Hai la tua storia, il tuo cast, la tua troupe, la tua attrezzatura e le luci; hai un set o una posizione. Sei quasi pronto per partire. Quello a cui devi pensare ora è la composizione della scena. Una buona composizione può creare o distruggere un film perché non puoi semplicemente mettere tutto e tutti in una stanza e lasciar perdere. Il punto in cui le persone e le cose sono posizionate in una scena e il modo in cui ti avvicini alla loro ripresa trasmette così tanto al pubblico. Non importa se stai girando un'intervista esplicativa o facendo un video di danza, capire le tecniche di composizione e usarle in modo efficace darà vita al tuo film.
Regola dei terzi
È probabile che se hai sentito parlare solo di 1 regola compositiva, sia la regola dei terzi. Questa regola divide la scena in 9 rettangoli, utilizzando 2 linee verticali distanziate uniformemente sulla scena e 2 linee orizzontali a intervalli uguali lungo l'inquadratura. I 4 punti in cui queste linee si intersecano sono chiamati punti di interesse o punti di alimentazione.
La teoria alla base della regola dei terzi è che posiziona il soggetto a fuoco su uno dei punti di interesse e utilizza le linee di divisione per linee orizzontali o verticali marcate nella scena . Questo crea una forte dinamica all'interno dell'inquadratura e introduce tensione tra gli elementi nella scena. A meno che tu non stia cercando una composizione specificamente simmetrica, inquadrare il soggetto al centro della scena può sembrare piatto e senza vita. Non importa quale lunghezza focale stai utilizzando, puoi comunque applicare la regola dei terzi.
Puoi vedere in questo video come è posizionato il soggetto sulla seconda verticale, con la testa sul punto di interesse in alto a destra.
In questo video clip, il promontorio sullo sfondo si trova lungo la linea orizzontale superiore. Non attraversa il centro dell'inquadratura, il che lo taglierebbe a metà e lascerebbe la scena piatta.
Equilibrio e simmetria
Equilibrio e simmetria sono diverse tecniche di composizione. L'equilibrio si presenta in molte forme, ma assicura che una composizione cinematografica sia completa. Una figura con la testa sul punto di interesse in alto a sinistra può essere bilanciata da un oggetto verso il basso a destra. Non deve essere necessariamente della stessa dimensione, forma o colore, ma fornisce un complemento. Un fiore rosa intenso nell'angolo in alto a destra di un'inquadratura può essere bilanciato da uno spazio negativo verde brillante che riempie il resto della scena. Oppure qualcuno in basso a destra può bilanciarsi guardando verso l'angolo in alto a sinistra. Sentirai una scena sbilanciata quando ne vedrai una, indipendentemente dal fatto che tu abbia utilizzato un teleobiettivo o un obiettivo grandangolare. Sii aperto su come riequilibrarlo:non è necessariamente la scelta ovvia che funzionerà al meglio.
Presumibilmente, più le persone sono simmetriche, più le troviamo attraenti. Non sono sicuro di quanto sia rigorosamente accurato, ma aiuta a spiegare perché troviamo piacevoli alla vista gli scatti simmetrici, anche se infrangono la regola dei terzi. C'è una calma, un'uniformità in loro che è coinvolgente.
Per alcuni scatti, solo la simmetria andrà bene, ad esempio con questo filmato di una coppia di palestre. E gli scatti centrati dei volti delle persone sono allettanti:ti senti come se potessi connetterti con loro. Sono molto potenti e possono essere accentuati avvicinandosi o allontanandosi dal soggetto utilizzando un carrello.
2 consigli quando si tratta di composizioni simmetriche:in primo luogo, devono essere accurati. Se non hanno ragione, irritano i tuoi spettatori. In secondo luogo, non abusare della composizione simmetrica. Può diventare estenuante per il tuo pubblico o perdere il suo impatto.
Loading room e headroom
Headroom significa lasciare uno spazio vuoto tra la parte superiore della testa del soggetto e il bordo dell'inquadratura. Ciò impedisce alla scena di sentirsi angusta o forse affrettata o aggressiva. Potrebbero esserci momenti in cui evocare quei sentimenti è esattamente ciò di cui hai bisogno, ma soprattutto, dai ai tuoi soggetti spazio per respirare nella scena.
