Recentemente ho scritto una nuova guida del fotografo alle impostazioni della fotocamera. Una volta acquisita dimestichezza con le impostazioni della fotocamera, il passaggio successivo consiste nell'imparare le regole per una buona composizione e design per la tua fotografia.
Quindi ecco i 10 suggerimenti più importanti da tenere in considerazione quando si inquadra la scena. La tua guida alla composizione.
Grand Central Terminal e Chrysler Building, New York
#1 In che modo gli occhi dello spettatore fluiranno attraverso la scena?
Preferisco pensare alla composizione come se fosse un gioco per compiacere gli occhi, e se vuoi compiacere gli occhi, hanno bisogno di qualcosa da fare e di un posto dove andare. Quando crei un'immagine, devi pensare al percorso che gli occhi degli spettatori seguiranno attraverso la scena e se questo sarà un percorso fluido o un percorso stridente.
- Percorso del fluido – un'immagine con linee guida, come una strada o un ruscello, o un'immagine con un primo piano, una via di mezzo e uno sfondo, che guida lo sguardo gradualmente da un livello all'altro.
- Percorso stridente – un'immagine con più soggetti ben distanziati in cui gli occhi possono rimbalzare. Poiché in questo tipo di immagine non ci sarebbero linee tra gli oggetti, devono essere ben distanziati all'interno della scena.
Se guardi la foto sopra, gli occhi sono diretti direttamente alla statua della Grand Central nella terza riga in alto a sinistra della scena, in particolare perché la maggior parte delle persone legge dall'alto verso il basso e da sinistra a destra. Gli occhi vengono quindi condotti alla guglia del Chrysler Building e al ponte dettagliato. Questi tre elementi formano una forma triangolare attraverso cui guidare gli occhi, tuttavia, il ponte funge da elemento molto importante della composizione, impedendo agli occhi di lasciare la scena e riconducendoli nell'immagine, dove possono dirigersi verso il statua o giù per le persone e le macchine per strada.
#2 Guarda il limite delle tue immagini
Continuando dal suggerimento n. 1 sopra, affinché un'immagine sembri bilanciata, i bordi dell'immagine dovrebbero essere bilanciati. Gli occhi hanno una tendenza naturale a voler far cadere un'immagine attraverso i suoi bordi. Mettendo elementi negli angoli ti fermi e catturi l'attenzione degli occhi, spingendoli di nuovo nella scena. Questo è il motivo per cui le immagini di paesaggi hanno spesso piccoli rami di alberi o fogliame negli angoli superiori del cielo e perché la vignettatura è comunemente usata.
Central Park South, New York
Nota i rami negli angoli superiori che funzionano per mantenere gli occhi nella cornice. Gli elementi angolari spesso funzionano in modo ancora più efficace quando viene mostrata solo una parte di essi.
#3 Regola dei terzi contro immagini centrate
La regola dei terzi è più un suggerimento che una regola. Ho visto persone portarlo all'estremo, ma ci sono così tanti casi in cui è preferibile una composizione centrata o diversa.
La regola dei terzi si riferisce al posizionamento del tuo soggetto principale, o soggetti, in una delle quattro intersezioni di un terzo nella tua foto, che noterai nella seconda immagine qui sotto. Questo è più piacevole per gli occhi e ti consente anche di mettere a fuoco contemporaneamente un soggetto in primo piano su un lato, pur disponendo di una notevole quantità di spazio per uno sfondo interessante per bilanciare la scena.
Silk Exchange Building, New York
Regola dei terzi
Nella foto sopra, pur non essendo esattamente sulla terza riga (non è una regola rigida), si può notare che l'edificio è bilanciato dall'albero sulla terza riga corrispondente. Gli edifici su ciascun bordo fungono da linee guida e hanno l'ulteriore scopo di fungere da cornice perimetrale per mantenere gli occhi all'interno della scena.
Tuttavia, non aver paura di mettere al centro il tuo soggetto principale. Un soggetto centrato può bloccare tutto il resto fuori dalla scena e farti concentrare solo sull'elemento più importante. Funziona particolarmente bene con una forte espressione facciale o sguardo negli occhi. Inoltre, questo funziona per scene simmetriche, che possono sembrare estremamente equilibrate.
Rucker Park, New York
#4 orizzontale – verticale o inclinato
Se catturare un'immagine orizzontalmente, verticalmente o leggermente inclinata è sempre una decisione difficile. Ci sono molte ragioni per fotografare sia in orizzontale che in verticale, tuttavia trovo spesso che i fotografi abbiano la tendenza a fare più affidamento su un formato.
Le immagini orizzontali spesso sembrano più naturali da guardare perché imitano il modo in cui i nostri occhi vedono il mondo. Consentono inoltre di adattare più elementi all'immagine e forniscono un formato più semplice per far fluire gli occhi attraverso l'immagine.
Un formato verticale può essere utile quando vuoi avvicinarti e mettere a fuoco un singolo soggetto o un'area ristretta. È un modo per semplificare la tua foto ed eliminare tutti gli elementi che potrebbero distogliere l'attenzione dal soggetto principale.
