Cresciuto in una piccola città dell'Oregon negli anni '70 e '80, nessuno conosceva il cinema, secondo John FK Parenteau, artista e produttore di effetti visivi con oltre 30 anni di crediti in innumerevoli produzioni hollywoodiane come Sin City , Iron Man 2 , Fast Five, Super 8, Hunger Games per dirne alcuni. Sapeva che voleva iscriversi alla scuola di cinema, ma il suo consulente di orientamento non è stato di grande aiuto. "Non ho idea di come consigliarti", ha detto a Parenteau il consulente di orientamento. Per qualcuno cresciuto in quel periodo, c'era una persona che poteva capire il suo sogno. Giorgio Lucas.
Parenteau ha scritto una lettera a Lucas, o forse era a Lucasfilm o ILM, non riesce a ricordare. Ma ha ricevuto una risposta da una delle persone di Lucas, che ha detto:"dovresti andare alla scuola di cinema della USC". Estremamente ingenuo riguardo all'ammissione all'università, Parenteau ha applicato pensando "Va bene, ci andrò". Per fortuna è stato accettato.
Dopo la scuola di cinematografia alla fine degli anni '80, Parenteau si è fatto le ossa come direttore della fotografia. Ma un interesse parallelo per l'animazione 3D al computer, allora appena agli albori, lo ha portato sulla strada di un artista degli effetti visivi. La decisione è stata buona, poiché Parenteau ha finito per lavorare per Amblin Imaging di Steven Spielberg in programmi come Seaquest DSV e Star Trek franchising. Negli ultimi 30 anni, Parenteau ha formato 2 società di effetti visivi, diretto cortometraggi e prodotto una serie web, che ha anche scritto, diretto e montato.
Parenteau metterà a frutto questa vasta esperienza di regia per la seconda edizione annuale di Edit Challenge di Artgrid x Artlist.
In attesa della sfida, abbiamo parlato con Parenteau del suo percorso nell'industria cinematografica e della svolta della sua carriera dalla cinematografia all'animazione 3D e agli effetti visivi. Abbiamo anche parlato del tempo trascorso con Spielberg alla Amblin Imaging e dei suoi suggerimenti per lavorare con filmati e suoni, oltre a realizzare fantastici video musicali, annunci e trailer.
Come hai iniziato a lavorare nell'industria cinematografica?
All'inizio mi sono concentrato un po' di più sulla cinematografia. Non mi sentivo come se avessi una voce per dirigere, ed è un modo molto maturo per dire in questo momento quello che ho sentito in passato, ovvero che sarei salito sul set e non avevo idea di come parlare con gli attori. Ero un po' impazzito. La grafica mi è piaciuta molto, quindi mi sono concentrato un po' di più sull'aspetto tecnico durante il college ed ero un direttore della fotografia al di fuori del college.
Sono il tipo di ragazzo a cui piace imparare le cose. Mi piace fare un sacco di cose diverse e mi è servito bene nella mia carriera, sia che mi trovi con una grande o una piccola azienda in cui posso muovermi molto. Così ho imparato da solo l'animazione 3D quando stava appena uscendo in forma desktop tra la fine degli anni '80 e l'inizio degli anni '90. È stato allora che sono stato assunto da Amblin Entertainment per lavorare come artista CG in uno show televisivo chiamato Seaquest DSV . Alla fine sono stato promosso a dirigere la divisione effetti visivi chiamata Amblin Imaging, di cui ero vicepresidente/direttore generale.
Questa è stata la mia carriera:fare cose strane e interessanti ed essere sempre aperto a nuove sfide. Ho finito per dividere quella società dalla [Amblin Entertainment] quando si è costituita la DreamWorks e per passare a più produttori, ma ho sempre girato [film] e ho iniziato a fare più regia. In realtà ho diretto un cortometraggio per una piccola sfida divertente che un gruppo di amici ha fatto, e sul set ho lavorato con gli attori per la prima volta dopo molti, molti anni. Uno degli attori mi ha preso da parte e ha detto:"Ehi, sai davvero come parlare con gli attori. Sei davvero bravo in questa cosa da regista. E io ero tipo "dove l'ho imparato?" Non lo so! Era davvero solo la maturità per essere stato nel settore abbastanza a lungo.
Amo il cinema, amo la narrazione e questo è sempre stato il mio obiettivo è raccontare meglio le storie, che si tratti della tecnologia o della scrittura, della regia o altro.
Puoi parlare del passaggio dalla grafica in CG alla supervisione?
