La metà del lavoro di un regista video consiste nel mettere in scena l'azione per lo schermo. Se pensi che non sia un grosso problema da realizzare, sei maturo per unirti alla lista dei grandi registi di Broadway che hanno fallito miseramente a Hollywood. Dirigere per lo schermo significa posizionare la fotocamera nel posto giusto con l'obiettivo giusto puntato nella giusta direzione al momento giusto, quindi spostare i soggetti davanti ad essa. Due condizioni imprescindibili complicano questo processo di base.
Innanzitutto, ogni ripresa è solo un minuscolo frammento di progetto che deve corrispondere in qualche modo alle inquadrature precedenti e successive, ma in contrasto con esse in altri modi. Inoltre, poiché lo schermo è essenzialmente piatto, tutta la profondità apparente su di esso è un'illusione creata scrupolosamente dal regista e dal videomaker.
Il videomaker ha esaminato i molti lavori del regista che abbiamo trattato della continuità e della direzione dello schermo, nonché degli angoli di ripresa . (Abbiamo anche esaminato l'altra metà del mestiere di regista, lavorare con talento). Questa volta, ci concentreremo sulle specifiche della messa in scena dell'azione per il mondo piatto dello schermo video. Esamineremo quattro principali strumenti di regia:punto di vista, composizione, prospettiva e movimento.
POV e Composizione
Il punto di vista, o POV, è il punto di osservazione da cui una videocamera registra un'azione. La prima componente di POV è la dimensione del soggetto, o distanza apparente dalla telecamera:campo lungo estremo, primo piano estremo o qualsiasi altra via di mezzo. La dimensione del soggetto è uno strumento chiave per enfatizzare, come vedrai.
Il POV include anche l'angolo orizzontale, dall'inquadratura frontale al profilo (inquadratura laterale) e tutto intorno alla parte posteriore. Nei primi piani, un angolo frontale è più aperto, una vista di tre quarti ha più profondità e un profilo conferisce una qualità formale e iconica (guarda l'uso dei primi piani del profilo da parte di Clint Eastwood).
L'angolo verticale è altrettanto importante. Un angolo basso (dal basso) tende a potenziare il soggetto, mentre un angolo alto fa esattamente l'opposto. Un angolo ancora più alto (a volo d'uccello) dà una sensazione di distacco lontano.
Rispettando la dimensione dell'immagine, abbiamo detto distanza apparente perché la dimensione è determinata tanto dalla lunghezza focale dell'obiettivo quanto dalla distanza tra fotocamera e soggetto. Poiché gli obiettivi grandangolari esagerano la prospettiva e il movimento mentre i teleobiettivi li sopprimono, la scelta dell'obiettivo ha un grande effetto su profondità, enfasi, energia e umore.
Una volta stabilito un punto di vista, organizzi gli elementi all'interno dello scatto attraverso l'arte della composizione Qui, siamo principalmente interessati alla composizione in quanto si applica all'azione che si verifica all'interno del frame. Tenendo presente ciò, ricorda che esistono due approcci opposti alla composizione, bidimensionale e tridimensionale.
La composizione bidimensionale dispone gli elementi pittorici sul piano dell'immagine piatto, spesso utilizzando le impostazioni del teleobiettivo per sopprimere la profondità apparente e enfatizzare la superficie dello schermo. Il risultato è uno sguardo disegnato, piuttosto distante, in grado di esaltare gli stati d'animo formali.
La composizione tridimensionale utilizza obiettivi grandangolari per aumentare la profondità apparente, trasformando lo schermo da superficie a finestra invisibile che si affaccia su un mondo al di là. Questo approccio attira gli spettatori nel mondo dello schermo e li aiuta a coinvolgerli nell'azione.
Oltre agli obiettivi grandangolari, la composizione 3D dipende da sei antiche tecniche che i pittori chiamano da tempo prospettiva.
Prospettiva
Le sei tecniche prospettiche sono:dimensione (più è grande, più è vicino); sovrapposizione (un soggetto davanti deve essere più vicino del soggetto che copre parzialmente); convergenza (linee parallele sembrano incontrarsi in lontananza); posizione (più è in alto sullo schermo, più è lontano); risoluzione (più è visibile il dettaglio, più è vicino) e colore (più sbiadito, più lontano). L'azione di messa in scena coinvolge principalmente dimensioni, convergenza e sovrapposizione (sebbene David Lean usi la risoluzione in modo brillante in Lawrence d'Arabia, quando Omar Sharif inizia come un punto ondeggiante sull'orizzonte del deserto, poi si risolve lentamente in un uomo a cavallo mentre si avvicina alla telecamera).
