Fotografia di paesaggi d'arte:la guida completa

Forse hai sentito il termine fotografia artistica di paesaggi .

Ma la fotografia di paesaggi d'arte è qualcosa che dovresti aspirare a realizzare? E cosa distingue una fotografia fine art da un'istantanea?

In questo articolo, spiegherò tutto ciò che devi sapere sulle riprese di paesaggi artistici. Inizierò spiegando di cosa si tratta in realtà e continuerò a darti molti suggerimenti che puoi utilizzare per migliorare le tue foto di paesaggi!

Iniziamo.

Cos'è la fotografia di paesaggio fine art?

Alcuni termini sono difficili da definire e fotografia artistica rientra in quella categoria.

Detto questo, la fotografia artistica riguarda meno il soggetto e più il fotografo. Il tuo obiettivo nella fotografia di paesaggi d'arte non è semplicemente quello di mostrare al tuo spettatore ciò che hai visto; è per comunicare come ci si sente ad essere lì e come ti ha fatto sentire la scena.

Allora come comunichi i sentimenti attraverso le fotografie?

Ecco alcuni suggerimenti da considerare quando si acquisiscono fotografie di paesaggi artistici.

1. Pensa a cosa renderebbe unica la tua immagine

Hai mai fatto una foto di paesaggi in un luogo in cui altri fotografi sono allineati accanto a te mentre lavorano sulla scena?

La maggior parte di noi ha.

La domanda da porsi è:

In che modo la tua foto sarà diversa, unica, speciale? Qual è la tua immagine che risalterà? Come puoi mettere la tua firma unica sullo scatto?

Le scelte che fai per creare un'immagine che sia unicamente tua importa . Qualsiasi cuoco può seguire una ricetta e se una dozzina di cuochi lavorano tutti con la stessa ricetta, i piatti saranno essenzialmente indistinguibili. Lo chef gourmet che prepara il suo piatto d'autore, tuttavia, si sforzerà di rendere il pasto unico.

E come fotografo di paesaggi d'arte, il tuo obiettivo dovrebbe essere lo stesso.

2. Sii intenzionale e deliberato

Quando la luce cambia rapidamente, un fotografo paesaggista potrebbe aver bisogno di muoversi rapidamente. Tuttavia, la maggior parte delle fotografie di paesaggi può essere eseguita a un ritmo lento e ponderato.

Invece di vedere semplicemente una scena, posizionare il treppiede, scattare prima e fare domande dopo, fai il contrario. Prima ancora di toccare la fotocamera, osserva attentamente la scena. Rallenta.

Chiediti cosa ti ha attratto per primo sulla scena. Come ti fa sentire? Come puoi comporre al meglio lo scatto? E se ti spostassi più in alto, più in basso, in un punto di osservazione diverso, e usassi un obiettivo diverso? Cosa puoi fare per catturare al meglio i tuoi sentimenti nell'inquadratura?

Non essere mai uno sparatutto unico. Sfrutta la capacità di riproduzione istantanea della tua fotocamera, valuta la tua immagine e decidi cosa potrebbe essere migliore.

Quindi fai qualche altro scatto.

Sebbene non sia un fotografo e non parli di fotografia di paesaggi d'arte, il famoso giocatore di hockey Wayne Gretsky offre ancora consigli che i fotografi farebbero bene a ricordare:

3. Esercitati con la previsualizzazione

Saprai che le tue capacità di fotografo stanno crescendo quando potrai vedere la tua fotografia prima ancora di mettere l'occhio nel mirino.

Alla fine, dovresti previsualizzare l'immagine finita, avere la visione e quindi utilizzare semplicemente la fotocamera come strumento per catturare quella visione.

È un bellissimo loop:

Più fotografi, più diventi bravo a vedere e più diventi bravo a vedere, migliori diventeranno le tue fotografie.

Ma mentre la previsualizzazione è importante, la fotografia di paesaggi d'arte dovrebbe sempre essere aperta alla serendipità:quei momenti inaspettati in cui la luce cambia, gli angeli cantano e il miracolo appare per un breve momento da catturare.

Ci sono stati spesso momenti in cui ho previsualizzato uno scatto, mi sono preparato e ho aspettato la luce, solo per vedere qualcosa di straordinario apparire dietro di me di punto in bianco.

Esercitati a lavorare con i controlli della fotocamera in modo che, quando si verifica un momento del genere, puoi rispondere rapidamente e scattare la foto.

4. I paesaggi artistici non sono solo monocromatici

Google "fotografia artistica" e vedrai principalmente immagini in bianco e nero (monocromatiche). A causa, forse, della sua lunga esistenza, così come di un buon numero di primi fotografi per i quali il bianco e nero era l'unica opzione, le fotografie monocromatiche possono superare le immagini a colori nel mondo dell'arte.

