Ti sei mai chiesto come gli elementi di una fotografia si uniscono per formare un'immagine di successo? In questo articolo, vedremo come utilizzare i sette principi dell'arte e del design.
Questi principi di progettazione ti aiuteranno a creare immagini migliori e più interessanti.
Quali sono i 7 principi dell'arte e del design?
I 7 principi dell'arte e del design sono equilibrio, ritmo, pattern, enfasi, contrasto, unità e movimento. Usa gli elementi di arte e design – linea, forma/forma, spazio, valore, colore e consistenza – per creare una composizione nel suo insieme.
Gli elementi dell'arte e del design sono gli strumenti degli artisti visivi. I principi dell'arte e del design rappresentano il modo in cui un artista utilizza questi strumenti per creare arte visiva.
Applicando i 7 principi dell'arte e del design, i fotografi possono creare un'immagine coerente fondata sui fondamenti della teoria dell'arte.
Diamo un'occhiata più da vicino a ciascun principio.
7. Saldo
L'equilibrio viene utilizzato per illustrare il peso visivo di un'immagine. Può unire una fotografia o creare divisione. Un'immagine accuratamente bilanciata conferisce un senso di stabilità a una fotografia. Un'immagine sbilanciata crea disunione o inquietudine.
Entrambe le applicazioni vanno bene, a seconda del risultato desiderato.
Puoi raggiungere l'equilibrio in tre modi:
- Simmetria – entrambi i lati di un'immagine riflettono lo stesso soggetto, come un'immagine speculare.
- Asimmetria – elementi contrastanti equilibrano l'immagine. Ad esempio, una superficie altamente strutturata su un lato di un'immagine, controbilanciata da una superficie opaca e liscia sull'altro.
- Simmetria del bilanciamento radiale – elementi equidistanti attorno a un punto centrale, come i raggi di una ruota.
L'equilibrio è sensuale in quanto "sente" sbagliato o giusto. Se stai cercando di enfatizzare l'equilibrio in un'immagine, prova a spostare la fotocamera per ottenere prospettive diverse.
Puoi anche provare a fotografare diversi campi di texture e colore. Non aver paura di sperimentare un po'.
6. Ritmo
Per molti versi, la composizione in musica è molto simile alla composizione in fotografia. Il concetto fotografico di ritmo prende molto in prestito dalla teoria musicale.
Proprio come un musicista che legge le note su uno spartito, i soggetti in uno spazio regolano il modo in cui vediamo una fotografia.
Il ritmo determina la distribuzione ricorrente o organizzata/disorganizzata di elementi visivi in un'immagine.
Per introdurre un senso del ritmo nella tua fotografia, prova a visualizzare la notazione musicale.
Gli spazi, le correlazioni e le differenze tra i soggetti in una fotografia come questa riflettono le note su uno spartito.
5. Schema
Il modello dà un senso al mondo visivo attraverso la regolarità. Dagli oggetti creati dall'uomo al materiale organico e all'astrazione.
Gli elementi del design possono essere organizzati in modo prevedibile per formare un modello. In parole povere, i modelli sono ripetizioni degli elementi dell'arte e del design. Questi funzionano all'unisono all'interno di un unico fotogramma.
L'occhio umano è calibrato per cercare schemi. Questo può suscitare sorprendenti reazioni emotive da parte di uno spettatore.
I motivi sono un principio attivo dell'arte e del design, sollevano un'immagine dalla pagina. Incorporare motivi nella tua fotografia riguarda tanto l'esplorazione quanto la tecnica fotografica.
Prova a cercare le caratteristiche architettoniche e urbane o i soggetti organici come i fiori. Una volta che inizi a cercare, rimarrai stupito dall'abbondanza di modelli intorno a te.
4. Enfasi
L'enfasi modella il centro di interesse in un'immagine. Colore, spazio, trama e linea interagiscono per determinare la messa a fuoco di un'immagine.
Ci sono molti modi per creare enfasi in una fotografia. L'enfasi spaziale implica l'orientamento di un soggetto all'interno della cornice fotografica.
