i. Preparazione (in-camera e editing in mente):
* Shoot con Rembrandt in mente:
* Fonte a luce singola: Usa una singola, relativamente piccola e direzionale sorgente di luce. Un softbox o un ombrello possono essere utilizzati per ammorbidire leggermente la luce.
* Angolo di luce: Posiziona la tua sorgente luminosa ad un angolo di 45 gradi dalla faccia del soggetto e leggermente al di sopra del livello degli occhi. Questo angolo è cruciale per creare il classico "Triangolo Rembrandt" - una piccola macchia di luce sulla guancia più lontana dalla luce.
* Sfondo: Uno sfondo scuro (nero o grigio molto scuro) migliorerà il contrasto e il dramma.
* Abbigliamento/oggetti di scena: I colori scuri e silenziosi funzionano meglio per l'abbigliamento e gli oggetti di scena per evitare di distrarre dal viso e mantenere l'umore generale.
* Espressione facciale: Un'espressione sottile e contemplativa spesso si adatta allo stile Rembrandt.
* Spara in Raw: Questo ti dà la massima flessibilità nel post-elaborazione.
* Ricorda il triangolo: Il nucleo dell'illuminazione di Rembrandt è quel triangolo distintivo di luce sulla guancia ombra. Regola la posizione della tua luce e la posa del soggetto fino a quando non la raggiungi.
ii. Regolazioni di Lightroom:
1. Importa l'immagine: Apri la tua immagine grezza in Lightroom.
2. Pannello di base: Qui è dove apporterai le modifiche più significative.
* Esposizione: Inizia abbassando l'esposizione per creare un tono generale più scuro. Non aver paura di diventare abbastanza buio.
* Contrasto: Aumenta il contrasto per migliorare la differenza tra punti salienti e ombre, aggiungendo il dramma.
* Highlights: Abbattere i punti salienti per recuperare i dettagli nelle aree più luminose e oscurare ulteriormente l'immagine.
* ombre: Aumenta leggermente le ombre per rivelare alcuni dettagli nelle aree più scure, ma fai attenzione a non esagerare. Vuoi mantenere il malumore.
* Bianchi: Regola il dispositivo di scorrimento dei bianchi per controllare i punti più luminosi dell'immagine.
* Blacks: Abbassa il cursore dei neri per approfondire i toni più scuri e aggiungere ricchezza.
* Clarity: Un leggero aumento della chiarezza può migliorare la consistenza, ma essere cauti:troppo può rendere l'immagine dura.
* Dehaze: Il dehaze molto sottile può aggiungere un po 'di profondità atmosferica, ma ancora una volta, usarlo con parsimonia.
* Vibrance e saturazione: Riduci leggermente la vibrazione e la saturazione. I dipinti di Rembrandt hanno spesso toni di colore silenziati e terrosi. Focus principalmente sui toni della pelle.
3. Curva di tono: È qui che puoi mettere a punto il contrasto e creare un umore specifico.
* Curva punti: Prendi in considerazione l'uso della curva del punto per creare una sottile curva "S" per un maggiore contrasto o una curva leggermente appiattita nelle ombre per creare quel nero profondo e ricco.
* Curve del canale (opzionale): Utilizzare le curve di canale rosso, verde e blu per regolare sottilmente l'equilibrio del colore e creare un umore specifico. Ad esempio, l'aggiunta di un tocco di calore (riducendo il blu) nei punti salienti può aggiungere una sensazione vintage.
4. Pannello HSL/colore:
* Hue: Fai sottili regolazioni alla tonalità di diversi colori per perfezionare le tonalità della pelle e la tavolozza complessiva dei colori. Potresti spingere i rossi leggermente verso l'arancione per un tono della pelle più caldo.
* Saturazione: Riduci la saturazione della maggior parte dei colori tranne forse un tocco di calore nelle tonalità della pelle. Mantieni tutto il resto silenzioso.
* Luminance: Regola la luminanza di diversi colori per controllare la loro luminosità. Ad esempio, potresti oscurare leggermente i gialli e le arance da aggiungere all'umore cupo.
