Fai attenzione! Stiamo per ingannarti. Faremo un gioco che solo i videografi possono capire. Ti chiederemo di indossare il berretto da regista e poi vedremo chi è all'altezza della sfida. Pronto? Ecco la scena che tu come direttore della fotografia dovrai mettere in scena:una donna in abito estivo e occhiali da sole scuri sta per andare al casinò, quindi quando inizia a marciare lungo il corridoio con i suoi tacchi alti, ha raccolto il suo portafoglio pieno di contanti, ricordatasi di prendere le chiavi dal tavolo, sale in macchina e, come l'assassino che è, procederà a guidare in modo aggressivo la sua decappottabile rosso ciliegia ad alte prestazioni oltre la telecamera da sinistra a destra, accelerando fino alla distanza del proprietà.
Va bene, esaminiamo. Quanti di voi hanno notato il problema con questa scena alla prima lettura? No, non è che un assassino indosserebbe solo scarpe basse, è che abbiamo cambiato tempo in quella frase non meno di tre volte. Hai capito? Se è così, congratulazioni. Abbiamo bisogno di più persone come te nel dipartimento di continuità. D'altra parte, se te lo sei perso, probabilmente ti stavi concentrando sul compito visivo a portata di mano, e non sulla semplice grammatica, quindi anche per te.
Scenari come questo vengono spesso rappresentati durante "Brain Games", il programma televisivo di successo nominato agli Emmy del National Geographic Channel, attualmente alla sua quinta stagione. Jason Silva ospita questo affascinante sguardo non solo su come funzionano le cose, ma su come la verità a volte differisce dalla nostra percezione. "Esploriamo la percezione e l'errata percezione e tutti i modi in cui le nostre esperienze passate informano la nostra realtà quotidiana."
È stato mentre guardavo lo spettacolo con la mia famiglia una sera che mi è venuto in mente; gran parte di ciò che facciamo nel montaggio, e in effetti ciò che tutti facciamo nei film e in televisione dipende dai concetti che trasmettono nello spettacolo. Sicuramente c'è un'arte nella nostra professione. In superficie, prendiamo una storia, pianifichiamo le riprese, scegliamo le angolazioni, modifichiamo le cose; tutti questi elementi e altro ancora sono implementati nella creazione di quella che si spera venga accolta come un'opera d'arte. Ma c'è una scienza dietro la nostra arte di cui volevo saperne di più. Questo mi ha portato nella tana del coniglio della natura umana, della filosofia e della meraviglia. Come avrei scoperto, Silva era la guida perfetta per questo viaggio.
Non "Come?", ma "Perché?"
Come creatori cinematografici, conosciamo la retorica pubblicata in libri, riviste di settore e scuole di cinema:tagliare sul movimento, tagliare sui dialoghi, tagliare per la continuità, abbinare i colori, compensare l'audio dal video, dissolvere ammorbidendo un taglio. I bravi creatori sanno usare questi concetti per creare una nuova realtà in cui si colloca la nostra storia. Ma “come” implementiamo questi concetti non è sempre sufficiente. A volte alcuni o tutti questi non funzionano, a volte sono in realtà inappropriati o semplicemente non si applicano. Perché?
Se riusciamo a portare un po' Yoda qui per un minuto, c'è una convinzione di lunga data tra filosofi, scienziati e meccanici allo stesso modo (una strana combinazione che conosco), che per perfezionare veramente un'abilità non è sufficiente semplicemente sapere come funzionano le cose . Si crede che i veri maestri debbano anche possedere la conoscenza del perché le cose funzionano. Sicuramente se capissimo perché funzionano, allora avremmo una maggiore comprensione di quando usarli e quando no. Che cos'è la percezione, la luce, l'emozione del movimento, la natura umana che fa funzionare o meno queste modifiche? Questa comprensione più profonda non ti renderebbe un videografo migliore? Questo è ciò su cui ci concentreremo oggi.