Ero davvero il più basso degli artisti lì ad Amblin. Quando sono stato assunto, c'erano già molte altre persone lì. Questo risale al 1991/1992, quindi il concetto di avere una divisione per gli effetti visivi era molto nuovo, ad eccezione di ILM o Apogee, o un paio di aziende della vecchia scuola.
Città del peccato (film dimensionali)
Immagina di essere un animatore e mi viene assegnata una ripresa, e la ripresa contiene un certo modello CG e non riesco a trovarlo sul server. Quindi, mi avvicino al modellista e dico:"Ehi, hai finito quel modello? Ho bisogno di usarlo". Dicono:"oh, sì, l'ho finito". Dico:"Va bene, bene, dirò agli artisti delle texture che hai finito con esso in modo che possano iniziare a lavorarci. E la prossima volta che finisci un modello, fammelo sapere, e io ti aiuterò e lo farò sapere alla gente."
Un flash forward di circa 9 mesi (un anno dopo l'inizio della divisione) e il capo originale se ne stava andando. Amblin chiede a tutti gli artisti (tranne me perché ero il ragazzo più giovane lì), chi potrebbe subentrare nella divisione? E tutti hanno detto:"Beh, dovresti lasciare che John lo faccia. Lo sta già producendo". Non sapevo che lo stavo facendo. Stavo solo cercando di facilitare il lavoro. Ero così entusiasta del lavoro e volevo solo fare tutto il possibile per aiutare.
Forse sto ipotizzando, ma forse essere in grado di parlare con altri creativi alla fine ti ha aiutato ad abbattere questa percezione che avevi di te stesso di non saper parlare con gli attori?
Sì, in un certo senso. Voglio dire, mia madre e mio padre hanno divorziato quando ero molto giovane, quindi non sono cresciuto con una figura paterna o paterna, quindi nessuna persona al potere mi ha davvero intimidito. È stato molto facile per me parlare con gli artisti che erano miei coetanei, così come con un dirigente all'università oa Spielberg. Questa è stata una parte importante del mio essere un manager:essere in grado di comunicare le esigenze del lato artistico con le esigenze del lato aziendale. Dopodiché, quando ho diretto per la prima volta, tutta quella comunicazione e la capacità di parlare con le persone mi hanno reso molto più facile dirigere gli attori. Ma penso davvero che sia stata la maturità nel capire come dire qualcosa a un attore per convincerlo a fare qualcosa senza essere un pessimo regista e dirgli nel modo sbagliato.
Quindi, dopo che Amblin Imaging si è piegato ed è stato creato DreamWorks, cosa hai fatto?
La storia veloce è che ho parlato con Steven di portarci in DreamWorks e lui ha detto:"beh, sai, (produttore) Jeffrey Katzenberg (Shrek ) voleva concentrarsi sulla divisione animazione." Katzenberg aveva alcune squadre che voleva portare a bordo, quindi praticamente non era adatto a noi. Quindi ho chiesto a Steven:"se avessi fondato la mia azienda, saresti un partner?:Ha detto "sì, certo" e quindi era un partner silenzioso e non era affatto coinvolto.
È stato molto interessante perché ci ha permesso di acquistare tutta l'attrezzatura che avevamo alla Amblin Imaging a un prezzo davvero conveniente dagli Universal Studios. E ci ha permesso di portare molti di quei contratti dalla Universal che avevamo già ad Ambling Imaging. Abbiamo formato una società chiamata Digital Muse, io e John Gross.
Uno dei primi progetti di effetti speciali di Digital Muse è stata la serie cult Sliders
Parliamo un po' di essere un giudice in questa sfida di modifica. Quali aspettative hai al riguardo?
Beh, non ho mai fatto una sfida come questa. La cosa unica, penso, è che stiamo utilizzando essenzialmente il concetto di found footage con stock video di Artgrid e musica di Artlist. Quindi, in un certo senso della parola, è più creativo che se andassi a girare le tue cose. È molto facile girare qualcosa di molto specifico, ma essere in grado di creare qualcosa da filmati esistenti è una sfida davvero unica. Penso che sia davvero utile per sviluppare quella capacità narrativa di cui tutti i registi hanno bisogno.
Sarà davvero interessante vedere come le persone creano una storia usando vari elementi. Torno sempre al momento in cui vai alla scuola di cinematografia in cui ti hanno mostrato l'inquadratura di una persona con un'espressione vuota. Poi hanno mostrato una foto del cibo, e poi hanno mostrato di nuovo la persona con un'espressione vuota. E poi hanno chiesto alle persone:"Cosa prova quella persona?" e [gli studenti] dicono:"Beh, ha fame". Poi fanno la stessa cosa con qualcosa di orribile e dicono:"Oh, ha paura". Ma la persona non ha cambiato espressione, perché le immagini si alimentano a vicenda e creano una storia che ti piaccia o no.
