Uno storyboard è un metodo per pianificare in anticipo e aiuta molto durante il processo di pre-produzione. Visualizzando i tuoi scatti con uno storyboard, puoi vedere come si incastrano tra loro prima di aver girato un solo piede di pellicola o fotogramma di video, il che ti eviterà di perdere tempo e filmati. Un buon storyboard ti consente di mostrare alla tua troupe cosa hai in mente e ti evita di cercare di trasmettere ciò che vuoi con spiegazioni prolisse e gesti frustrati delle mani. Quando mostri al tuo Direttore della Fotografia e al cameraman le tue bacheche, loro sapranno immediatamente di che tipo di scatto hai bisogno e come inquadrare i soggetti.
Mentre stavi imparando a fare cinema, pagando le tue quote come assistente di produzione o altro membro della troupe, o anche solo cercando su Internet, potresti aver visto storyboard elaborati e dettagliati di artisti professionisti. Tavole come quelle sono belle, ma non è necessario essere un artista di talento per creare storyboard in modo efficace. Anche semplici figure stilizzate possono dare alle persone una buona idea di come apparirà la sequenza di inquadrature, ad esempio l'illustrazione nella Figura 1.
L'esempio sopra può essere grezzo, ma è chiaramente una doppia ripresa con un personaggio più vicino alla telecamera. In altre parole, le abilità artistiche rudimentali vanno benissimo. Quello che devi sapere, tuttavia, è come inquadrerai i soggetti del tuo film. Una conoscenza di base delle riprese della telecamera, abbinata ad alcuni semplici trucchi prospettici, ti consentirà di mappare la scena in una stenografia visiva di facile lettura.
I diversi tipi di scatti
Iniziamo con una rapida carrellata di scatti di base e che aspetto hanno:
Tiro lungo
In generale, una ripresa lunga includerà l'intero corpo del soggetto o dei soggetti.
Tiro medio
Una ripresa media di solito ritrae il tuo soggetto ovunque da sopra le ginocchia e fino a appena sopra la vita e in alto. Ricorda di non tagliare i tuoi soggetti alle ginocchia o in qualsiasi altra giuntura del corpo:sembra goffo e mal composto. Prova a inquadrarli appena sopra o sotto il giunto in questione.
Primo piano
I primi piani sono il punto in cui vediamo più spesso il contenuto emotivo di una scena. Ci permettono di vedere da vicino i volti del personaggio e quindi il loro stato d'animo. I primi piani sono generalmente inquadrati dal petto in su. Di tanto in tanto, tuttavia, possono essere inquadrati dalla fronte al mento o coinvolgeranno anche solo gli occhi del soggetto. Lo chiamiamo primo piano estremo.
Primo piano estremo
Le centraline, come a volte vengono scritte, aggiungono dramma. Questi scatti traggono il massimo vantaggio dall'avere una messa a fuoco molto ravvicinata. Per la maggior parte, vengono utilizzati con parsimonia, ma una singola ECU può aggiungere un vero pugno a una scena.
Tiro da maestro
Una breve nota sulla ripresa principale:questo è un termine che si riferisce a una ripresa che dura per la durata di una scena e mostra tutti i personaggi in vista. È il modo più conservativo di mettere in scena una scena. Pensa a una ripresa da maestro come se fosse come guardare uno spettacolo da qualche parte nel pubblico. Vedi l'intero set e dove i personaggi sono in relazione tra loro sul palco. Nei film più vecchi e nelle produzioni con più telecamere come le sitcom, le scene spesso iniziano con una ripresa principale per orientare il pubblico e tutte le altre riprese della scena si riferiscono a questa ripresa.
La maggior parte delle produzioni con telecamera singola non si basano così tanto sulla ripresa principale. Tuttavia, tenere a mente lo scatto principale può aiutarti a pianificare il resto della tua lista di colpi. Ad esempio, in una scena raffigurante una conversazione tra due persone, potresti decidere di tagliare i primi piani di ciascuna persona che parla, più un'inquadratura inserto di un elemento di cui stanno parlando, e poi ritagliare la ripresa principale dopo ciascuno di essi . Questo è un modo molto semplice per modificare una scena.
Ci sono anche alcuni scatti speciali che potresti voler usare nel tuo storyboard. Ecco un paio di esempi.
POV
POV, o ripresa dal punto di vista, è proprio questo:consente al pubblico di vedere cosa sta succedendo attraverso gli occhi di un personaggio. Il modo più semplice per indicarlo è mostrare un personaggio che guarda qualcosa, quindi tagliare a ciò che sta guardando da un'angolazione appropriata che faccia sembrare che la telecamera sia al posto di quel personaggio. Nel nostro esempio di storyboard (vedi Figura 2), una donna sta lavorando alla sua scrivania quando il cane di famiglia entra nell'inquadratura (A). La donna guarda in basso (B) e vede il cane che la guarda, scodinzolando (C). Nota come la giustapposizione di inquadrature trasmette al pubblico il punto di vista della donna e del cane.
Le riprese POV tendono ad essere usate con parsimonia, anche se ci sono stati alcuni film con intere sequenze girate dal punto di vista di un personaggio. In effetti, il film noir del 1947 Lady in the Lake è stato girato interamente dal punto di vista del personaggio principale.
Rappresentante il movimento della telecamera
Ora che abbiamo parlato di alcuni scatti di base, esaminiamo alcuni importanti movimenti della fotocamera e modi per rappresentarli sulla pagina:
Panoramica/inclinazione
La panoramica e l'inclinazione comportano una rotazione laterale o su/giù della fotocamera su un treppiede o un punto cardine. È un modo per posizionare la fotocamera su un altro soggetto senza passare a un'inquadratura diversa. Può anche essere usato per seguire uno o più personaggi quando si muovono all'interno dell'inquadratura.
