Lucidare il taglio grezzo
Il tuo obiettivo con il tuo montaggio preliminare è quello di posare i tuoi colpi nell'ordine in cui desideri raccontare la tua storia. È probabile che, se stai producendo una narrazione, hai deciso l'ordine delle scene in pre-produzione e ora devi solo seguire lo storyboard come se fosse una ricetta e assemblare le clip di conseguenza, scegliendo la ripresa "migliore" per ogni scena. Molti documentari "scrivono da soli", poiché i personaggi descrivono l'argomento. Ad ogni modo, nel montaggio preliminare, stabilisci il video girato e l'audio associato nell'ordine in cui desideri raccontare la storia, ritagliando tutto ciò che non fa avanzare la storia.
Ora è il momento di lucidare il taglio grezzo in un prodotto finito liscio e brillante. A differenza del montaggio preliminare, in cui stavi raggruppando le riprese per vedere come la giustapposizione e la tempistica delle clip funzionassero insieme, la lucidatura richiede che tu elimini la tua "lente d'ingrandimento digitale" e lavori su più di un livello di regolazione fotogramma per fotogramma .
Diamo un'occhiata a sette aspetti della modifica finale che chiameremo Modifica polacca.
1. Il piano della stanza di modifica
Inizieremo con uno dei passaggi più difficili:uccidere i tuoi preferiti. Questo non è tecnicamente difficile, ma è psicologicamente difficile. La regola generale è che dovresti tagliare tutto ciò che non fa avanzare la storia. Ma che dire di quella ripresa non pianificata del raro picchio dal becco d'avorio che è volato fuori dalla giungla ed è atterrato sulla testa della tigre del Bengala che è entrata in scena durante l'ora magica mentre la tua telecamera stava girando? Taglia! È difficile essere obiettivi con queste modifiche, soprattutto se sei tu a girare il video. Molte volte hai bisogno di ascoltare gli altri che ti dicono che qualcosa non funziona. È interessante guardare in DVD i tagli estesi del regista dei principali film di Hollywood per vedere scene tagliate fuori dalle uscite cinematografiche originali. Nove volte e mezzo su dieci, scoprirai che era opportuno rimuovere quelle scene.
2. Tempo di esecuzione totale
La maggior parte delle volte, specialmente per un lavoro di editing retribuito, avrai un limite TRT o Tempo di esecuzione totale che devi rispettare. L'esempio più rigoroso di questo potrebbe essere un segmento per la televisione. Se realizzi uno spettacolo di un'ora per il Public Broadcasting Service (PBS), non saranno 60 minuti, ma 52 minuti e trenta secondi, non un frame più lungo o più corto. Se giri un video di matrimonio o un breve video per un festival cinematografico, potresti avere più margine di manovra. In caso contrario, è necessario conoscere i propri parametri e tenerli a mente mentre si procede al taglio finale.
3. Continuità e Transizioni
Stiamo mettendo insieme continuità e transizioni perché, mentre controlli la continuità tra le tue clip, potresti decidere di utilizzare una transizione o un'altra per aiutare con la continuità. Come abbiamo detto tante, tante volte in precedenza, sulle pagine della rivista e del sito Web di Videomaker, la transizione più utilizzata sarà un taglio diretto. Ma se stai montando un documentario e devi ritagliare un'intervista con la testa parlante bloccata (inquadratura statica, montata su treppiede, medio primo piano), potresti trovarti a dover usare la dissolvenza incrociata, soprattutto se non Non ci sono molti cutaways o B roll. Inoltre, quando usi transizioni renderizzate come dissolvenze incrociate, ricorda che puoi regolare la lunghezza delle transizioni, se hai teste e code ampie sulle clip che stai influenzando. Non utilizzare sempre la dissolvenza incrociata predefinita di 30 fotogrammi/un secondo. Forse una lunga dissolvenza incrociata di tre secondi aggiungerà emozione alla scena. O forse una pulizia fulminea di dieci fotogrammi ti farà capire meglio. Usa tutti i fotogrammi di cui hai bisogno per passare al meglio tra i tuoi clip.
