1. Scegliere l'immagine giusta:
* Oggetto: Un soggetto con una forte struttura ossea (zigomi alti, mascella definita) spesso funziona bene, poiché accentua la luce e l'ombra.
* Impostazione dell'illuminazione (scenario ideale):
* Fonte a luce singola: Questo è cruciale. Immagina una finestra da un lato e leggermente di fronte al soggetto.
* Luce morbida: Mentre i ritratti di Rembrandt hanno un forte contrasto, la luce stessa è spesso morbida, come la luce solare filtrata. L'uso di un grande softbox, ombrello o una luce rimbalzante da una grande superficie bianca aiuterà.
* leggermente angolato verso il basso: La sorgente luminosa deve essere posizionata leggermente più alta del soggetto e angolata per creare ombre sotto la fronte e il naso.
* Qualità dell'immagine: Scatta in formato grezzo per la massima flessibilità nel post-elaborazione.
2. Regolazioni Lightroom (Sviluppa modulo):
* Pannello di base:
* Esposizione: Abbassarlo considerevolmente. L'illuminazione di Rembrandt è nota per la sua oscurità. Punta per la sottoesposizione piuttosto che la sovraesposizione. Sperimenta, ma inizia lasciandolo cadere da -1 a -2 o più.
* Contrasto: Aumenta questo per migliorare la gamma tonale e creare separazione tra luci e ombre. Inizia con da +20 a +40 e regola per il gusto.
* Highlights: Abbassa questi * modo *. Recupero punti salienti e aggiungendo alla sensazione lunatica. Prova da -60 a -100.
* ombre: Porta le ombre *leggermente *, quanto basta per rivelare alcuni dettagli senza perdere l'umore. Inizia da +10 a +30.
* Bianchi: Regola questi *attentamente *. Vuoi alcuni punti luminosi, ma non molti. Esperimento basato sulla tua immagine.
* Blacks: Abbassali per approfondire le ombre. Questo rafforza l'estetica oscura e lunatica. Da -20 a -50 potrebbe essere appropriato.
* Clarity: Questo può aggiungere un po 'di "punzone" all'immagine, ma usarlo con parsimonia. Da +5 a +15 potrebbe essere sufficiente. Troppo sembrerà artificiale.
* Dehaze: Evita di usare troppo dehaze in quanto può far apparire l'immagine eccessivamente acuta e perdere la sensazione pittorica. Usa sottilmente se non affatto (da +5 a +10 al massimo).
* Vibrance/saturazione: Ridurre la saturazione * leggermente * per una sensazione più senza tempo. I dipinti di Rembrandt non erano eccessivamente saturi. Regola la vibrazione a piacere (un leggero urto può aiutare le tonalità della pelle).
* Curva di tono:
* Curva punti: Usa la curva dei punti (nota anche come "curva a S") per perfezionare ulteriormente il contrasto. Una sottile curva a S aumenterà il contrasto. Sperimenta con una curva delicata. La chiave è la sottigliezza.
* Curve di canale (rosso, verde, blu): Puoi usarli per perfezionare l'equilibrio del colore. Regolazioni sottili qui possono fare una grande differenza. Sperimentare. L'aggiunta di un piccolo bernoccolo ai blues nell'ombra può essere un buon punto di partenza per aggiungere un'atmosfera più lunatica.
* Pannello HSL/colore:
* Hue: Regolazioni di tonalità sottili possono migliorare i toni della pelle.
* Saturazione: Riduci leggermente la saturazione di gialli e arance. I toni della pelle nei dipinti di Rembrandt sono raramente eccessivamente vibranti.
* Luminance: Regola la luminanza di colori specifici per controllare la luminosità. Potresti oscurare leggermente la luminanza dei gialli e delle arance per focalizzare la luce.
* Pannello di dettaglio:
* Affilatura: Applicare una moderata quantità di affilatura, concentrandosi sugli occhi e sulle caratteristiche del viso chiave. Usa il mascheramento per evitare di affilare lo sfondo e le aree con rumore.
* Riduzione del rumore: Se necessario, ridurre il rumore, specialmente nell'ombra. Troppa riduzione del rumore può ammorbidire l'immagine troppo.
* Correzioni dell'obiettivo:
* Abilita le correzioni del profilo per rimuovere qualsiasi distorsione dell'obiettivo o aberrazione cromatica.
