmico, quello che è realmente accaduto davanti alla telecamera, quegli attori potrebbero non essersi mai parlati faccia a faccia.
Le scene di inseguimento, come la famosa scena di inseguimento di San Francisco in "Bullitt", spesso collegano spazi che non sono affatto vicini l'uno all'altro e possono persino saltare avanti e indietro lungo un percorso. Il montaggio consente di costruire un percorso che ha perfettamente senso all'interno della narrazione ma che sarebbe impossibile da seguire nella vita reale.
Le persone che hanno molta familiarità con San Francisco potrebbero trovare sconcertanti o divertenti alcuni dei più ovvi salti spaziali nella scena dell'inseguimento di "Bullitt", ma in generale, il pubblico non sarà disturbato da questi salti poiché sono usati per produrre uno spazio coerente , anche se completamente costruito nel processo di editing. Finché la narrazione dell'inseguimento stesso ha un senso, il luogo fisico pro-filmico è irrilevante.
Spazio profondo
Costruire lo spazio attraverso il montaggio è solo un modo in cui la deliberata manipolazione dello spazio può funzionare per raccontare la tua storia in modo più efficace. Ad esempio, "Citizen Kane" ha utilizzato una messa a fuoco profonda per presentare una visione coerente e coesa dello spazio che i personaggi occupano in ogni scena.
Nella scena in cui la signora Kane affida la custodia di Charles al signor Thatcher, iniziamo all'esterno nella neve con Charles Kane e andiamo a ritroso attraverso la finestra aperta e nella casa di Kane. Questa carrellata e la messa a fuoco profonda dell'inquadratura finale collegano esplicitamente l'interno e l'esterno attraverso la finestra, escludendo contemporaneamente Charles Kane da qualsiasi decisione presa riguardo al suo futuro all'interno della casa.
Più tardi, quando il padre di Charles si sposta per chiudere la finestra, interrompe quel collegamento tra interno ed esterno, e anche se la signora Kane riapre la finestra, apparentemente ripristinando quella connessione, il suo corpo blocca la nostra visione di Charles. L'inquadratura successiva si gira quindi verso l'interno e lontano da Charles, cementando ulteriormente la sua esclusione dalla famiglia.
Possiamo vedere che il modo in cui lo spazio è presentato in questa scena contribuisce alla nostra interpretazione generale degli eventi e in effetti del film nel suo insieme, consapevolmente o meno. Questo sottolinea l'importanza dell'intenzionalità nella costruzione dello spazio narrativo occupato dai tuoi personaggi.
Applicazione
Il punto è che ogni spazio cinematografico che hai mai incontrato è una costruzione, sia nel senso letterale di un set costruito su un palcoscenico, sia nel senso più astratto in cui ogni ripresa successiva arricchisce la nostra comprensione dello spazio in cui si svolge la narrazione luogo.
Noi, come narratori, dobbiamo essere consapevoli di questa verità cinematografica poiché non solo garantisce continuità nell'interazione dei nostri personaggi con il loro ambiente, ma offre anche opportunità interessanti per raccontare le nostre storie con un vocabolario cinematografico più ricco. La prossima volta che guardi un film, considera come i personaggi e la telecamera navigano nell'ambiente. In che modo lo spazio influisce sulla tua interpretazione delle relazioni tra i personaggi? Perché uno spazio particolare sembra più o meno coerente? Le risposte a queste domande indicheranno nuovi modi per manipolare questo elemento cinematografico di base per una narrazione di maggiore impatto.