È possibile creare uno storyboard per una ripresa panoramica posizionando prima un paio di fotogrammi per mostrare dove inizierà e dove finirà la telecamera, quindi aggiungendo le frecce per descrivere il movimento della telecamera. Nella Figura 3, vediamo un'inquadratura panoramica per una semplice scena di dialogo.
Come illustrato, la telecamera si sposta prima da una serie di personaggi all'altra, quindi di nuovo indietro. Le frecce indicano la direzione del movimento.
Traccia
Una carrellata è un altro modo per seguire i soggetti. Questo tipo di scatto prevede lo spostamento dell'intera fotocamera da un luogo all'altro e spesso segue un soggetto in movimento. Il monitoraggio può comportare lo spostamento della fotocamera con binari o su un carrello oppure può essere eseguito a mano.
Nella Figura 4, la telecamera segue la madre mentre corre. Nota la freccia che mostra la direzione della telecamera.
Ingrandisci
Lo zoom è un movimento dell'obiettivo della fotocamera in contrapposizione a un movimento della fotocamera stessa. Ingrandire significa regolare l'obiettivo per inquadrare più da vicino il soggetto, mentre rimpicciolire significa l'opposto:regolare l'obiettivo per riprendere più scena. (Vedi Figura 5)
La cornice interna indica dove inizia lo scatto. Man mano che l'azione procede, la fotocamera si estrae, come mostrato dalle frecce. L'inquadratura esterna mostra dove finisce l'inquadratura, su un grandangolo che mostra l'intera stanza e tutti i personaggi nell'inquadratura.
Rivela
Cosa succede se non è necessario che la fotocamera si muova, ma si desidera mostrare i personaggi che entrano, escono o attraversano l'inquadratura durante una ripresa? Un modo semplice per farlo è disegnare le frecce. (Vedi figure 6 e 7)
Le frecce possono anche rappresentare movimenti più piccoli all'interno dell'inquadratura, come una rotazione della testa. Qualcosa di invisibile che si muove in una scena è chiamato rivelazione.
La regola dei 180 gradi
Ora che abbiamo coperto le nozioni di base, ecco un paio di altre cose da tenere a mente quando imposti i tuoi scatti. In primo luogo, potresti aver sentito le persone parlare di "non oltrepassare il limite" quando stanno allestendo una scena. Stanno usando un termine gergale per la regola dei 180 gradi o la linea d'azione, che è una regola pratica molto importante per il cinema. Dimostreremo questa regola con una semplice scena di dialogo. Qui, la ripresa principale, mostra Bill e Carol seduti a un tavolo insieme (vedi figura 8). Ora immagina questa scena dall'alto, con una linea retta che attraversa il centro dei soggetti (vedi figura 9).
Tenere la fotocamera sullo stesso lato di questa linea, nota anche come linea di 180 gradi, assicurerà continuità visiva e impedirà agli spettatori di disorientarsi.
Ora vediamo lo stesso diagramma con alcune possibili posizioni della telecamera (Figura 10). Nota che le telecamere per A, B e C sono sullo stesso lato della linea.
Mettiamo le inquadrature A, B e C in uno storyboard. Finirà per assomigliare alla Figura 10a, 10b e 10c.
Questa sequenza di inquadrature rispetta la regola dei 180 gradi. Bill e Carol stanno conversando. In primo luogo, abbiamo una ripresa principale di loro due, che mostra al pubblico dove si trovano nella scena e dove sono in relazione l'uno con l'altro (Figura 10a) Poi c'è un primo piano di Bill (Figura 10b), e poi uno di Carol (Figura 10c.) Quando le singole inquadrature vengono montate insieme, Bill e Carol sembrano uno di fronte all'altra, proprio come nella ripresa principale.
Ora proviamo a mettere insieme i colpi A, B e D dal diagramma. Lo storyboard sembrerà confuso, come nelle Figure 11a, 11b e 11d.
Questa sequenza di inquadrature è disorientante perché infrange la regola dei 180 gradi. Hai notato come ora Bill e Carol sembrano rivolti nella stessa direzione, piuttosto che guardarsi l'un l'altro dall'altra parte del tavolo? Tenere la fotocamera su un lato dell'azione ti farà risparmiare un grosso mal di testa nella sala di montaggio!
Alcuni suggerimenti finali
Ora che sei dotato di alcuni riferimenti visivi e di un vocabolario di base per le riprese, ecco un paio di altre cose da ricordare. Come abbiamo appena visto, un buon storyboard può impedirti di dirigere scene disorientanti o visivamente monotone. Quando hai illustrato i tuoi scatti in anticipo, puoi dare un'occhiata a come si taglieranno insieme. Il rovescio della medaglia, non esagerare con dozzine di colpi diversi. Ricorda che ogni ripresa richiede tempo per la preparazione, il che brucia tempo e manodopera per la squadra.
Infine, allenarsi conviene sempre! Puoi farlo anche se non hai uno script su cui lavorare. Guarda una scena del tuo film preferito. Siediti con una matita e un foglio di carta e ripercorri la scena inquadratura dopo inquadratura. Copia ogni scatto su carta, usando gli esempi in questo articolo come riferimento:ricorda, le figure stilizzate vanno bene.
Mentre disegni, pensa alla scelta del tiro. In che modo la selezione degli scatti contribuisce alla sensazione generale della scena? Ci sono molti primi piani emotivi o il regista usa inquadrature ampie per trasmettere distanza o solitudine? Si attiene strettamente all'inquadratura principale o la scena è piena di movimento? Guardare il lavoro di altri registi può insegnarti molto su come vengono assemblate le scene. Non devi nemmeno prendere in mano una fotocamera per farlo!