i. Comprensione dell'aspetto Rembrandt:
* Chiaroscuro: Questa è la fondazione. Si riferisce al drammatico contrasto tra luce e buio. Il soggetto è spesso parzialmente oscurato nell'ombra, con una luce chiave focalizzata che evidenzia una parte del viso.
* Lighting Rembrandt (il triangolo Rembrandt): La caratteristica più riconoscibile è un piccolo punto culminante triangolare della luce sulla guancia più lontana dalla sorgente luminosa. Questo è un indicatore chiave che hai raggiunto lo stile.
* Sfondo scuro: Un background oscuro, spesso indistinguibile, che consente al soggetto di "pop" in avanti.
* toni caldi (ma sottomessi): Mentre la sensazione generale è buia, i ritratti di Rembrandt hanno spesso un sottile calore per le tonalità della pelle, impedendo loro di sembrare freddi e senza vita.
* Luce morbida: Evita la luce dura e diretta. Rembrandt preferiva la luce morbida e diffusa, creando transizioni graduali tra luce e ombra.
ii. Prima di iniziare (idealmente, catturalo nella fotocamera):
* Impostazione dell'illuminazione (ideale):
* Fonte a luce singola: Questo è classico Rembrandt. È possibile utilizzare un foglio stroboscopico/speetta con un softbox, un ottabox o un ombrello o persino la luce naturale da una finestra.
* Posizionamento: Posizionare la fonte luminosa leggermente sopra e sul lato del soggetto, puntando verso il basso. Sperimenta l'angolazione per trovare il triangolo Rembrandt perfetto.
* Distanza: Avvicina la luce per il fallimento più drammatico (contrasto più acuto), più lontano per transizioni più morbide.
* Oggetto: Usa un ritratto con un profilo laterale chiaro.
* Sfondo: Punta a uno sfondo scuro o facilmente oscurato (ad esempio, una parete scura, un tessuto o uno sfondo posizionato abbastanza lontano dalla fonte luminosa per cadere nell'ombra).
* Esposizione: Sottovalutare leggermente nella fotocamera per catturare più dettagli nei punti salienti e creare un aspetto più lunatico. È più facile recuperare le ombre rispetto ai punti salienti.
* Composizione: Prendi in considerazione la possibilità di posare il soggetto leggermente allontanato dalla fotocamera.
iii. Regolazioni Lightroom (i passaggi):
a. Pannello di base:
1. Esposizione: Di solito, dovrai * ridurre * l'esposizione. Punta a un'immagine generale più scura, ma non schiacciare completamente le ombre. Inizia abbassandolo di -0,5 a -1 arresto e adattarlo a gusto.
2. Contrasto: * Aumenta* il contrasto per enfatizzare la luce e le aree oscure. Da +10 a +30 è un buon punto di partenza.
3. Highlights: * Diminuire* I punti salienti. Ciò contribuirà a recuperare eventuali aree colpite e migliorerà ulteriormente l'umore oscuro. Punta da -30 a -60 o anche di più se necessario.
4. ombre: * Aumenta* le ombre, ma fai attenzione. Vuoi sollevare le ombre abbastanza da rivelare i dettagli, ma non così tanto che l'immagine sembra piatta o granulosa. Inizia con +10 a +30.
5. Bianchi: * Diminuisce leggermente* i bianchi se l'immagine sembra troppo luminosa. Da -5 a -15 potrebbe essere sufficiente.
6. Blacks: * Diminuire* i neri per approfondire le ombre e creare un più forte senso di oscurità. Da -20 a -50 è una gamma comune.
7. Temperatura: Aggiungi leggero * calore * aumentando il cursore della temperatura. Da +5 a +15 di solito funziona bene. Evita di esagerare:vuoi un calore sottile, non una tinta arancione.
8. tinta: Regola il cursore tinta per correggere qualsiasi cast verde o magenta, ma in generale, una leggera mossa verso Magenta (da +2 a +5) può integrare i toni caldi.
9. Presenza (trama, chiarezza, dehaze):
* Texture: Sperimenta lievi aumenti della trama (da +5 a +15) per migliorare i dettagli nella pelle e nella vestizione.
* Clarity: * Diminuire* chiarezza leggermente (da -5 a -15) per ammorbidire la pelle e dare una sensazione più pittorica. Tuttavia, non farlo se vuoi mostrare le trame di cose come imperfezioni di pelliccia o pelle.
* Dehaze: * Leggero diminuzione* Il cursore Dehaze (da -5 a -15) per aggiungere un tocco di foschia alle ombre e migliorare ulteriormente l'umore. Fai attenzione, poiché troppo Dehaze può rendere l'immagine artificiale.
b. Pannello della curva di tono:
1. Curva punti (sottile S-Curve): Aggiungi una sottile curva a S alla curva di tono. Ciò aumenterà il contrasto e approfondirà i neri.
* Fai clic sulla curva e aggiungi un punto nell'area inferiore a sinistra (ombre) e tiralo leggermente verso il basso.
* Aggiungi un punto nell'area in alto a destra (punti salienti) e tiralo leggermente.