Torniamo al nostro gioco di inizio. Perché pensi che quel gioco abbia funzionato? In questo caso, si tratta un po' di gioco di prestigio, un po' di distrazione e un po' di comprensione della nostra professione. Abbiamo strutturato il paragrafo per farti concentrare sugli aspetti direttivi del contenuto, non sulla corretta struttura del paragrafo. Pensalo come quel vecchio indovinello in cui ti danno una lunga lista di persone che salgono e scendono dall'autobus e poi invece di una domanda di matematica ti chiedono chi è l'autista dell'autobus. Infine, stiamo giocando sulle tue esperienze. Se sei stato in una produzione come questa, non è raro descrivere l'azione in una sorta di abbreviazione, ignorando le formalità di etichetta come il tempo e la grammatica.
Silva ha una laurea in filosofia ed è un oratore pubblico e regista a pieno titolo. Nelle sue parole, "La realtà è accoppiata alla percezione e la percezione può essere "mediata" dalla cultura, dal linguaggio, dall'elettronica, dalla musica, ecc. Alla fine, la nostra soggettività è "collaborativa", una collaborazione tra soggetto e oggetto".
Ok, molti di voi probabilmente sono persi. Niente di tutto questo riguarda l'arte della cinematografia, giusto? Eppure lo fa. “Scienza e arte sono due facce della stessa medaglia…” consiglia Silva, “…[sono] due “linguaggi” per aiutarci a comprendere la realtà. Entrambi sono ugualmente importanti”. Con questo in mente, prendiamo un approccio più semplice e mirato alla scienza dietro la nostra arte.
Capiamo tutti che ci sono queste immagini che appaiono su uno schermo che le persone (e talvolta il mio gatto) guardano e si divertono. Sappiamo tutti che puoi togliere i pezzi irrilevanti dal filmato della telecamera e abbreviarlo in una storia condensata. Molti di noi hanno fatto un ulteriore passo avanti e sono arrivati a capire che è possibile modificare tali modifiche e scatti in modo che si uniscano perfettamente in un nuovo lavoro che non solo può intrattenere, ma anche influenzare le emozioni, l'opinione e persino il comportamento. Diversi stili di ripresa e montaggio possono essere utilizzati per raggiungere proprio questo scopo.
Concentriamoci un po' su una modifica. A volte funzionano e siamo ulteriormente trascinati nella scena. A volte falliscono e ci rimuovono dal contenuto. Edward Dmytryk ha affermato nel suo libro "On Film Editing" che ogni taglio dovrebbe essere fatto in un punto preciso e perfetto. Questo non vuol dire che i tuoi contenuti ti forniranno immediatamente il punto di montaggio perfetto, solo che per contenuto, continuità ed emozione c'è sempre un punto di montaggio ideale in cui tutte e tre le considerazioni sono perfettamente bilanciate per muovere la storia e il pubblico mentre desiderio.
Capire il tempo e il ritmo
Come spettatori, c'è una comprensione essenziale quando guardiamo un film o un video. Considerala la funzione più fondamentale della "sospensione dell'incredulità". Ogni spettatore concede e anzi si aspetta che il tempo venga condensato e che la noia quotidiana che ci porta da un punto della trama all'altro venga [si spera] rimossa. Stiamo guardando una storia, non l'intera vita di una persona mentre accade. Questa è la nozione "arriva tardi, esci presto" della scenografia portata all'estremo. Il pubblico non vuole vedere il banale o l'irrilevante, quindi lo rimuoviamo per loro, lasciando solo la storia che ci interessa. Un metodo comune per un editing efficace è tagliare l'azione. Ciò significa che modifichi il tuo colpo attuale mentre c'è movimento e lo abbini al movimento del colpo in arrivo, in sostanza continuando l'azione. Questa è una modifica di base, ma può essere molto più sfumata di così.
"Certamente ci sono approfondimenti su come percepiamo il mondo che potrebbero essere utili durante il montaggio", afferma Silva. “‘Brain Games’ è tutto incentrato sul montaggio. I giochi o funzionano o non funzionano e collaboriamo con esperti di cervelli, autori televisivi ed eccellenti editori per assicurarci che tutto funzioni insieme".
