Come registi, siamo narratori. Attraverso le nostre lenti, sveliamo le cronache dell'esperienza umana. Sia che stiamo portando lo spettatore in un viaggio immaginario in un film narrativo o in un'esperienza di vita reale attraverso un documentario, è nostro compito far provare qualcosa allo spettatore, si spera molte cose. Possediamo molti strumenti di manipolazione per produrre queste emozioni, ma forse i nostri strumenti più grandi sono la luce e il colore.
La cinematografia è spesso descritta come dipingere con la luce. A differenza della scultura, è un processo additivo in cui ogni pennellata rivela qualcosa che prima non c'era. Aggiungiamo luce per modellare fisicamente i soggetti e i loro ambienti. A meno che la tua storia non sia raccontata in bianco e nero, le luci che utilizziamo renderanno i colori che possono essere mescolati per creare un'esperienza visiva emotiva e viscerale più completa. Ogni tipo di luce ha una temperatura di colore diversa e, a seconda di come hai impostato il bilanciamento del bianco della tua fotocamera, la sorgente luminosa rivelerà la sua distorsione cromatica.
Luce e colore
Sia che tu stia utilizzando solo la luce naturale come ha fatto Emmanuel Lubezki per The Revenant o che utilizzi sorgenti di luce artificiale come LED, tungsteno o HMI, ogni sorgente luminosa ha una temperatura di colore diversa che verrà riprodotta in modo diverso quando modifichi il bilanciamento del bianco della tua fotocamera. Ad esempio, la temperatura del colore della luce ambientale all'esterno in una luminosa giornata di sole sarà di circa 6.500 kelvin e se bilanciamo il bianco della fotocamera a 6.500 kelvin, la luce apparirà bianca e i colori sembreranno naturali.
Se stessimo girando all'interno di una casa illuminata da luci al tungsteno da 3.200 kelvin e ci equilibriamo di conseguenza, la luce all'interno apparirà bianca, mentre la luce del giorno che filtra attraverso le finestre apparirà blu. Al contrario, se dovessimo bilanciare il bianco all'interno di quella stanza per la luce che entra dalla finestra, quelle sorgenti luminose al tungsteno apparirebbero arancioni.
Trovare l'equilibrio
In generale, si desidera bilanciare il bianco per le luci primarie che espongono il soggetto. Sebbene ci siano delle eccezioni, la priorità è ottenere il colore della pelle di qualcuno corretto. Se hai una luce mista, il corretto equilibrio può essere complicato. Se, ad esempio, stai scattando in una stanza piena di finestre con la luce del giorno, potresti voler bilanciare il bianco per la luce diurna. Ma cosa succede se hai ancora bisogno di aggiungere un po' di luce sull'argomento e hai solo un kit di tungsteno che, ancora una volta, è valutato a 3.200 kelvin? A volte, puoi rinunciare a queste correzioni e utilizzare luci con temperature di colore diverse in modo creativo.
Il colore dell'emozione
È importante sapere che il colore della luce che scegli di utilizzare avrà un impatto emotivo diretto sullo spettatore. Senza entrare troppo in profondità nella teoria dei colori e nella psicologia, pensiamo alla luce blu come più fresca e triste mentre la luce gialla/arancione tende a implicare calore, vivacità e felicità. Può essere facile confondersi quando si sente luce fredda e luce calda. Se ricordi la tua fisica, la luce più calda tende ad essere blu come la luce del sole in una giornata luminosa, e la luce di una piccola lampadina a incandescenza, che è letteralmente una fonte di luce più fredda, tende ad essere più gialla/arancione anche se blu la luce, anziché l'arancione, è spesso associata a temperature più fresche.
Mescolare varie temperature di colore può essere un ottimo modo per sfruttare questi effetti psicologici e aggiungere complessità ai tuoi scatti. Può anche far risaltare un attore dal suo background o semplicemente aggiungere stile. Sebbene tu voglia comunque illuminare le tonalità della pelle del tuo soggetto principalmente con un solo colore, puoi aggiungere molta dimensione ed emozione ai tuoi scatti mescolando i colori.
Esempi nel cinema
Grandi esempi di questo sono i film d'azione americani in cui le persone sono spesso illuminate in arancione con luci posteriori blu pesanti e luci sul bordo. James Cameron lo ha usato con grande effetto in "Terminator 2" e il suo contemporaneo, Michael Bay, usa questo stile molto anche nei suoi film d'azione.
Tuttavia, non sono solo gli artisti del popcorn come Bay a utilizzare questo stile di illuminazione. Steven Spielberg non può fare a meno di illuminare i suoi soggetti con luci arancioni/gialle e un forte controluce con luce naturale o HMI, che appaiono bluastre. Il regista Jean Pierre Jeunet ha usato ampiamente la luce e il colore in "Amelie" per spunti emotivi sottili, e non così sottili.
Quando inizi a cercarlo, vedrai un'illuminazione mista in molte più scene di quanto potresti aspettarti. È un ottimo modo per dare tono ed emozione. Nelle mie impostazioni per le interviste, ho usato spesso pannelli LED che ho impostato su circa 5.600 kelvin e quindi ho utilizzato lampadine Edison esposte sullo sfondo per una sottile retroilluminazione calda. Cerca i modi in cui il colore viene utilizzato nei tuoi film preferiti per ulteriori idee su come utilizzare la temperatura del colore in modo creativo.
È ora di sperimentare
Quando hai deciso di illuminare la scena, pensa alla storia e alle emozioni ad essa associate. Aggiungendo solo una leggera differenza di colore, puoi fare molto per vendere un'emozione.
Se sei un regista a basso budget, questo è un modo per ottenere molto valore di produzione per non molti soldi. Un viaggio creativo nel tuo negozio di ferramenta locale può produrre risultati davvero fantastici. Diventa creativo e sperimenta. Anche i leggendari DP come Roger Deakins giocano con i set fai-da-te per ottenere l'aspetto specifico che desiderano.