* Pannello di effetti:
* Vignetting: Aggiungi una sottile vignetta negativa per scurire i bordi dell'immagine e attirare l'attenzione sul soggetto. Sperimentare con la quantità e il punto medio. Una leggera vignetta è spesso molto efficace.
* Grain: Un grano molto sottile a volte può aggiungere una qualità simile a un film, ma questo è facoltativo e dovrebbe essere usato con parsimonia.
* Calibrazione:
* Sperimenta le tonalità e le saturazioni primarie rosse, verdi e blu per perfezionare ulteriormente la tavolozza dei colori.
3. Emulazione dell'illuminazione Rembrandt (tecniche specifiche):
* La patch Rembrandt: La caratteristica di definizione dell'illuminazione di Rembrandt è il piccolo triangolo di luce sulla guancia di fronte alla sorgente luminosa. Presta attenzione al raggiungimento di questo. Se la tua immagine non la ha naturalmente, puoi * molto sottilmente * utilizzare il pennello di regolazione in Lightroom per dipingere una piccola area di aumento dell'esposizione sulla guancia. Rendilo credibile!
* mascheramento selettivo (pennello di regolazione o filtro radiale):
* Dodge and Burn: Usa il pennello di regolazione per schivare sottilmente (alleggerisci le ombre (scuri) per scolpire il viso e migliorare l'illuminazione. Concentrati sugli occhi, gli zigomi e le labbra.
* Filtro radiale per focus: Posizionare un filtro radiale attorno al viso del soggetto e aumentare leggermente l'esposizione, il contrasto e la chiarezza all'interno del filtro per attirare l'attenzione su di loro. Piume i bordi per fondere perfettamente.
* Dimming di sfondo: Usa un filtro radiale per oscurare ulteriormente lo sfondo, facendo risaltare il soggetto.
* Filtro graduato: Usa un filtro graduato per scurire sottilmente la parte superiore dell'immagine, imitando la caduta della luce in un ambiente da studio.
4. Iterazione e perfezionamento:
* Fai un passo indietro: Fai delle pause e guarda l'immagine con gli occhi freschi.
* Confronta: Confronta la tua immagine con i dipinti reali Rembrandt. Presta attenzione al tono generale, al contrasto e alla tavolozza dei colori.
* Regola gradualmente: Effettuare piccole regolazioni incrementali per evitare l'eccesso di elaborazione.
Suggerimenti chiave per il successo:
* La sottigliezza è la chiave: Evita eccessiva elaborazione. L'obiettivo è creare un ritratto artistico dall'aspetto naturale.
* Concentrati sull'illuminazione: I dipinti di Rembrandt riguardano la luce. Ottieni l'illuminazione direttamente nell'immagine originale o emula attentamente in post-elaborazione.
* Studia il lavoro di Rembrandt: Analizza l'illuminazione, la composizione e la tavolozza dei colori dei suoi ritratti.
* Pratica: Più ti pratichi, meglio diventerai nel raggiungere l'aspetto di Rembrandt.
* Usa un tablet Wacom (o simile) per il controllo più fine Una penna e un tablet rendono il pennello di regolazione e le applicazioni di filtro graduate più facili e più precise.
* Non raschiare eccessivamente. I ritratti di Rembrandt non riguardano dettagli estremi.
Esempio di riepilogo del flusso di lavoro:
1. Selezione dell'immagine: Scegli un ritratto adatto con una buona illuminazione o un potenziale per questo.
2. Regolazioni globali:
* Aumento di esposizione, aumenta il contrasto
* Regola luci e ombre a piacere.
* Scuri bianchi e neri.
* Sottili regolazioni di chiarezza e dehaze.
3. Curva di tono: Crea una sottile curva a S.
4. Regolazioni HSL: Desaturare leggermente gialli e arance. Regola la luminanza per i toni della pelle.
5. Pannello di dettaglio: Affittamento moderato e riduzione del rumore (se necessario).
6. Pannello di effetti: Sottile vignetting.
7. Regolazioni locali (pennello di regolazione/filtri radiali):
* Crea la "patch Rembrandt" se necessario.
* Dodge e brucia per scolpire il viso.
* Dasci lo sfondo.
8. Raffiniture finali: Apportare piccole regolazioni al tono generale e al bilanciamento del colore.
Ricorda, questa è una linea guida. Ogni immagine è diversa, quindi dovrai adattare queste tecniche per soddisfare le tue esigenze specifiche e la visione artistica. Buona fortuna!