Ecco un esempio. Una persona avvia un'auto e si allontana dal marciapiede. Quindi tagli su un'inquadratura simile di quella persona che cammina su un sentiero ed entra in un edificio. Come spettatore, riconosciamo immediatamente che la persona aveva bisogno di essere da qualche parte, che aveva bisogno di un'auto e che ora è appena arrivata a destinazione. Ma cos'è che ci ha portato a questa conclusione? Al centro della questione c'è il bisogno del nostro cervello di dare un senso a ciò che vediamo nel mondo che ci circonda. Abbiamo bisogno che il mondo dia una sorta di senso logico e una progressione del movimento è vitale nella nostra ricerca per comprendere il nostro posto nell'universo. Così il nostro cervello riempie gli spazi vuoti. Prendi prima l'idea che l'auto si stia muovendo nella stessa direzione in cui stanno camminando. Il tuo occhio seguirà l'auto e percepirà che la transizione è regolare e il movimento è ininterrotto. Il nostro cervello può quindi stabilire la connessione che il viaggio è stato diretto, che stiamo effettivamente continuando lo stesso viaggio o attraverso la linea. Una cosa tira l'altra.
Cosa accadrebbe se invece avessimo l'auto che si sposta da sinistra a destra e tagliasse la persona che cammina da destra a sinistra? In questo caso il cervello percepirebbe una discontinuità. Sa che non puoi arrivare a destra viaggiando a sinistra, quindi viene inviato quello che potrebbe essere definito un messaggio di "errore". Qualcosa non va e torna istintivamente a ciò che sappiamo del nostro mondo. Il cervello ci dice che abbiamo perso qualcosa. Ad un certo punto che non abbiamo visto, il viaggiatore ha cambiato direzione. La nostra comprensione riempie le lacune, percependo che l'unico modo in cui ciò sarebbe potuto accadere è se è passato più tempo mentre "sbattevamo le palpebre" di quanto pensassimo. Ora abbiamo utilizzato la nozione di taglio in movimento per trasmettere un passare del tempo più lungo. Forse la persona si è anche fermata da qualche parte sulla strada per la sua destinazione.
Quali altre cose possiamo trasmettere oltre al tempo? Cosa accadrebbe se invece di cambiare direzione, modificassimo la velocità di una o entrambe le azioni? La capacità umana di leggere il linguaggio del corpo entra in gioco qui. Se l'auto si allontana in fretta, il pubblico concluderebbe che il soggetto ha fretta, è ansioso o arrabbiato. Stanno correndo per andare da qualche parte, o scappare da qualche parte. Una persona di fretta non andrà piano se la sua adrenalina è alta. Allo stesso modo, se contrastiamo questo rapido movimento dell'auto con una lenta camminata verso l'edificio, descriviamo che la persona ha avuto il tempo di calmarsi, che non è più arrabbiata, ansiosa o tesa. Hanno di nuovo il controllo. È passato molto tempo in cui hanno cambiato umore.
È possibile che potremmo spingerci oltre e trasmettere un periodo di tempo ancora più o meno lungo? Ora cambiamo la posizione della modifica tra le due inquadrature. Questa volta l'auto inizia ad allontanarsi, ma la teniamo più a lungo, guardandola allontanarsi. A questo punto potremmo essere convinti che stiano abbandonando una situazione piuttosto che spostarsi semplicemente da un luogo all'altro. Se dovessimo inseguire questa persona e loro salissero in macchina e se ne andassero, li osserveremmo davvero andare via, come una preda che è scappata. Il predatore starebbe simultaneamente contemplando se valesse la pena continuare a inseguirlo, calcolando dove potrebbe andare il suo bersaglio e desiderando che il suo soggetto non se ne fosse andato. C'è un momento di contemplazione lì. È questo momento che diamo al pubblico quando estendiamo l'immaginario in uscita. Quella lunga contemplazione trasmetterà anche un passaggio di tempo ancora più lungo tra essa e la scena successiva. Quando il nostro soggetto si sposta in lontananza, rallenta rispetto alla nostra posizione e prospettiva, quindi potrebbe anche passare il tempo.
Allo stesso modo, una camminata più lunga sulla ripresa in arrivo darebbe al pubblico più pausa per pensare a cosa accadrà dopo. Il nostro soggetto sta pensando a cosa è successo in macchina e cosa accadrà quando entrano nell'edificio mentre si avvicinano. Potrebbero esserci sensazioni di conseguenze più durature o un più profondo senso di pianificazione? Considera cosa potresti pensare se avessi accorciato il disco, ma avessi una lunga camminata? Forse un profondo senso di determinazione? Che ne dici di un lungo viaggio in macchina, ma di una passeggiata lenta e breve? È la percezione e l'empatia che possiamo ringraziare per aver creato una situazione così complessa intorno a un singolo momento.