* La chiave deve essere sottile. Una curva a S molto aggressiva sembrerà dura.
c. Pannello HSL/Color:
1. Luminance:
* * Diminuire * la luminanza dei rossi, delle arance e dei gialli leggermente. Questo scurirà le tonalità della pelle e aggiungerà profondità.
2. Saturazione:
* * Leggermente desaturato * Il blu e le verdure se presenti nell'immagine. Questo aiuta a focalizzare l'attenzione sul soggetto e impedisce i colori distratti. Spesso, i ritratti di Rembrandt sono toni prevalentemente caldi con toni più freddi sommersi.
* Potresti * aumentare leggermente * la saturazione di rossi e arance per i toni della pelle, ma essere molto sottile e monitorare i calchi di colore innaturali.
3. Hue:
* È possibile apportare regolamenti di tonalità minori per perfezionare i toni della pelle. Spostare le arance leggermente verso il rosso può aggiungere calore.
d. Pannello di dettaglio:
1. Affilatura: Applicare una moderata quantità di affilatura per ripristinare i dettagli, ma evitare il eccesso di raggruppamento. L'importo dipende dalla fotocamera e dalla lente.
2. Riduzione del rumore: Se vedi il rumore, specialmente nell'ombra, applica una moderata riduzione del rumore. Troppo ammorbiderà troppo l'immagine.
e. Pannello di colore classificato (opzionale ma potente):
1. Midtones: Aggiungi un tocco di calore ai medili selezionando un colore con una tonalità leggermente arancione. Abbassare la saturazione e la luminanza del colore selezionato per mantenerlo sottile.
2. ombre: Aggiungi una tinta fresca (bluastro o violaceo) alle ombre, ma mantienila * molto * sottile. Questo aggiunge profondità e crea una tavolozza di colori più complessa. Diminuire la saturazione e la luminanza.
3. Highlights: Lascia i punti salienti per lo più intatti o aggiungi una leggera tinta giallastra/arancione per migliorare il calore. Abbassare la saturazione e la luminanza.
4. Miscelazione ed equilibrio: Regola questi cursori attentamente. L'aumento della miscelazione creerà transizioni più fluide tra ombre, mezzitoni e luci. Il cursore del bilanciamento sposta la classificazione del colore verso le ombre o le luci.
f. Pannello di effetti (opzionale):
1. Vignette: Aggiungi una leggera vignetta per scurire ulteriormente i bordi e disegnare l'occhio dello spettatore sul soggetto. Utilizzare un valore negativo (ad es. Da -10 a -30) e regolare il punto medio e la rotondità per ottenere un effetto dall'aspetto naturale. La piuma è importante per ammorbidire i bordi della vignetta.
IV. Considerazioni e suggerimenti importanti:
* La sottigliezza è la chiave: Le migliori modifiche in stile Rembrandt sono sottili. Evita regolazioni estreme che rendono l'immagine artificiale.
* Monitora l'istogramma: Tieni d'occhio il tuo istogramma per assicurarti di non tagliare (perdendo dettagli) nelle ombre o in luci. Punta a un istogramma che viene spostato verso il lato sinistro (più scuro).
* Utilizzare le regolazioni locali (strumento a pennello, filtro radiale, filtro graduato):
* Dodge and Burn: Utilizzare lo strumento Brush per alleggerire selettivamente o oscurare le aree specifiche del viso (Dodge e Burn). Ad esempio, potresti alleggerire il triangolo evidenziato sulla guancia o scurire le ombre intorno agli occhi.
* oscura lo sfondo: Utilizzare un filtro radiale o un filtro graduato per oscurare ulteriormente lo sfondo e isolare il soggetto.
* esperimento! Non aver paura di sperimentare diverse impostazioni per trovare ciò che funziona meglio per la tua immagine.
* Immagini di riferimento: Guarda i dipinti e le fotografie reali Rembrandt che emulano il suo stile per l'ispirazione. Presta attenzione alla luce, alle ombre e alle palette di colori.
* prima/dopo il confronto: Attiva le viste tra le viste "prima" e "dopo" per vedere come le regolazioni influiscono sull'immagine.
* Pratica: Più ti pratichi, meglio diventerai nel creare ritratti in stile Rembrandt.
Esempio di riepilogo del flusso di lavoro:
1. Pannello di base: Ridurre l'esposizione, aumentare il contrasto, ridurre le evidenze, aumentare leggermente le ombre, ridurre i neri, aggiungere un leggero calore.
2. Curva di tono: Sottile curva a S.
3. HSL/COLORE: Ridurre la luminanza di rossi/arance/gialli, blu/verdure desaturato.
4. Dettaglio: Affilatura, riduzione del rumore (se necessario).
5. Colore graduale (opzionale): Medifie calde, ombre fresche, sottili.
6. Effetti (opzionale): Vignetta.
7. Regolazioni locali: Dodge and Burn, scuro sfondo.
Seguendo questi passaggi e sperimentando diverse impostazioni, è possibile creare splendidi ritratti in stile Rembrandt in Lightroom che catturano la drammatica luce e l'atmosfera lunatica dei dipinti classici. Buona fortuna!