La stanza principale si riferisce alla posizione del soggetto nella scena e alla direzione in cui guarda. La convenzione suggerisce che se hai un soggetto a sinistra della scena, dovrebbe guardare a destra, non a sinistra, dell'inquadratura o può creare confusione per il pubblico. Se lo fai con attenzione e considerazione, penso che questa sia una regola buona da infrangere.
Linee guida
Inizi dall'albero e poi segui il percorso attraverso la scena.
Le battute principali indirizzano il tuo pubblico verso il tuo punto focale o verso qualcos'altro nella scena che è in qualche modo significativo. Le linee guida possono essere reali o immaginarie, diritte o curve. Strade, binari ferroviari e fiumi sono tutte linee guida ovvie, ma anche le linee di vista delle persone funzionano. Dove sta guardando il tuo soggetto? Dove guarderanno, guarderà anche il tuo pubblico.
All'inizio potresti guardare il regista sulla scogliera, ma poi seguirai la sua visuale fino al mare.
È possibile comporre un'inquadratura utilizzando più linee guida che ti guidano attraverso la scena e aiutano a raccontare la tua storia. Un percorso potrebbe portare al tuo soggetto, mentre la sua visuale potrebbe portare fino a un albero fino a un uccello.
Profondità di campo
Quanto di una scena è a fuoco e quanto è sfocato aiuta a raccontare la tua storia mostrando al tuo pubblico dove concentrarsi e cosa è importante.
Una profondità di campo ridotta è ottima per concentrare l'attenzione del pubblico, ma non funzionerà per un inquadratura fondamentale in cui stai cercando di impostare il contesto. Anche con un obiettivo grandangolare e una profonda profondità di campo, puoi comunque assicurarti che il tuo pubblico riconosca il tuo soggetto. Riducendo o allargando il soggetto nella scena, puoi suggerire se qualcuno è sopraffatto o ha anche il controllo di una situazione.
Imparare come mettere a fuoco o concentrare l'attenzione è una grande abilità per aiutare a cambiare ciò che è a fuoco in una scena. Sia che tu stia utilizzando un obiettivo a focale fissa o uno zoom, dovrà disporre di una messa a fuoco manuale per la messa a fuoco a rack.
Regola 180º
Quando hai 2 o più personaggi che comunicano all'interno di una scena o un personaggio che interagisce con un oggetto chiave, dovrebbero sempre rimanere sullo stesso lato dello schermo mentre il pubblico li guarda. Questa è chiamata la regola del 180º e aiuta a mantenere la coerenza per il tuo pubblico. Puoi superare la linea dei 180º, ma questo deve essere fatto con molta attenzione e con uno scopo, altrimenti confonderà il pubblico e potrebbe perdere la trama.
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Gli angoli della telecamera cambiano il modo in cui il pubblico si sente riguardo ai soggetti sullo schermo. Se ti avvicini a qualcuno all'altezza degli occhi, il tuo pubblico si sentirà uguale e connesso a lui. Filma dal basso e il pubblico si sentirà sottomesso al personaggio. Invertire la posizione delle riprese e il personaggio sembrerà sottomesso. Ricorda, quando modifichi gli angoli di ripresa, cambierà anche ciò che appare in primo piano e sullo sfondo. Devi considerare cosa vuoi che sia visibile e quanto dovrebbe essere significativo.
Rispetto a
Conosci le regole, così puoi infrangerle
Si potrebbe ben dire che la differenza tra una buona composizione e una cattiva composizione sta nel rispetto delle regole di composizione. Questo non è vero. Quando comprendi le regole di composizione, ti dà una comprensione più profonda di come il tuo pubblico interagirà con il tuo filmato. E questo ti dà la libertà di andare e infrangere le regole per raggiungere i tuoi obiettivi cinematografici. La differenza tra una buona composizione della scena e una scarsa composizione dell'inquadratura è se sei o meno in grado di raccontare la tua storia in un modo avvincente che attiri il pubblico e non lo distragga o lo irriti. Essere audace. Conosci le regole di composizione e poi potrai infrangerle correttamente.