Quando crei un'immagine orizzontale o verticale, assicurati che le linee siano dritte. Se sono leggermente sfalsati, l'immagine non risulterà bilanciata. Tuttavia, a volte vorrai inclinare i tuoi soggetti ad angolo. Inclinare i soggetti in modo che la scena non sia né orizzontale né verticale aggiunge interesse ed energia alla foto. Promuove un sentimento spontaneo e la mancanza di equilibrio può effettivamente essere un piacere per lo spettatore.
Inquadratura stretta, classica, verticale vs. ripresa energica, obliqua, di dettaglio
#5 triangoli e il numero tre
La forma triangolare può essere molto importante per una buona composizione in fotografia. Questo non si riferisce all'avere la forma effettiva in un'immagine, ma una relazione tra tre oggetti che creano un triangolo all'interno della scena.
Finché i tre oggetti sono in grado di bilanciarsi a vicenda, questo è piacevole per gli occhi perché crea un percorso costante attraverso la scena.
Negozio Prada, SoHo, New York
#6 Prospettiva
L'altezza da cui scatti può essere un fattore significativo nell'aspetto delle tue immagini. Se vuoi enfatizzare l'altezza e la potenza in una scena, avvicinati al suolo e inclina leggermente la fotocamera verso l'alto. Le persone sembreranno più importanti e importanti e oggetti come alberi o montagne sembreranno ancora più grandi.
Scattare da un'angolazione alta della fotocamera, d'altra parte, fa sembrare tutto più piccolo e meno potente. Se l'altezza di ripresa diventa sufficientemente estrema, l'immagine può anche tendere ad assumere una sensazione astratta e grafica.
Quando si fotografano le persone, prestare sempre attenzione all'angolazione della fotocamera. A volte alzare o abbassare leggermente la fotocamera può fare una grande differenza.
#7 minimalista contro massimalista
Minimalista si riferisce a mantenere una fotografia molto semplice, come un'immagine con un unico soggetto e uno sfondo piacevole e calmo. Questo può creare un design molto potente e grafico. C'è potere nella semplicità. Valerie Jardin, ha recentemente scritto un buon articolo sulla fotografia minimalista.
Il massimalista d'altra parte si riferisce a un'immagine caotica, con molti elementi in competizione tra loro e che giocano l'uno con l'altro. Tuttavia, all'interno del caos c'è equilibrio. Questo tipo di immagine è molto difficile da creare in modo equilibrato, ma quando funziona può essere un piacere per gli occhi che consente allo spettatore di esplorare la scena.
Canal Street, New York. Equilibrio nel caos
L'immagine sopra non funzionerebbe se i soggetti non fossero distribuiti uniformemente su tutta la scena.
#8 Colore
Il colore è un aspetto vitale del design. Un colore forte sul soggetto principale può aggiungere ulteriore enfasi, mentre un colore forte in un elemento insignificante può rovinare l'equilibrio di una foto.
In questi giorni c'è una grande tendenza verso colori forti e irrealistici nella fotografia, simili ai film o su Instagram. I colori forti fanno un lavoro migliore nel catturare la nostra attenzione all'inizio, ma i colori tenui possono essere altrettanto interessanti e creare un'atmosfera tanto quanto i colori forti, se non di più. Esplora desaturando leggermente le tue immagini.
Ogni colore ha le sue proprietà e la capacità di creare un'atmosfera all'interno di un'immagine. Una tinta rossa può aggiungere una sensazione calda ed energica a una foto, mentre una tinta blu può far sembrare una scena calma o fredda e sterile. Come afferma il fotografo ritrattista Dan Winter, "il verde è un colore intrinsecamente calmante e invitante ed è legato al nostro ambiente naturale". Winters usa il verde per molti dei suoi ritratti.
Ecco alcuni modi in cui i colori possono giocare l'uno sull'altro per aggiungere equilibrio:
- Colori complementari (colori sul lato opposto della ruota dei colori)
- Colori analoghi (colori uno accanto all'altro sulla ruota dei colori)
- Diversi colori in tonalità simili
- Lo stesso colore in diverse tonalità
Primavera e Bowery, New York
#9 Avvicinarsi e riempire il frame
Questo è un concetto molto importante. Scopri cosa è significativo nell'inquadratura, avvicinati e cattura solo quello. Taglia tutto il resto e avvolgi il soggetto principale. Se la parte più interessante di una persona sono i suoi occhi, cattura gli occhi da vicino.
Proprietario del negozio, Trash and Vaudeville, New York
#10 Unicità e violazione delle regole
Impara queste regole e mettile in pratica, ma tieni presente che a volte devi infrangere le regole. Sii unico quando possibile. Non c'è niente di più piacevole alla vista di qualcosa di diverso.
Hai altri suggerimenti che vorresti aggiungere a questo elenco? Per favore condividi nei commenti, con immagini di esempio se ne hai alcune.