Ma questo non vuol dire che le immagini a colori non possano essere considerate anche fotografie d'arte.

Torniamo alla nostra definizione:la fotografia artistica riguarda più l'artista/fotografo e la sua visione che il contenuto della fotografia. Che sia a colori o in bianco e nero, il modo migliore per ritrarre una visione dipenderà dall'intento del produttore.

Ora, tieni a mente i punti di forza della fotografia in bianco e nero. Senza l'aggiunta del colore, le immagini monocromatiche si basano maggiormente sulle basi, le "ossa" di una buona foto:linea, forma, forma, tono e consistenza.

Le immagini in bianco e nero sono in genere più semplici, con una maggiore attenzione al soggetto. A volte, un'immagine monocromatica può trasmettere un aspetto o uno stato d'animo meglio della sua controparte a colori.

Quando decide se un'immagine può essere la migliore a colori o in bianco e nero, il fotografo di belle arti deve tornare all'obiettivo e chiedersi:

Quale versione trasmette meglio le sensazioni e la visione che ho avuto quando ho realizzato l'immagine?

Questo, e non l'idea che le fotografie artistiche siano sempre monocromatiche, dovrebbe dettare la direzione che prende il fotografo.

5. Non aver paura di alterare la realtà

Abbiamo parlato del fatto che la fotografia d'arte riguarda meno un'interpretazione accurata di un soggetto e più i sentimenti e la visione del fotografo.

Quindi chi dice che non puoi cambiare completamente la tua immagine per trasmettere meglio queste cose?

Tecniche come tempi di posa lunghi per sfocare gli oggetti in movimento e tempi di posa molto elevati per congelare completamente gli oggetti in rapido movimento sono di casa nella fotografia artistica.

Così è di proposito la sfocatura delle scene con il movimento intenzionale della fotocamera (ICM) e l'utilizzo di speciali strumenti digitali per conferire a un'immagine un aspetto "pittorico".

Fotografia a infrarossi o altre tecniche che cambiano i colori? Certo!

L'arte è totalmente soggettiva, così come la fotografia di paesaggio artistica.

Il modo in cui scegli di ritrarre una scena è una tua prerogativa, dove il "modo giusto" è quello che comunica meglio i tuoi sentimenti e il tuo messaggio.

6. Sperimenta con l'editing interpretativo

Ho letto molto sulla frase "farlo bene davanti alla telecamera", qualcosa con cui sono sia d'accordo che in disaccordo. Sì, credo che uno dovrebbe padroneggiare i controlli della fotocamera in modo da ottenere la migliore esposizione possibile di un'immagine mentre si è sul campo.

Sì, è importante creare la migliore immagine possibile sul campo. Una sessione di montaggio non dovrebbe mai essere una missione di salvataggio in cui cerchi di superare gli errori commessi durante le riprese. Correggere un'immagine in Photoshop è un'opzione, ma di solito non è buona.

Tuttavia, migliorare un'immagine con schivare, bruciare o qualsiasi delle dozzine di altre tecniche di editing è il segno distintivo di un abile fotografo di belle arti. Usare le capacità di editing per interpretare ulteriormente un'immagine, per trasmettere sentimenti e intenti, fa parte del mestiere.

Le persone a cui piace vantarsi che le loro immagini sono inedite e fuori dalla fotocamera probabilmente non hanno mai studiato il lavoro di forse il fotografo paesaggista più famoso di tutti i tempi, Ansel Adams. Non aveva il vantaggio del software di editing digitale per modificare le sue immagini, ma questo non lo ha scoraggiato.

Dai un'occhiata ad alcune delle sue immagini prima e dopo e rimarrai stupito di quanto cambiamento ci sia stato tra il negativo catturato dalla fotocamera e la stampa finale.

7. Dedica il tempo

La fotografia di paesaggi d'arte non è fatta di fretta.

Ho visto produttori di software affermare che i loro programmi ti permetteranno di lavorare più velocemente usando l'intelligenza artificiale. Sebbene questi programmi abbiano fatto molta strada, non sono convinto che possano ancora eguagliare la qualità dell'intelligenza umana della vecchia scuola e uno stile di editing più attento, sebbene più lento.

Potresti essere in grado di ottenere risultati interessanti con un preset con un clic, ma si tradurrà in un'immagine che comunica la tua visione unica? Se sostituisci un cielo con qualcosa di "scatolato", potrebbe essere più drammatico, ma è ancora la tua fotografia?

Devo anche chiedere:che fretta c'è?

