1. La fondazione:la tua immagine
* Punto di partenza ideale: I ritratti girati in un ambiente controllato con una singola sorgente luminosa (idealmente un softbox o un riflettore) posizionati con un angolo di 45 gradi dalla faccia del soggetto. Ciò creerà naturalmente il "triangolo Rembrandt" della luce sul lato ombra del viso. Le immagini scattate al chiuso con luce naturale da una finestra possono anche funzionare.
* Prestare attenzione alla composizione: Concentrati sugli occhi e sull'espressione del soggetto. Lo sfondo dovrebbe essere relativamente scuro e ordinato.
2. Regolazioni Lightroom:la guida passo-passo
* Importa e seleziona l'immagine: Apri la tua immagine nel modulo sviluppato di Lightroom.
* Regolazioni del pannello di base: Qui è dove stabilisci le basi del tuo umore.
* Profilo: Inizia esplorando i profili "calibrazione della fotocamera". "Standard fotocamera" o "ritratto della fotocamera" sono spesso buoni punti di partenza. Sperimenta con gli altri per vedere se ti danno uno sguardo che ti piace. Evitare profili eccessivamente saturi.
* White Balance: Regola questo per garantire un tono della pelle accurati. Usa lo "strumento per occhiali" e fai clic su un'area grigia neutra della pelle del soggetto (fronte, guancia). Attivare la temperatura e le cursori di tinta se necessario. Un tono leggermente più caldo può spesso essere piacevole, ma evita di esagerare.
* Esposizione: Abbassalo leggermente per approfondire le ombre. L'obiettivo è un'immagine generale più scura. Riporterai i momenti salienti più tardi. In genere mirano a tappe da -0,5 a -1,5, ma questo dipende dall'immagine originale.
* Contrasto: Aumenta il contrasto per aggiungere più separazione tra luce e ombra. Un aumento moderato (ad es. Da +20 a +40) è generalmente sufficiente.
* Highlights: Abbassa i punti salienti per recuperare i dettagli nelle aree più luminose del viso e dei vestiti. Punta a una gamma da -50 a -80 o più, a seconda dell'immagine.
* ombre: Solleva leggermente il cursore delle ombre per sollevare le ombre più scure solo un tocco. Ciò impedisce all'immagine di diventare completamente schiacciata e aggiunge alcuni dettagli sottili. Di solito è sufficiente una piccola regolazione (ad es. Da +10 a +30).
* Bianchi: Regola attentamente il cursore dei bianchi. Aumenta leggermente per aggiungere un tocco di luminosità alle aree più luminose ma evitare il ritaglio (sovraesposizione).
* Blacks: Abbassa il cursore dei neri per approfondire le ombre più scure e creare un tono più ricco e più lunatico. Fai attenzione a non perdere troppi dettagli nell'ombra.
* Presenza (chiarezza, trama, dehaze):
* Clarity: Riduci la chiarezza * leggermente * per creare un aspetto più morbido e più pittorico. Evita riduzioni estreme in quanto può sembrare innaturale. Una gamma da -5 a -15 funziona spesso bene.
* Texture: Aumenta la trama * leggermente * per migliorare i dettagli fini. Fai attenzione a non esagerare perché può rendere l'immagine dura. Un intervallo da +5 a +15 è generalmente sufficiente.
* Dehaze: Un piccolo tocco di Dehaze (da +5 a +15) a volte può aggiungere un po 'di profondità e atmosfera, ma fare attenzione in quanto può anche aumentare il contrasto troppo. Sperimentalo.
* Vibrance/saturazione: Abbassa leggermente il cursore di vibrazione per desaturare un po 'i colori. Questo aiuta a creare un'atmosfera più smorzata e classica. Ridurre la saturazione più attentamente, poiché rischi un'immagine insipida.
* Curva di tono: Questo è fondamentale per raggiungere il contrasto e l'umore specifici.
* Curva punti (altamente raccomandata): La curva dei punti ti dà un controllo più fine.
* Crea una "curva a S" per aumentare il contrasto. Ancora un punto nel mezzo della curva. Trascina la parte in alto a destra della curva leggermente verso l'alto per illuminare i luci. Trascina la parte in basso a sinistra della curva leggermente verso il basso verso ombre scure. Una sottile curva a S di solito è la migliore.
* Sperimenta diverse forme di curva per ottenere l'umore desiderato.