Un soggetto solitario situato al centro di un'immagine attirerà l'attenzione. È il componente più facilmente disponibile della fotografia.
Per una fotografia con più soggetti, il raggruppamento selettivo guida l'occhio dell'osservatore verso particolari punti focali.
Le dimensioni di un soggetto determinano anche il modo in cui lo spettatore "leggerà" una fotografia. Un soggetto più grande suggerisce una vicinanza alla superficie della fotografia. Attira maggiore attenzione rispetto a quella di un soggetto più piccolo sullo sfondo.
L'inclusione delle dimensioni racconta una storia sulla fisicità dei soggetti in una fotografia, aggiungendo profondità e prospettiva.
Il colore è un altro strumento che può coltivare l'enfasi. Un soggetto dai colori vivaci all'interno di una scena scura dà un senso di vivacità e vita a un'immagine. Attira l'attenzione dello spettatore.
3. Contrasto
Il contrasto si crea quando in una fotografia sono presenti due o più elementi opposti. Chiaro contro scuro, caldo contro freddo.
Ma il contrasto include anche elementi fisici. La trama è un altro modo per utilizzare il principio del contrasto nella fotografia. Includere due o più texture in una fotografia non solo introduce tattilità, ma crea anche un senso del luogo.
Una goccia d'acqua rotonda che poggia sui viticci sfocati di una pianta è un esempio di un argomento testualmente contrastante.
Soggetti contrastanti portano la narrazione in una fotografia. Puoi anche provare a giustapporre attributi come nitidezza e morbidezza, vecchio e nuovo o curvo e dritto.
2. Unità
L'unità descrive la relazione visiva tra gli elementi in una fotografia. Aiuta a creare un'immagine coesa.
L'uso di colori o toni, concetti o elementi simili coltiva un senso di unità.
La disunione è l'opposto. Il cattivo ritaglio, le prospettive imbarazzanti o la sovra e sottoesposizione interrompono un'immagine e possono causare la disunione.
Un altro aspetto che sta alla base di un'immagine unitaria è l'idea chiara di un risultato fotografico. Un risultato fotografico, o obiettivo, è l'immagine mentale idealizzata di una fotografia prima che venga scattata.
Previsualizzando un risultato, un fotografo può sviluppare un'idea più chiara dello scopo di una fotografia. Questo, a sua volta, consente al fotografo di assumere un maggiore controllo dell'immagine.
1. Movimento
Il termine "movimento" in fotografia descrive spesso la relazione tra la velocità dell'otturatore della fotocamera e un soggetto. Quando si tratta di arte e design, il movimento si riferisce al percorso che l'occhio dell'osservatore compie durante la lettura di una fotografia.
Il movimento è plasmato dagli elementi e dai principi dell'arte e del design. Un fotografo può assumere il controllo del modo in cui uno spettatore assorbe una fotografia.
Ad esempio, l'uso della linea nella fotografia crea "autostrade visive" che guidano l'occhio di uno spettatore.
Le linee frastagliate creano eccitazione, spostando lo sguardo dello spettatore da un punto all'altro. Le linee curve sono più sottili. Questi riducono la velocità di visualizzazione di una fotografia.
Comprendere la natura e la psicologia della vista umana è una parte importante del controllo del movimento. Ad esempio, l'occhio umano è più sensibile a determinati colori rispetto ad altri.
Il rosso attira l'attenzione. I blu tenui sono più delicati e più sottili. Il movimento può essere diretto attraverso l'uso selettivo del colore e della saturazione.
Ci sono molti modi diversi per guidare l'occhio dello spettatore attraverso una fotografia. Il movimento studia la natura dell'occhio e la psicologia alla base del modo in cui assorbiamo le informazioni visive.
Conclusione
I sette principi dell'arte e del design nella fotografia; equilibrio, ritmo, pattern, enfasi, contrasto, unità e movimento, costituiscono la base delle arti visive.
L'uso dei sette principi ti consente di assumere un maggiore controllo della tua pratica fotografica. Ciò porterà a foto migliori e più opportunità fotografiche.