4. Effetti audio realistici
Potresti aver aggiunto alcuni effetti sonori durante il processo di approssimazione, ma effetti sonori, ADR (Automated or Automatic Dialog Replacement, alias loop), Foley (ricreare e sincronizzare suoni accidentali come i passi) e altri suoni non naturali di solito si verificano dopo "blocco immagine", quando l'editing visivo è completo. Non ha molto senso passare il tempo a inserire elementi sonori nelle scene che potresti tagliare, quindi di solito inizi ad arricchire l'audio dopo aver almeno un taglio approssimativo abbastanza solido. Qui vale ancora il vecchio adagio "less is more". Non sono i suoni "grandi" come esplosioni e spari che renderanno il tuo lavoro eccellente; sono i suoni sottili. Gli spettatori potrebbero non notare nemmeno i suoni di sottofondo come uccelli, vento, traffico e cani che abbaiano in lontananza, ma noteranno se non sono lì. Questi piccoli suoni sono naturalmente intorno a noi ovunque, ogni giorno. Fermati un momento e ascolta il tuo ambiente udibile. Ora pensa a mettere quei suoni nel tuo lavoro. Hai una scena in un quartiere urbano losco? Bene, fai sembrare che la sirena della polizia provenga da lontano, non davanti, e avrai l'inizio di un ricco paesaggio sonoro.
5. Addolcisci il tuo suono
L'addolcimento del suono è un processo che richiede tempo e forse anche doloroso, ma è così importante. La maggior parte dei film insopportabili ai festival cinematografici può attribuire la loro scomparsa a un suono scadente. Il buon suono, ovviamente, inizia sul posto, ma finisce con l'addolcimento. I livelli di ogni singolo elemento sonoro sono perfetti? Il tuo misuratore o audiometro VU (unità di volume) è tuo amico qui, ma non l'autorità finale. L'orecchio e il buon senso di un editore dovrebbero determinare il miglior livello di decibel per ogni elemento dell'audio. Il punto principale è esaminare ciascuna unità sonora singolarmente e poi insieme agli altri suoni nella scena, per assicurarsi che i livelli siano perfetti.
6. Modifica con ritmo
Questa sezione non compare verso la fine di questo articolo perché è stata emanata per ultima; un buon editore pensa al ritmo anche prima di sedersi all'edit bay. Un editore dovrebbe sempre essere consapevole del ritmo. Il produttore/regista Jim Jarmusch ascolta spesso diversi tipi di musica prima e durante un montaggio per metterlo nello "stato d'animo ritmico" che desidera per il montaggio. I buoni editori spesso radono o aggiungono un minimo di un singolo fotogramma, un trentesimo (o un ventiquattresimo) di secondo per mantenere il ritmo. Questa è una procedura fotogramma per fotogramma. Il ritmo perfetto può creare o distruggere l'attenzione del pubblico.
7. Ottieni il voto con il colore
La correzione del colore è volutamente per ultima. Questo dovrebbe essere il passaggio finale per un paio di motivi. Come per gli effetti sonori, non ha molto senso mettere a punto il colore di una clip se lo modificherai solo in seguito. Inoltre, i nuovi correttori di colore di fascia alta o le applicazioni di gradazione del colore, come Apple's Color, sono app autonome, non plug-in o effetti che funzionano all'interno dell'editor. La classificazione è per l'immagine ciò che l'addolcimento è per il suono. Merita una grande quantità di tempo per essere adeguatamente ottimizzato. Non è una regolazione con un clic. Una buona valutazione può fare la differenza tra avere un buon video e un ottimo video.
Il redattore collaboratore Morgan Paar è un produttore nomade, sparatutto e
montatore, attualmente insegna produzione video nelle scuole superiori.