Mi piace il fotoritocco, vedere dove posso scattare un'immagine con un lavoro ponderato. So che ci sono quelli a cui non interessa il montaggio e immagino che vada bene. Credo solo che l'arte realizzata con la massima cura richieda tempo.

Ho usato software del genere in alcune occasioni, e puoi farlo anche tu. Ma invece di imparare solo i trucchi del mestiere, che ne dici di dedicare tempo e sforzi per imparare il mestiere stesso?

Se il tuo obiettivo è la fotografia di paesaggi d'arte che ha il tuo stile personale e il tuo aspetto distintivo, non ci sono scorciatoie. Le preimpostazioni con un clic renderanno il tuo lavoro simile a quello di tutti gli altri!

8. Vedere(k)ingare la luce

Mi piacciono vari tipi di fotografia, dalla natura morta da tavolo e la fotografia macro al lavoro con il flash e soprattutto i paesaggi. Ciò che differenzia la fotografia di paesaggio da molti di questi altri generi è l'illuminazione, il grado di controllo che il fotografo ha sulla scena e la facilità di creare l'aspetto desiderato.

Posso previsualizzare l'aspetto che voglio per uno scatto di natura morta da tavolo, posizionarlo sul bancone della cucina, accenderlo, apportare modifiche e ritoccare finché non ottengo lo scatto che mi piace.

Non così per la fotografia di paesaggio.

Invece, devo recarmi nell'area che voglio fotografare, essere lì quando il tempo è favorevole, la luce è giusta, il fogliame è di stagione e tutto il resto (nessuna di queste cose sotto il mio controllo) si riunisce tutto. Se mai lo fa.

Ma questa è anche la gioia della fotografia di paesaggi d'arte.

Potrebbe significare sedersi pazientemente nel freddo prima dell'alba, sperando che le nuvole arrivino nel modo giusto e che l'alba arrivi proprio così. Potresti camminare per miglia per arrivare a quel punto di vista per un tramonto che non arriva mai, o essere fortunato e avere un temporale improvviso sopra il canyon con nuvole e fulmini drammatici.

La mancanza di controllo fa parte dell'attrazione della fotografia di paesaggio, la consapevolezza che la fortuna è davvero quando la preparazione incontra l'opportunità.

Quindi, se vuoi essere un grande fotografo di paesaggi d'arte, allora dovrai lavorarci. Avrai bisogno di sacrificare un po', alzarti prima dell'alba, stare bene dopo che il sole è tramontato, fare escursioni in luoghi difficili, cercare luoghi che i fotografi drive-by non vedranno mai e sforzarti di essere diverso con le tue immagini, catturando non solo ciò che vedi, ma cosa senti.

9. Scatta su un tema

A volte, un buon modo per stimolare i tuoi succhi creativi è scattare su un tema. Piuttosto che semplicemente afferrare la tua attrezzatura e andare in un luogo per fare qualche fotografia di paesaggio con qualsiasi cosa tu veda, decidi che farai in modo che tutte le tue immagini si adattino a un tema.

Descrivi visivamente un concetto o magari fai delle foto come se stessi facendo un articolo su un luogo o un singolo argomento. Quindi, usa il "vocabolario visivo" che sono le tue fotografie per descrivere e definire quel soggetto.

Aggiungi il tuo stile come fotografo di paesaggi d'arte per determinare cosa vuoi che il tuo spettatore sappia e senta sul tuo soggetto.

10. La stampa è la performance

Oggi, la maggior parte delle foto che vengono realizzate probabilmente non vengono mai stampate. Invece, vengono visualizzati solo su monitor o schermi LCD e talvolta proiettati. Ai tempi del cinema, i fotografi non avevano tali opzioni. Dopo aver girato e sviluppato il loro film, erano solo a metà strada per poter mostrare la loro fotografia agli spettatori. Le stampe erano obbligatorie.

Ansel Adams la vedeva in questo modo:

Quando si parla di fotografia paesaggistica d'arte, devo sollevare la domanda:

Una fotografia può essere considerata arte se viene visualizzato solo su monitor e mai stampato?

Se hai trascorso del tempo in una galleria fotografica e hai guardato da vicino le fotografie stampate, saprai che non c'è paragone tra vedere una fotografia stampata e vedere la stessa immagine su un monitor. Le stampe possono rendere molti più dettagli, colori e toni.

Anche il tipo e la consistenza della carta o di un altro supporto su cui viene stampata una fotografia possono fare un'enorme differenza.

Infine, quando si visualizzano fotografie su uno schermo, la luce è prodotta dallo schermo stesso, mentre quando si visualizza una stampa, la luce viene riflessa. Cambia il modo in cui visualizzi lo scatto.

