Queste quattro semplici regole possono aiutarti a catturare la perfetta sequenza al rallentatore per il tuo prossimo progetto, senza sopraffare la scena.
In questo tutorial, esamineremo alcune semplici regole da seguire durante l'acquisizione e la creazione di sequenze al rallentatore. Il rallentatore è uno strumento potente, ma se non lo gestisci correttamente può rovinare il tuo progetto.
Diamo un'occhiata ad alcune best practice per tenerti aggiornato.
1. Non abusarne
Troppi creatori di contenuti usano questo strumento come stampella cinematografica. Il valore di frame rate più elevati è in qualità, non quantità. Se usi questo effetto per ogni singolo momento in una scena, diventerà noioso. Salvalo per i momenti importanti.
2. Tienilo fermo
Se sei in difficoltà e non hai uno stabilizzatore a portata di mano, scattare da 60 fps a 120 fps è un ottimo modo per rendere fluido uno scatto a mano libera. Ciò ti consentirà di acquisire una copertura più dinamica che puoi stabilizzare in post rallentandola.
3. Movimento ed Emozione
I momenti al rallentatore funzionano meglio quando c'è movimento veloce o emozioni intense. Se qualcuno ride, piange, urla o urla, è probabile che si traduca bene al rallentatore. Lo stesso vale per qualsiasi cosa con molto movimento. In sostanza, qualsiasi dettaglio che si muove troppo velocemente per l'occhio umano (correre, saltare, schiaffeggiare, schizzare) sembra epico al rallentatore.
4. Quando e dove
Il rallentatore dovrebbe sempre migliorare un momento. Se non c'è nulla da guadagnare modificando la frequenza dei fotogrammi, non farlo. Chiaramente, le sequenze al rallentatore sono evidenti, ma non dovrebbero allontanare lo spettatore dalla scena più ampia. Pensa a come, quando e per quanto tempo puoi sostenere una sequenza al rallentatore e usala per migliorare la scena, non per estrarla.
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