Discontinuità personale
Abbiamo parlato molto di ciò che possiamo far pensare e vedere lo spettatore, ma che ne dici di fargli perdere le cose? Spesso questo è altrettanto, se non più importante di quello che vedono. È importante ricordare che nel 99% di tutte le situazioni di editing, il contenuto è più importante della continuità. Se devi scegliere tra sminuire il contenuto e avere un'auto sullo sfondo del tuo scatto che cambia colore, il contenuto dovrebbe vincere ogni volta. Se il tuo materiale è abbastanza coinvolgente, gli spettatori non dovrebbero guardare lo sfondo per cominciare. Non ci dovrebbe mai essere un caso, tuttavia, in cui il cambiamento è così brusco da sopraffare il contenuto. È qui che entra di nuovo in gioco la nostra manipolazione psicologica.
Come base per portare a casa la pancetta, il mondo dell'informazione medica è il luogo in cui ho trascorso la maggior parte del mio tempo a modificare per gran parte dell'ultimo decennio. Questo campo è un perfetto esempio di dove il contenuto deve avere la precedenza sulla continuità. Registriamo discussioni dal vivo tra esperti. Le informazioni scientifiche devono essere chiare e concise. Spesso una balbuzie o un'affermazione errata deve essere tagliata anche se significa che il braccio di qualcuno salta la posizione da un'inquadratura all'altra, ma saresti sorpreso di quanto sia raro che qualcuno che non sia un editore se ne accorga. La ragione di ciò è che siamo diventati abbastanza capaci di nascondere questo tipo di modifiche. Ancora una volta, tuttavia, voglio parlare del perché funziona.
Torneremo di nuovo al concetto di distrazione. Innanzitutto gli spettatori hanno un interesse acquisito nel prestare molta attenzione al contenuto. Se stanno ascoltando attentamente e pensando a ciò che viene detto, è meno probabile che prestino un'attenzione eccessiva alle immagini. Contrariamente a quanto molti credono, gli esseri umani non sono veri multitasking. Questo concetto è un esempio dei tipi di argomenti esplorati in "Brain Games" (stagione uno, episodio due). Alcune persone sono brave a passare avanti e indietro tra le attività piuttosto rapidamente, ma non è lo stesso di come il tuo computer moderno può eseguire due o più programmi in parallelo. Ciò significa che se lo spettatore è concentrato su un aspetto del programma, probabilmente altri aspetti gli sfuggiranno.
Il trucco quindi è convincere gli spettatori a concentrarsi sull'aspetto giusto al momento giusto. Ma cosa possiamo fare se il nostro soggetto non è così importante che il dialogo richiede la piena intenzione dello spettatore? Possiamo usare altre distrazioni. Pozze di luce e oscurità funzionano alla grande, poiché il nostro occhio è sempre attratto dalla luce. È possibile utilizzare flash o luci speculari per attirare l'attenzione su un punto particolare dello schermo. Colori vivaci come il rosso o l'arancione possono attirare lo stesso lo sguardo e far risaltare le sezioni dal resto, un metodo comune utilizzato nei dipinti. Questo può essere visto spesso in scene di feste o matrimoni, in cui il personaggio principale è in un vestito rosso e tutti gli altri sono in blu, verde, grigio e nero. Questo semplice trucco è responsabile del motivo per cui noi come pubblico non notiamo mai la discontinuità sullo sfondo di nessuna scena di festa, e ti sfiderei a trovare qualsiasi scena di festa di grandi dimensioni in cui non ci siano problemi di continuità. Il cervello scambia precisione per velocità ("Brain Games", terza stagione, episodio sei), raccogliendo quante più informazioni possibili ma elaborando solo ciò che è importante. Naturalmente, possiamo puntare ancora una volta al movimento e usarlo per metterli a fuoco dove vogliamo.
Il cinema è un'arma a tre tagli.