Quindi, per ripetere la mia domanda in un modo diverso:

Una fotografia deve essere stampata per essere considerata belle arti ?

Potrei discutere su entrambe le parti, ma devo confessare che sono un grande sostenitore della stampa. Sì, imparare a fare buone stampe da soli è un'altra abilità e non facile da imparare. Ottenere semplicemente che il colore e la luminosità di un'immagine stampata corrispondano approssimativamente a ciò che vedi sul tuo monitor è una sfida.

Ma direi che imparare a stampare fa parte del mestiere fotografico.

Potresti anche scegliere di consegnare le tue foto a una stampante professionale la cui specialità è sapere come ottenere il massimo dalla tua immagine. Va bene anche questo. Immagino che il mio punto sia che la differenza tra una fotografia di paesaggio stampata e la stessa immagine visualizzata su un monitor sia grande quasi quanto la differenza tra andare a un concerto e guardarne uno alla TV.

11. Le tue foto parlano di te

Quello che vedi, cosa attira il tuo sguardo e la tua macchina fotografica, e come scegli di interpretare un soggetto la dice lunga su di te.

Anche se non hai definito consapevolmente una "visione fotografica" per te stesso, è probabile che, se rivedi i tuoi archivi, sarai in grado di identificare i punti in comune nel tuo lavoro.

Si spera che tu abbia sviluppato un sistema di classificazione (forse codifica a colori o valutazione a stelle come si può fare in Lightroom) in modo da poter determinare quali foto consideri le tue preferite. Prenditi del tempo per esaminare i tuoi scatti migliori e magari prendere appunti sulla definizione di stili, caratteristiche o tecniche.

Cosa fai costantemente che funziona e quale stile distintivo hai?

Concentrati in modo specifico sulle immagini del tuo paesaggio e cerca elementi in comune. Cosa ha funzionato bene? Cosa non ha funzionato? Come puoi trovare modi per sfruttare i tuoi successi e anche definire e sviluppare ulteriormente il tuo stile personale in modo che le tue immagini comunichino con il tuo spettatore?

Quando consideri l'argomento della fotografia paesaggistica d'arte, potresti chiederti:"Il mio lavoro è all'altezza? Sono abbastanza bravo da poter considerare le mie fotografie belle arti? Appartengo al club d'élite dei fotografi di belle arti?"

Suggerirei che ciò che costituisce una fotografia d'arte riguarda meno la qualità dell'immagine e molto di più il successo del fotografo nel comunicare qualcosa allo spettatore.

Se vuoi avere successo nella fotografia di paesaggi d'arte, o in qualsiasi altro genere di fotografia, se è per questo, insegna alle tue foto a parlare da sole. Se fossero mostrati in una galleria senza che tu ci dica una parola, cosa direbbero a uno spettatore? Cosa proverebbe una persona quando li guarda?

Sì, una foto può valere 1000 parole, forse di più. Ma deve parlare da sé!

Fotografia di paesaggi artistici:Conclusione

Ora che hai finito questo articolo, sai tutto sulla fotografia di paesaggi d'arte.

E sai come creare dei bellissimi scatti di paesaggi artistici!

Quindi esci e spara. I migliori auguri per i tuoi sforzi fotografici!

Domande frequenti sulla fotografia di paesaggi artistici

Questa descrizione di Wikipedia lo riassume bene:“La fotografia d'arte è una fotografia creata in linea con la visione del fotografo come artista, utilizzando la fotografia come mezzo di espressione creativa. L'obiettivo della fotografia fine-art è esprimere un'idea, un messaggio o un'emozione."

Sebbene molti fotografi scelgano di utilizzare il bianco e nero per realizzare foto di paesaggi artistici, e sebbene le immagini tradizionali siano state realizzate in questo modo, non è un requisito. Il fotografo dovrebbe scegliere la rappresentazione che meglio esprime la sua intenzione per l'immagine.

Le buone foto vengono create nella mente e la fotocamera diventa quindi uno strumento per catturare ciò che il fotografo ha già "visto".

No, ma una stampa può fare molto di più per trasmettere il messaggio del fotografo allo spettatore come un oggetto fisico tangibile con una maggiore sottigliezza di colore, tono e risoluzione più elevata. Inoltre, mentre ogni dispositivo di visualizzazione influenzerà il modo in cui l'immagine viene vista, una stampa mantiene l'aspetto dell'immagine come previsto dal fotografo. Anche la stampa fa parte dell'arte e del mestiere della fotografia.

Determina cosa vuoi che il tuo spettatore veda, pensi e senta quando guarda la tua immagine e dai alla tua fotografia quelle qualità tali da poter parlare da sola allo spettatore.