5. Pannello di dettaglio:
* Affilatura: Applicare una moderata quantità di affilatura, specialmente sugli occhi, per attirare l'attenzione dello spettatore. Fai attenzione a non essere troppo acustico, poiché questo può creare rumore indesiderato.
* Riduzione del rumore: Se necessario, applicare un po 'di riduzione del rumore per ripulire il rumore digitale, specialmente nell'ombra.
6. Correzioni dell'obiettivo:
* Abilita correzioni del profilo: Controllare le caselle "Rimuovi l'aberrazione cromatica" e "Abilita correzioni del profilo" per correggere per le distorsioni e le aberrazioni delle lenti.
7. Pannello di effetti:
* Grain: Una sottile quantità di grano può aggiungere una trama simile a un film e una sensazione vintage all'immagine. Utilizzare con cautela e solo se si adatta all'immagine specifica.
* Vignetting: Aggiungi una leggera vignettatura negativa per scurire i bordi dell'immagine e attirare ulteriormente l'attenzione sul soggetto. Usa lo stile "Evidenzia priorità".
8. Pannello di calibrazione (sottile ma di impatto):
* Sperimenta con i cursori primari rossi, verdi e blu. Le regolazioni sottili qui possono avere un impatto significativo sul cast e l'umore complessivi. Ad esempio, spostare leggermente la primaria rossa verso l'arancione può aggiungere calore ai toni della pelle.
9. Regolazioni locali (perfezionamenti):
* Rilevazione: Utilizzare il pennello di regolazione per illuminare o oscurare selettivamente le aree specifiche dell'immagine. Ad esempio, potresti illuminare leggermente gli occhi per farli scoppiare o oscurare ulteriormente lo sfondo.
* Filtro radiale: Usa il filtro radiale per creare un sottile effetto di vignetta attorno al soggetto, attirando l'attenzione sul viso.
* Filtro graduato: Usa il filtro graduato per scurire la parte superiore o inferiore dell'immagine, creando un effetto più drammatico.
iii. Considerazioni e suggerimenti chiave:
* La sottigliezza è la chiave: Evita di esagerare con qualsiasi singolo aggiustamento. L'obiettivo è creare un'immagine dall'aspetto naturale, ma drammatico.
* Tone della pelle: Presta molta attenzione ai toni della pelle. Punta a un aspetto realistico e piacevole, ma non aver paura di aggiungere un tocco di calore.
* Occhi: Gli occhi sono la finestra dell'anima. Assicurati che siano acuti e ben illuminati (ma non sovraesposti). Utilizzare le regolazioni locali per migliorarli se necessario.
* Esperimento: Non aver paura di sperimentare diverse impostazioni e tecniche per trovare ciò che funziona meglio per la tua immagine.
* Riferimento: Guarda l'ispirazione reali dipinti di Rembrandt. Presta attenzione al modo in cui usa la luce e l'ombra e le tavolozze dei colori che impiega.
* Pratica: Più ti pratichi, meglio diventerai nel creare questi tipi di ritratti.
* Monitora la calibrazione: Assicurarsi che il monitor sia correttamente calibrato per una rappresentazione del colore accurata.
Valori di regolazione di esempio (punto di partenza - Regola sull'immagine):
* ESPOSIZIONE:da -0,5 a -1,5
* Contrasto:da +20 a +40
* Punti salienti:da -50 a -80
* Ombre:da +20 a +40
* Bianchi:da -10 a -30
* Neri:da -20 a -50
* Chiarezza:da +5 a +15
* Vibrance:da -5 a -15
* Saturazione:da -5 a -15
* Grano:5-15 (importo), 20-40 (dimensione), 20-40 (rugosità)
* Vignetting:da -10 a -30 (importo), punto medio per il gusto
In sintesi:
La creazione di un ritratto in stile Rembrandt in Lightroom richiede una combinazione di abilità tecniche e visione artistica. Comprendendo i principi dell'illuminazione e della classificazione dei colori di Rembrandt e regolando attentamente le impostazioni in Lightroom, è possibile creare ritratti mozzafiato ed evocativi che catturano il dramma e la bellezza del lavoro del maestro olandese. Ricorda di iniziare con una fotografia ben illuminata e composta.