L'uso di questo tipo di tecnica aiuterà davvero a sviluppare la capacità di un artista di raccontare storie usando materiale esistente, il che è molto più difficile che se riesci a creare tutto ciò che vuoi creare e dirigere tutto ciò che vuoi dirigere in termini di attore . Sono davvero entusiasta di vedere quale creatività ne viene fuori. Penso che alla fine sarà davvero impressionante.
The Hunger Games (Lionsgate)
Sì, è interessante. Per molto tempo, ho lavorato con filmati d'archivio per video musicali che faccio per me solo per divertimento. Sento che parte del processo di lavoro con il found footage e il suono è semplicemente giocare con loro perché non hai davvero alcun tipo di idea di dove andrà, e poi all'improvviso sei arrivato. È come quel cliché quando le persone parlano di arte e creatività, e qualcuno chiede da dove viene un'idea. Spesso non lo sai davvero. Hai appena iniziato a fare qualcosa e poi succede.
Sì, questo è decisamente più puramente creativo in questo modo perché devi trovarlo artisticamente attraverso il processo e lasciarlo evolvere da solo, al contrario di qualcosa che hai sceneggiato e girato in modo molto specifico, dove in qualche modo hai già una tabella di marcia di dove sta andando. Questa è vera arte pura perché, come hai detto, non sai dove è diretta. E alla fine, potresti rimanere sorpreso.
Detto questo, tuttavia, hai suggerimenti o tecniche che le persone potrebbero utilizzare per aiutare durante la Modifica Challenge?
Se sto realizzando un video musicale, tutto inizia nello stesso punto, ovvero con la musica. La musica presenta il tema nel tuo cervello; ti dà un tono o una sorta di tempo che trovi. Sia che tu lo riprenda da solo o utilizzi filmati d'archivio, penso che la chiave sia trovare prima un brano musicale e pensare a quali immagini evoca nella tua testa, quali colori, quali toni, con quali emozioni inizia e poi cerca i pezzi in Artgrid che fa emergere quelle immagini che sono nel tuo cervello, non importa quanto siano astratte. È allora che inizi a sistemare le cose.
Forse ci sono momenti nella canzone che evocano una certa emozione e altri che sono diversi, quindi inizia a costruirla come un piccolo mosaico e guarda cosa ti viene in mente. Questo è il bello dell'editing:puoi spostarlo, puoi cambiare le cose, puoi sbarazzarti delle clip. Ma penso che alla fine sarà l'ispirazione della musica che ti guiderà, ed è qui che suggerisco sempre alle persone di iniziare.
Quali consigli utili per creare un trailer o un video pubblicitario di qualità?
In un trailer stai cercando di raccontare una storia, quindi devi capire qual è la tua storia in anticipo. Sarà così difficile provare a mettere insieme qualcosa dal nulla se non sai già dove stai andando. Se è un pezzo d'azione, qual è l'azione? È un thriller poliziesco, quindi cosa stai cercando di evocare? Alla fine, devi essere in grado di redigere un po' di una storia quando si tratta di un trailer perché questo è l'intero scopo del trailer. In un certo senso, lo stai scrivendo, poi troverai gli elementi che lo alimentano.
Per gli annunci, ovviamente, è un po' più incentrato sul prodotto. Allora cosa fai? Ancora una volta, torniamo alla storia e al tema. Cosa stai cercando di vendere? Se stai cercando di vendere un hotel o qualcosa del genere, allora cosa stai cercando di trasmettere dell'hotel? Che sia comodo, che sia un luogo di appartenenza delle famiglie? Quindi vuoi iniziare a mostrare elementi che fanno emergere quelle storie. Se stiamo realizzando un hotel adatto alle famiglie, tutto ciò di cui hai bisogno sono elementi dell'hotel, hai bisogno di immagini di famiglie e bambini che si divertono in un ambiente simile e in pratica stai raccontando la storia di ciò che stai cercando di raccontare. Faccio sempre queste cose.
Puoi fare un sacco di cose astratte e semplicemente mettere insieme molte immagini e probabilmente arrivare a quel punto, ma aiuta avere un po' di un arco di carattere o di un arco narrativo. In questo caso, il filmato in cui la famiglia viene prima in hotel:lo vedono ei bambini scappano, quindi mostriamo il viaggio durante il giorno. Alla fine della notte, i genitori dormono a letto ma sono felici, sai, e sono a loro agio. Puoi farlo facilmente con filmati d'archivio. Quindi in qualche modo trovi quei punti della storia che ti portano avanti.
