i. Comprensione dell'illuminazione Rembrandt
* Caratteristica chiave:la patch Rembrandt. Il segno distintivo di questo stile è un piccolo triangolo o un diamante di luce sulla guancia di fronte alla fonte di luce principale. Questo fallimento è cruciale.
* Fonte luminosa: In genere, viene utilizzata una singola fonte di luce focalizzata. Questa può essere una luce naturale (come una finestra) o una luce artificiale (come un piatto morbido o di bellezza).
* ombre: Le ampie ombre sono un elemento critico. Creano profondità e umore.
* umore: L'illuminazione di Rembrandt è associata a drammaticità, introspezione e un classico sentimento pittorico.
ii. Prima di iniziare:la fotografia ideale
* L'immagine di origine ideale: Mentre puoi lavorare con la maggior parte delle foto, è meglio iniziare con un'immagine che ha già un po 'di illuminazione direzionale e uno sfondo relativamente scuro.
* Buoni punti di partenza: Foto scattate in casa vicino a una finestra (con il soggetto rivolto verso la finestra ad un angolo) o foto scattate con un singolo flash off-camera.
* Meno ideale: Immagini fulmine (come quelle scattate con flash sulla fotocamera direttamente sull'argomento) richiederanno molto più lavoro.
* Pose: Il viso del soggetto dovrebbe essere parzialmente allontanato dalla sorgente luminosa per consentire il caratteristico motivo di illuminazione Rembrandt.
iii. Regolazioni Lightroom:una guida passo-passo
Questo presuppone che tu stia lavorando in Lightroom Classic o Lightroom CC. I nomi e le posizioni dei cursori potrebbero variare leggermente tra le versioni.
1. Regolazioni del pannello di base:
* Esposizione: Inizia riducendo l'esposizione in generale. Stiamo puntando a un'atmosfera più oscura e drammatica. Abbassati ma non perdere troppi dettagli. Punta da -0,5 a -1.5, a seconda della tua immagine.
* Contrasto: Aumenta significativamente il contrasto per creare una maggiore separazione tra i luci e le ombre. Prova da +20 a +50.
* Highlights: Abbassa i punti salienti per recuperare i dettagli nelle aree più luminose. Ciò può impedire aree spazzate sul viso. Da -30 a -70 potrebbe essere necessario.
* ombre: Questo è cruciale. Abbassa le ombre drasticamente per approfondire le loro. Ciò aggiungerà all'effetto lunatico. Da -60 a -100 è un buon punto di partenza.
* Bianchi: Regola i bianchi per impostare il punto più luminoso nell'immagine. Sperimenta per trovare ciò che funziona meglio:a volte aumentare un po 'può aiutare a creare un bagliore sottile, altre volte in calo è meglio.
* Blacks: Abbassare i neri approfondirà ulteriormente le aree scure. Da -30 a -70 è un buon punto di partenza. Non schiacciare completamente i neri; Lascia alcuni dettagli.
* Clarity: Aumenta la chiarezza sottilmente. Ciò può migliorare la trama e i dettagli in faccia. Da +5 a +20. Esagerando renderà l'immagine dura.
* Dehaze: Usalo con parsimonia, può aggiungere al dramma ma troppo può sembrare artificiale. Da +5 a +15
2. Regolazioni della curva del tono:
* Crea una curva a S: Questa è una tecnica classica per aumentare il contrasto. Tirare giù la parte inferiore a sinistra della curva per scurire le ombre e tirare verso l'alto in alto a destra per illuminare i luci. Rendi la curva relativamente sottile all'inizio. Ciò affina il contrasto creato dai cursori di base.
* Curve del canale (opzionale): Per un maggiore controllo sui toni del colore, è possibile regolare singolarmente le curve rosse, verdi e blu. Ad esempio, l'aggiunta di una leggera curva a S al canale blu può aggiungere un tono freddo sottile alle ombre.
3. Regolazioni HSL/Color:
* Luminance: Concentrati sui cursori di luminanza.
* Orange/Giallo: Regola la luminanza delle tonalità arancione e gialla (che in genere influenzano i toni della pelle) per perfezionare la luminosità del viso. Abbassare la luminanza arancione può approfondire i toni della pelle. Aumentarlo potrebbe creare un bagliore sottile.
* Altri colori: Abbassa la luminanza di altri colori (in particolare blu e verdure sullo sfondo) per scurire ulteriormente l'immagine e attirare l'attenzione sul viso.
