1. Comprensione dei toni neutrali:
* Cosa sono: I toni neutri sono colori che mancano di forte saturazione o tonalità. Pensa a loro come alle basi su cui sono costruiti i tuoi colori. Esempi includono:
* grigi: I grigi puri, dal nero al bianco, formano la spina dorsale della gamma tonale.
* Beiges and Tans: Terroso e naturale.
* Cream e bianchi off: Morbido e sottile.
* Browns e verdure desaturati: Comune nei paesaggi naturali.
* Perché sono importanti: Creano un senso di equilibrio e realismo. Consentono ai tuoi colori chiave di scoppiare senza essere schiaccianti. Contribuiscono anche all'umore e all'atmosfera complessivi dell'immagine.
2. Punto di partenza:Bilancio bianco accurato:
* Scatto Raw: Fondamentale per conservare la maggior parte delle informazioni e della flessibilità durante l'editing.
* Impostazione del bilanciamento del bianco: Prova a ottenerlo bene all'interno della fotocamera. Scegli il preimpostazione appropriata (ad esempio, luce del giorno, nuvoloso, tonalità) in base alle condizioni di illuminazione.
* Regolazione nel post: Usa il tuo software di editing per perfezionare il bilanciamento del bianco. Cerca strumenti come "selettore di bilanciamento del bianco" o cursori per "temperatura" e "tinta". Punta a un aspetto naturale, evitando calci troppo caldi (giallo/arancione) o fresco (blu).
3. Regolazioni tonali (contrasto, luci, ombre):
* La sottigliezza è la chiave: Evita regolazioni estreme. L'eccesso di contrasto rende i paesaggi duri e innaturali.
* Highlights: Portare delicatamente aree troppo luminose (cielo, neve) per recuperare i dettagli. Una leggera riduzione può fare una grande differenza.
* ombre: Sollevare con cura le ombre per rivelare i dettagli nelle aree più scure. Fai attenzione a non introdurre troppo rumore. Le regolazioni graduali sono migliori.
* Bianchi e neri: Questi cursori possono espandere sottilmente la gamma tonale. Usali con parsimonia per aggiungere un tocco di pugno senza ritagli (perdendo dettagli nelle aree più luminose o più scure).
* Curve: Offri il controllo a grana fine sulle regolazioni tonali. Una curva "S" generalmente aumenta il contrasto, ma una curva * molto * poco profonda "è preferibile per i paesaggi realistici.
4. Regolazioni del colore (saturazione, vibrazione, tonalità):
* Vibrance vs. saturazione:
* Saturazione: Colpisce * tutti * colori allo stesso modo. L'uso eccessivo può portare a risultati innaturali e da cartone animato.
* Vibrance: Colpisce di più i colori * meno saturi *. Un'opzione più sicura per aumentare il colore senza esagerare.
* Regolazioni del colore selettivo: Usa i pannelli di tonalità, saturazione e luminanza (HSL) per regolare i singoli colori. Per esempio:
* Verdi: Regola la tonalità di verdure per renderli più naturali (meno giallastri o bluastri). Ridurre leggermente la saturazione se necessario.
* blues (cielo): Un sottile aumento della saturazione blu può migliorare il cielo, ma evitare di renderlo elettrico.
* gialli/arance (tramonto/alba): Controlla l'intensità dei toni caldi per i tramonti realistici.
* Classificazione del colore: Utilizzato per aggiungere un sottile cast di colori a luci, medi e ombre. Usa questo con parsimonia per creare un umore specifico, ma evitare i cambiamenti di colore estremi.
5. Regolazioni locali (usando pennelli o gradienti):
* Filtri graduati: Ottimo per oscurare il cielo o bilanciare l'esposizione tra il cielo e il primo piano.
* Ben spazzole di regolazione: Utilizza questi per regolare selettivamente l'esposizione, il contrasto, la saturazione o altre impostazioni su aree specifiche dell'immagine. Ad esempio, scuri i bordi della cornice per disegnare l'occhio dello spettatore al centro.
* Dodge and Burn: Tecniche per alleggerire delicatamente le aree specifiche (Dodge) o oscurate (bruciate). Questo può aggiungere profondità e dimensione.
6. Numpità e riduzione del rumore:
* Numpness: Usa con giudizio. L'eccesso di rabbia introduce aloni e artefatti. Applicare la nitidezza selettivamente, concentrandosi su aree che ne hanno più bisogno.
* Riduzione del rumore: Applicare la riduzione del rumore per ridurre la granulosità, specialmente nelle ombre. Fai attenzione a non liscia eccessiva l'immagine, che può renderla artificiale.
7. Suggerimenti generali per il realismo:
* Guarda l'immagine grezza: Prima di iniziare a modificare, dai un'occhiata all'immagine grezza. Comprendi cosa c'è già e cosa deve essere adattato.
* Foto di riferimento: Studia altre foto del paesaggio che ammiri, prestando attenzione ai loro colori, toni e atmosfera. Usali come punto di riferimento.
* Scolla: Fai pause durante il montaggio. Questo ti permette di tornare con gli occhi freschi ed evitare l'eccessivo editing.
* Zoom in: Ingrandisci al 100% per verificare i manufatti, il rumore e il sovrapprezza.
* meno è di più: Ricorda il mantra del montaggio realistico:less is più. La sottigliezza è la chiave.
* Fidati dei tuoi occhi: Alla fine, la migliore modifica è quella che sembra la più naturale e piacevole a *tu *.
Esempio di flusso di lavoro (semplificato):
1. Bilancio bianco: Adattati a un equilibrio dall'aspetto naturale.
2. Esposizione: Regolare la luminosità complessiva se necessario.
3. Highlights &Shadows: Recupera i dettagli in luci e ombre.
4. Contrasto: Apportare piccole regolazioni del contrasto.
5. Vibrance: Aumenta leggermente la vibrazione.
6. HSL (singoli colori): Modifica colori individuali per il realismo (verdure, blu).
7. Regolazioni locali: Filtro graduato per il cielo, pennello per aree specifiche.
8. Affilatura: Applicare una moderata quantità di affilatura.
9. Riduzione del rumore: Ridurre il rumore se necessario.
Concentrandosi su toni neutri, apportando sottili aggiustamenti e prestando attenzione ai dettagli, è possibile creare foto del paesaggio che sono sia visivamente sbalorditive che realisticamente radicate. Ricorda, l'obiettivo è migliorare la bellezza che è già lì, non creare qualcosa di completamente nuovo.