Penso che con i video musicali tu abbia un po' più di margine di manovra perché sono più astratti o possono essere più astratti. Racconto storie anche nella maggior parte dei miei video, quindi puoi farlo anche tu.
Super 8 (immagini di primaria importanza)
Sento anche che con le pubblicità e i video musicali, i ritmi di montaggio sono così diversi. Quando modifichi un video musicale, spesso modifichi il ritmo musicale o suoni contro di esso, mentre con gli annunci devi apprezzare l'arco.
Sì, e penso che tu debba consentire alle persone di vedere le cose più chiaramente perché stai presentando qualcosa in un ambiente o un prodotto di qualche tipo. Non puoi affrettarti perché sarà troppo distratto. È diverso da un video musicale in cui puoi andare molto veloce se fa appello alla musica. Un trailer è una sorta di via di mezzo, in cui hai bisogno di un po' di entrambi. Se stai costruendo qualcosa che è legato all'azione, vuoi un po' di quel taglio veloce, ma vuoi anche che respiri. Permette a tutti di dire "wow, è stato intenso!"
Ripensando alla Sfida di modifica, cosa potresti dire sull'apprezzamento o sul lavoro con il suono come persona visiva.
Il suono è importante quanto l'aspetto visivo perché guiderà un altro livello emotivo del progetto. Non si tratta solo di mostrare una bella immagine. Se mostri una bella immagine in silenzio, è un'affermazione diversa rispetto a quando mostri una bella immagine con un suono o una musica molto potente sotto di essa. Sono un direttore della fotografia ma sono una persona dal suono orribile. [Ride ] Andrò alle interviste e dimenticherò il suono perché è sempre l'ultima cosa a cui penso, come registrare un dialogo o qualcosa del genere.
Quindi, pensa al suono come a un equivalente emotivo di ciò che le immagini fanno ai tuoi occhi e costruisci le cose usando quegli elementi sonori, che si tratti solo di musica o effetti sonori. Non devono essere grandi, non devono essere in faccia, ma quel rombo di fondo di una sana intenzione sarà davvero un enorme vantaggio per creare qualcosa di emotivamente potente nel complesso.
Mentre le persone continuano a frequentare la scuola di cinema, molte persone ora finiscono per prendere una macchina fotografica e iniziare a caricare materiale su YouTube, Instagram o TikTok. Che consiglio hai per le persone che stanno appena entrando nel campo del cinema? È così drasticamente diverso da quello che hai sperimentato per la prima volta.
Quando ho iniziato, volevo entrare nel mondo del cinema. Non c'era internet, non c'era accesso ai materiali che abbiamo ora a disposizione. Penso ancora che la scuola di cinema abbia uno scopo. Se stai entrando nel settore, hai tempo e denaro, e vorresti un'istruzione o una laurea, questo ha uno scopo lungo la strada, che possiamo toccare un po'. Tuttavia, non devi andare alla scuola di cinema per imparare tutto questo. Ma ricorda, non si tratta della scuola, ma dell'istruzione. Quindi, se non vai in una scuola di cinema, devi comunque imparare. E solo perché puoi prendere una videocamera e mettere qualcosa su YouTube non fa di te un eccellente regista, e non lo sarà a meno che tu non sia disposto a fare il lavoro per capire cosa rende un regista davvero bravo e come farlo sviluppi la tua voce come regista. Ciò significa guardare vecchi film, guardare video di YouTube, girare un sacco di cose.
I registi fanno film. La gente dice sempre:"Voglio essere un regista". Io dico "beh, hai fatto qualcosa?" Dicono "beh, non riesco a trovare il tempo" o altro. È come, beh, questo è il tuo problema perché anche se fai un brutto film, stai facendo un film e impari da quello e vai avanti. Quindi fai molti film, fai molte ricerche, non essere resistente ai vecchi film:impari così tanto da loro. Uno dei miei preferiti, Lawrence d'Arabia , ha sempre informato la mia cinematografia quando si applica. Impara dalle altre persone e studia altro materiale.
L'altra cosa che ti dà la scuola di cinema è il networking. Frequentando la scuola di cinema, incontri molte persone che porti avanti nella tua vita, se rimani in contatto con loro. Ne hai bisogno per essere nel settore. Se non vai a scuola di cinema, devi sviluppare una rete altrimenti, e questo non significa solo su Facebook. Vai agli eventi in locale. Ci sono molti eventi gratuiti in qualsiasi città in cui ti trovi; ci sono eventi online a cui puoi andare e imparare molto e incontrare persone:questa è la chiave per creare quella rete. Se non hai quello, dove puoi chiedere aiuto e puoi aiutarli nei progetti, allora stai lavorando in isolamento e questo non farà mai bene alla tua creatività.