* Curva basata sulla regione (se preferisci): È possibile regolare le luci, le luci, le scure e le ombre in modo indipendente. Si applicano gli stessi principi:ombre scure, luci illuminate, ma fallo con il controllo.
* Pannello HSL/colore: La perfezione dei colori è essenziale.
* Hue: Apportare sottili regolazioni alla tonalità delle tonalità della pelle (arancione/giallo).
* Saturazione: Ridurre la saturazione della maggior parte dei colori, in particolare blu e verdure. Mantieni la saturazione dei toni della pelle (arancione/giallo) relativamente intatti, o addirittura leggermente aumentati, per mantenere un aspetto sano.
* Luminance: Regola la luminanza (luminosità) dei colori per controllare la loro visibilità. Spesso, abbassare la luminanza di blu e verdure scurirà ulteriormente lo sfondo. È possibile aumentare leggermente la luminanza dei toni della pelle.
* classificazione del colore (opzionale): Questo può aggiungere un sottile fuso di colori alla tua immagine.
* Sperimenta con l'aggiunta di un tono caldo sottile (giallo/arancione) ai luci e un tono fresco (blu/viola) alle ombre. Questo può creare un aspetto sofisticato e coeso. Utilizzare importi molto sottili; L'uso eccessivo può sembrare innaturale.
* Pannello di dettaglio:
* Affilatura: Affila attentamente l'immagine, in particolare gli occhi. Usa il mascheramento per evitare di affilare troppo lo sfondo o la pelle.
* Pannello di effetti:
* Grain (opzionale): Aggiungi una piccola quantità di grano per simulare la trama del film. Una quantità molto sottile (ad es. 5-15) può aggiungere carattere.
* Vignetting: Aggiungi una sottile vignetta scura per attirare l'occhio dello spettatore sul soggetto. Vai al pannello "Correzioni dell'obiettivo" prima e abilita "Rimuovi l'aberrazione cromatica" e "Abilita correzioni del profilo". Quindi, nel pannello degli effetti, usa il cursore "quantità" per scurire gli angoli. Regola il cursore "Midpoint" per controllare le dimensioni della vignetta.
3. Regolazioni locali (utilizzando la spazzola di regolazione o il filtro radiale):
* Dodge and Burn:
* Utilizzare il pennello di regolazione con un flusso basso e una densità per illuminare selettivamente le luci (Dodge) e le ombre scure (Burn). Concentrati su aree che catturano naturalmente la luce o le aree che necessitano di più definizione.
* Target aree specifiche come gli occhi, gli zigomi e il "triangolo Rembrandt" per migliorare la luce e l'ombra.
* Filtro radiale:
* Utilizzare un filtro radiale per creare un effetto riflesso sul soggetto. Posizionare il filtro sull'argomento e invertire la maschera (selezionare "Inverti"). Scaricare leggermente l'area al di fuori del filtro per isolare ulteriormente il soggetto.
4. Principi chiave da ricordare:
* La sottigliezza è la chiave: Evita regolazioni estreme. I ritratti in stile Rembrandt sono caratterizzati da toni sfumati e dettagli sottili.
* Preservare la consistenza della pelle: Non liscia troppo la pelle. Un po 'di consistenza naturale è importante.
* Concentrati sugli occhi: Gli occhi dovrebbero essere acuti ed espressivi. Assicurati che siano ben illuminati e ben definiti.
* Usa le immagini di riferimento: Guarda i dipinti reali Rembrandt per comprendere l'illuminazione, la tavolozza dei colori e l'umore generale. Questo ti darà un'idea migliore di ciò che stai cercando di ottenere.
* Pratica ed esperimento: Il modo migliore per padroneggiare questo stile è esercitarsi e sperimentare impostazioni diverse. Non aver paura di provare cose nuove e trovare ciò che funziona meglio per te.
Impostazioni di esempio (queste sono punti di partenza e dovranno essere regolati in base all'immagine):
* Esposizione:-0,8
* Contrasto:+30
* Punti salienti:-70
* Ombre:+20
* Bianchi:+10
* Blacks:-30
* Chiarezza:-10
* Texture:+10
* Vibrance:-10
* Saturazione:-5
* Curva del tono:sottile curva a S
* Vignetting:importo:-20, punto medio:50
Seguendo questi passaggi e prestando molta attenzione ai dettagli, puoi creare ritratti belli ed evocativi in stile Rembrandt in Lightroom. Ricorda che le impostazioni specifiche varieranno a seconda dell'immagine originale, quindi sperimenta e divertiti!