Il compito era diviso in due parti:in primo luogo, dovevamo rivedere una scena di uno dei film proiettati in classe e annotare ogni dettaglio possibile. Voglio dire tutto. La seconda parte consisteva nel ricavare un significato da quei minuziosi dettagli che avevamo registrato.
Ho finito per guardare la stessa scena di 2 minuti almeno una dozzina di volte per ottenere il livello di dettaglio richiesto. È stato straziante, soprattutto perché la scena che mi è stata assegnata era quella della famigerata "Nascita di una nazione".
Perché un'analisi ravvicinata?
A quel tempo, l'esercizio sembrava noioso e non necessario:avevo già visto abbastanza film per capire, ad esempio, gli effetti di un'inquadratura dall'alto rispetto a un'angolazione bassa. Ma mentre continuavo la specializzazione in studi cinematografici, ho scoperto che attraverso il processo di un'analisi ravvicinata, di trovare ogni dettaglio in una scena e selezionarlo a parte, avevo iniziato a sviluppare la capacità di scoprire le sfumature di un film in un modo che Non l'avevo mai saputo prima. Mi ha anche aiutato il fatto di poter scegliere una scena più interessante per il prossimo incarico.
Un'analisi ravvicinata ti costringe a una comprensione più profonda della funzione di ogni elemento della scena e attira l'attenzione sui piccoli dettagli che fanno sì che i film trascendano dal bello al grande. Questi sono i dettagli che aggiungono il secondo e il terzo livello di significato che creano una narrazione complessa e avvincente. Un'attenta analisi mette in evidenza i dettagli necessari per costruire una scena davvero perfetta.
Come registi, sebbene non fossimo tutti registi nel dipartimento di studi, il passo successivo sarebbe determinare come questi effetti sono stati effettivamente raggiunti e come potrebbero essere replicati e piegati ai nostri progetti.
Compiti a casa
Per provare questo esercizio a casa, metti in loop il tuo pezzo preferito di maestria cinematografica e fallo eseguire alcune volte. Mentre sta suonando, scrivi tutto ciò che vedi. Inizia con gli aspetti superficiali della scena:cosa sta succedendo nella trama? Cosa dicono o fanno i personaggi? Come sta andando avanti la storia? Segna tutto, incluso il timecode. Questo è il framework di alto livello che ti aiuterà a strutturare il resto della tua analisi.
Quando senti di avere i pezzi principali a posto, inizia ad andare più in profondità. Quando si verificano i tagli e cosa li motiva? Che tipo di musica ed effetti sonori sono inclusi? Vengono da con la storia (diegetico) o da fuori di essa (non diegetico)? Come è vestito il set e quali angolazioni della telecamera vengono utilizzate? Questi elementi e altro sono tutti importanti nella costruzione del significato della scena oltre la trama letterale.
Dopo aver annotato tutto, inizia a filtrare i bit più importanti e prova a determinare come funzionano. Un film potrebbe avere un uso particolarmente interessante del colore o un sound design unico. “Birdman” (Iñárritu, 2014), ad esempio, elimina i tagli visibili per la maggior parte del film. Come mai? In che modo questo stile di montaggio, o la sua mancanza, influenza la tua interpretazione della storia? Che cosa rende impossibile l'offerta long take che il più tradizionale short take rende impossibile?
Come studenti di cinema, ci viene costantemente ricordato di evitare di basare le argomentazioni sull'intenzionalità del regista, ma questo è spesso difficile da evitare. Prova a pensare a come funziona effettivamente il film, ignorando temporaneamente l'esistenza del regista. Non concentrarti su ciò che il film sembra voler ottenere, ma su ciò che sta effettivamente accadendo sullo schermo e su come ti fa sentire e rispondere. In che modo ti induce a guardare una certa area dell'inquadratura o a dirigere la tua interpretazione di una particolare linea di dialogo? Poiché i registi sono notoriamente inaffidabili quando si tratta di giustificare le loro decisioni, questo approccio ti aiuta a concentrarti su ciò che puoi effettivamente conoscere ed esaminare:il film stesso.
Come applicare ciò che hai imparato
Ok, quindi ce l'hai fatta. Potresti non voler mai più guardare quella scena preferita, o potresti aver rinnovato il tuo amore per essa nella complessità che hai trovato. Ad ogni modo, ormai riconosci sicuramente i dettagli che entrano nella narrazione e nella produzione cinematografica. Hai visto come gli elementi interagiscono per produrre l'aspetto generale, la sensazione e il significato di una scena, e ora è il momento di applicare ciò che hai imparato.
Pensa a come puoi replicare le tecniche dalle scene che hai decostruito in progetti tuoi. Puoi usare una ripresa lunga per trasmettere un senso di ambiguità? I tagli rapidi potrebbero aiutare ad aggiungere tensione a un dialogo acceso? Vedere come funzionano questi elementi nei film esistenti può guidarti nel loro utilizzo nei tuoi progetti futuri. Allo stesso modo, se hai voglia di sperimentare, conoscere la lingua a tua disposizione ti aiuterà a riorganizzarla per dire qualcosa di nuovo. È così che il produttore video medio viene elevato allo status di maestro regista.
Nicole si è laureata alla San Francisco State University, dove ha conseguito un Master in Cinema Studies. È Associate Editor di Videomaker.