* Saturazione: Ridurre la saturazione di colori che distraggono o troppo vibranti. Il blu e le verdure desaturanti sono comuni. Una riduzione generale della saturazione 5-10 può aiutare a creare un aspetto più silenzioso e senza tempo.
* Hue: È possibile apportare sottili regolazioni alla tonalità per bilanciare i toni della pelle.
4. Pannello di dettaglio (affilatura e riduzione del rumore):
* Affilatura: Aumentare l'affilatura moderatamente per migliorare i dettagli. Usa il cursore di mascheramento per evitare l'affilatura in aree come lo sfondo.
* Riduzione del rumore: Se necessario, ridurre il rumore (specialmente nell'ombra) senza sacrificare troppi dettagli.
5. Pannello di effetti:
* Vignetting: Aggiungi una sottile vignetta scura per attirare ulteriormente l'occhio al centro dell'immagine. Utilizzare un valore negativo (ad es. Da -10 a -30). Regola il punto medio e la piuma per controllare l'effetto.
* Grain: L'aggiunta di un tocco di grano può migliorare la qualità filmica e pittorica dell'immagine. Utilizzare una piccola quantità (ad es. 5-15).
6. Pannello di calibrazione (calibrazione della fotocamera):
* Questa è un'impostazione avanzata, ma la modifica del profilo della fotocamera da "Adobe Color" a "Camera Neutral" o "Camera Standard" può dare più colori naturali che possono essere un buon punto di partenza.
7. Regolazioni locali (mascheramento):
* Filtro radiale/filtro graduato/pennello di regolazione: Questi sono strumenti potenti per aree specifiche di messa a punto.
* Dodging and Burning: Usa il pennello di regolazione per schivare sottilmente le aree come gli occhi, la macchia di luce Rembrandt sulla guancia e le labbra. Brucia (scuri) aree troppo luminose o distrae.
* Caratteristiche isolate: Usa il pennello per scurire le aree intorno al viso per focalizzare l'attenzione lì.
* Refine Mask: Utilizzare l'opzione Reform Mask dopo aver utilizzato lo strumento Brush per mettere a punto i bordi. Questo è particolarmente utile quando si mascherano i capelli.
IV. Suggerimenti e considerazioni chiave:
* Preservare i dettagli: Evita di schiacciare i neri o di esplodere completamente i punti salienti. Lascia sempre alcuni dettagli nelle ombre e nei luci.
* Tone della pelle: Presta molta attenzione ai toni della pelle. Evita di farli sembrare innaturali o eccessivamente arancioni. Usa i cursori HSL per perfezionarli.
* sottigliezza: Non esagerare con le regolazioni. I migliori ritratti in stile Rembrandt hanno un aspetto naturale e pittorico, non un aspetto eccessivamente elaborato.
* Esperimento: Queste sono solo linee guida. Le impostazioni specifiche varieranno a seconda della tua immagine. Non aver paura di sperimentare e trovare ciò che funziona meglio.
* Immagini di riferimento: Studia veri dipinti Rembrandt e fotografie in stile Rembrandt. Presta attenzione ai motivi di illuminazione, alle ombre e all'umore.
* Pratica: La creazione di questo stile richiede pratica. Non scoraggiarti se i tuoi primi tentativi non sono perfetti. Continua a sperimentare e migliorerai nel tempo.
* Usa i preset come base: Ci sono anche molti preset che puoi scaricare, che creerà automaticamente l'illuminazione oscura e lunatica Rembrandt. Questi possono essere un buon punto di partenza, ma potrebbe essere necessario modificarli in base alle esigenze della tua foto.
Esempio di riepilogo del flusso di lavoro:
1. Pannello di base: ESPOSIZIONE -0,8, contrasto +35, evidenziate -50, ombre -80, bianchi +5, neri -40, chiarezza +10, dehaze +8
2. Curva di tono: Sottile curva a S.
3. HSL/COLORE: Luminanza arancione -10, saturazione blu -15, saturazione verde -20
4. Dettaglio: Affilatura (quantità 60, raggio 1.0, dettaglio 25, mascheramento 40), riduzione del rumore (luminanza 10)
5. Effetti: Vignetting -20, Midpoint 50, Feather 70
6. Regolazioni locali: Dodge Eyes e Rembrandt Patch, brucia le aree circostanti
Seguendo questi passaggi e esercitandosi regolarmente, puoi creare ritratti meravigliosi ed evocativi in stile Rembrandt in Lightroom. Buona fortuna!