In effetti, diventa chiaro che tutti questi metodi che impieghiamo durante la produzione e la post-produzione per influenzare i nostri spettatori hanno una base nella natura umana e una spiegazione nella scienza, ma ci vuole il lato artistico per implementare questi metodi in modo efficace. Silva, che è appassionato di raccontare storie e creare momenti di stupore nei nostri spettatori, concorda sul fatto che l'aspetto artistico non può essere trascurato o addirittura messo in ombra. "Ci sono sicuramente tecniche brillanti per l'editing, ma alla fine c'è un ritmo, un dono, che non può essere appreso:è quel flusso a cui attingi." Indica Leonardo Dalessandri, regista dietro "La Torre di Guardia della Turchia" per l'influenza in questo campo, e lo considera il "Mozart del montaggio". Alla fine, arte, scienza e natura sono tutte facce della stessa medaglia. Il nostro lavoro rappresenta questo:la tua visione, la loro percezione e la verità dello schermo.
A questo punto del mio viaggio di comprensione, mi trovo di fronte a un enigma, alquanto tangenziale, ma rilevante per l'esplorazione del perché le tecniche cinematografiche funzionano. Se all'interno delle nostre opere possiamo plasmare la realtà, e la realtà è soggettiva, che ne è allora dell'esperienza condivisa? Certamente questo è uno degli obiettivi primari a cui ci sforziamo quando ci rivolgiamo al pubblico in generale con le nostre costruzioni cinematografiche. La realtà è diversa quindi per ogni spettatore? Certamente questo potrebbe spiegare perché potresti avere un centinaio di persone che escono da un cinema e molte ti racconteranno dettagli e punti della trama che sono meno che identici agli altri. Ancora una volta Silva ha un'intuizione meravigliosa. “Come ha scritto David Lenson, troviamo che la realtà è un giardino di sentieri che si biforcano di esperienze possibili:persona, moltiplicata per luogo, moltiplicata per tempo. Non esiste "una" realtà. Joseph Campbell ci ha persino detto che non puoi usare la parola "realtà" senza virgolette". Come regista, è rassicurante in un modo che possiamo connetterci con molti, ma a livello personale per ogni individuo. In molti modi, è ciò che noi artisti alla fine speriamo di ottenere, un'opera che parli a tutti, ma significhi qualcosa di leggermente diverso per tutti.
Alla fine della giornata torneremo tutti alle sceneggiature, alle telecamere e alle linee temporali del montaggio e continueremo il nostro lavoro come facciamo di solito, istintivamente, come ci è stato insegnato, come abbiamo imparato. Dubito che mai - anzi spero di no - guarderò un taglio e dirò:"Dovrei modificare in questo modo perché la scienza me lo dice". Eppure io, per esempio, ho scoperto di aver acquisito una nuova visione del mio lavoro che forse non avevo prima. Attraverso l'esplorazione della scienza, ho trovato una nuova comprensione non solo nella meccanica e nella fisica del nostro lavoro, ma nell'arte del nostro lavoro. Comprendere la scienza alla base dei nostri metodi non ci renderà brillanti dove non eravamo prima, non farà "clic" improvvisamente le cose, ma potrebbe farci trovare lo scatto giusto più velocemente o il punto di montaggio perfetto prima. Forse renderà le nostre storie più coinvolgenti, i nostri messaggi più significativi e ci aiuterà a connetterci meglio con il nostro pubblico.
La quinta stagione di "Brain Games" debutterà domenica 14 febbraio alle 21:00 ora orientale e si ripeterà in vari momenti della settimana.
Barra laterale:altro da Jason Silva
Silva afferma che il National Geographic lo ha portato a bordo dopo aver visto la sua serie di video virali "Shots of Awe", che può essere trovata su youtube.com. “'Shots of Awe' è un progetto di passione:una serie di micro documentari destinati ad alterare la coscienza dello spettatore e aiutarlo a vedere il mondo in un modo nuovo. Esploriamo la tecnologia, l'innovazione e la creatività". I video sono stati visti collettivamente più di 20 milioni di volte. Silva ci dice che influencer come Ron Howard e Richard Branson hanno condiviso la serie con altri. "Sono appassionato del tema dello "sbalordimento":in che modo il cinema, in che modo i media catalizzano la AWE:come possiamo raccontare storie, modificare storie, essere esperienze catartiche per gli spettatori? "Shots of Awe" è tutto incentrato su questo. Dai un'occhiata su https://www.youtube.com/user/ShotsOfAwe
Peter Zunitch è un pluripremiato editore di New York