La dimensione è ovviamente importante nella messa in scena dell'azione perché più grande è il soggetto, più diventa visivamente importante. I direttori alle prime armi, tuttavia, spesso si sovrappongono leggermente. Nota come spesso i professionisti usano due riprese da sopra le spalle, in cui il soggetto che parla è in parte sovrapposto dalla testa e dalla spalla della persona che sta ascoltando. Oltre a migliorare la profondità, gli scatti OTS, come a volte vengono chiamati, mantengono entrambi i soggetti nella mente dello spettatore mentre dirigono l'attenzione su quello che è più importante.
Le linee convergenti (diagonali) suggeriscono il movimento verso e lontano dal fotocamera ed enfatizza la profondità apparente. Psicologicamente, le linee diagonali sembrano più energiche perché sembrano cadere sulla superficie dell'immagine, mentre le linee verticali e orizzontali sono in piedi o in posizione di riposo. Mentre metti in scena il movimento per la telecamera, il movimento diagonale risulta dinamico. E, naturalmente, avvicinare i soggetti alla fotocamera aumenta la loro dimensione e importanza apparenti.
Movimento
I soggetti non sono le uniche parti in movimento di uno scatto. Di solito anche la telecamera si muove, sia in modo drammatico in una ripresa con il carrello di rilevamento o in modo sottile mentre l'operatore video corregge la composizione in modo che corrisponda ai piccoli movimenti del soggetto.
Nella messa in scena dei movimenti della telecamera, alcuni suggerimenti possono rivelarsi utili. Innanzitutto, assicurati che il movimento sia motivato dal movimento del soggetto o dalla necessità di guardare un soggetto diverso senza passare a un nuovo scatto.
Successivamente, assicurati che il movimento inizi con una composizione forte e termini decisamente con un'altra , ancora più forte, se pratico. Senza accorgersene consapevolmente, il pubblico sentirà un senso di ordine e correttezza riguardo alla mossa. La tecnica classica di Hollywood richiede un'apertura statica prima che inizi il trasloco; ma la pratica moderna spesso avvia una ripresa con la fotocamera già in movimento. Se vuoi che le tue mosse sembrino molto soavi, guidale come un'auto, accelerando dolcemente fino alla velocità di crociera e poi rallentando dolcemente fino a fermarsi.
Infine, evita il movimento fine a se stesso. Il carrello a 360 gradi girato intorno agli amanti che si abbracciano è diventato da tempo un cliché e una dimostrazione di tecnica esibizionista. D'altra parte, le riprese di Steadicam usate così spesso nelle serie TV di The West Wing portano lo spettatore con i personaggi spesso tormentati mentre si muovono nei corridoi affollati della Casa Bianca.
Per un'altra serie di mosse che vale la pena studiare, nota come la telecamera in roaming in Shakespeare in Love ti immerge nelle strade e nei vicoli brulicanti della Londra elisabettiana.
Messa in scena e stile
La messa in scena per lo schermo è la principale fonte di stile registico. Alcuni registi trasformano la videocamera in un personaggio, in continuo movimento nell'azione. Altri consentono all'obiettivo di rimanere fermo e registrare i movimenti che fluiscono e rifluiscono attraverso l'inquadratura.
Alcune situazioni (come combattimenti o inseguimenti) richiedono un aspetto 3D intenso, pieno di POV bassi, obiettivi grandangolari e movimento dinamico verso e lontano dalla fotocamera. Altri hanno bisogno della serenità e del distacco della messa in scena 2D, in cui teleobiettivi e una videocamera fissa dipingono composizioni in evoluzione sulla superficie dello schermo.
Ma che un artista sia Picasso o Dalì, vengono utilizzati esattamente gli stessi strumenti di pittura. E che tu sia dinamico come Martin Scorcese o deliberato come Ingmar Bergman, otterrai il tuo stile personale attraverso la gestione dei tuoi strumenti di regia:POV, composizione, prospettiva e movimento.