Come girare scene di dialogo

Quando realizzi un film narrativo, girerai una discreta quantità di scene di dialogo. Il dialogo è il modo in cui gli spettatori ottengono informazioni sui tuoi personaggi mentre fanno avanzare la trama. Non riuscire a filmare correttamente queste scene avrà un impatto negativo sul tuo film e sul modo in cui le persone lo guardano, quindi discuteremo alcune delle cose importanti che devi tenere a mente mentre sei sul set per questi momenti specifici.

Le riprese di scene ad alta intensità di dialoghi non sono dissimili da qualsiasi altra scena che girerai sul set. La loro registrazione riguarda più il modo in cui vuoi trasmettere una conversazione piuttosto che semplicemente ottenere filmati nella lattina. Tutto, dal modo in cui dirigi i tuoi attori all'inquadratura dell'inquadratura, dovrebbe funzionare verso questo obiettivo. Ciò significa che hai bisogno di una visione chiara nella tua testa prima che le telecamere inizino a girare e del know-how tecnico per farlo.

Parlare attraverso le azioni

Quando si registrano scene senza dialoghi, dirigere gli attori consiste nel dire loro di andare dal punto A al punto B. Quando si inserisce il dialogo nel mix, un controllo più stretto sul blocco (un vecchio termine teatrale che si riferisce a dove si trovano gli attori e cosa sono ' rifare) è necessario.

Questo non è un lavoro impegnativo per rendere la scena interessante durante i periodi di parola, le azioni di blocco che dai agli attori dovrebbero servire allo scopo generale della scena e a ciò che speri di trasmettere. Se le azioni eseguite non corrispondono al loro dialogo, c'è una disconnessione per il tuo pubblico. Invece di coinvolgere gli spettatori, verranno respinti, cercando di capire cosa non va.

Il modo in cui filmi una scena di dialogo può avere un impatto drammatico sul tono della scena, su come vengono percepiti i personaggi e su ciò che prova il pubblico.

Supponiamo che stai girando una scena in cui un gruppo di persone si incontra segretamente per cospirare contro qualcuno. In una scena come questa, incoraggia gli attori a sedersi uno vicino all'altro, stipandoli nell'inquadratura per dare la sensazione di essere tutti insieme. Vengono osservati, devono incontrarsi in segreto e sicuramente non si sentono a proprio agio. Sedendosi così vicino, il pubblico percepirà il disagio e l'intimità dell'incontro.

Avere gli attori che controllano le loro spalle e si siedono piegati per ascoltare meglio sono ottimi modi per farli sembrare nervosi e dare alla scena un senso di urgenza. Questo tipo di blocco dà il tono a una scena, che a sua volta migliora il dialogo al suo interno. Se facessi la stessa scena di dialogo con i personaggi principali sparsi in una grande stanza e sdraiati sui loro posti, questo creerebbe una sensazione drasticamente diversa dal nostro esempio precedente.

Un divario ironico tra il dialogo e il blocco degli attori non è sempre una brutta cosa, e ci sono momenti in cui funziona per la storia che stai raccontando. Tuttavia, è una decisione che devi prendere in anticipo e dirigere consapevolmente i tuoi attori a recitare. Non dovrebbe essere un caso da affrontare in post-produzione.

Lavora i tuoi angoli...

Le angolazioni da cui scegli di riprendere i tuoi dialoghi possono avere tanto impatto sul tono della scena quanto il blocco. Se stai girando una scena che dovrebbe essere frenetica con un senso di urgenza, l'uso di riprese lunghe e ampie non funzionerà. D'altra parte, se vuoi un tono più rilassato della scena, una serie di primi piani estremi non è la strada da percorrere.

Più che impostare il tono, il modo in cui inquadri gli attori influisce sul modo in cui il pubblico percepisce un personaggio. Nella scena della cospirazione potresti stipare la maggior parte degli attori in inquadrature ravvicinate, ma avere una ripresa di una persona da sola con molto spazio. Questo dà l'impressione che sia un solitario, a parte in qualche modo dal gruppo. Evidenziarlo fa capire al pubblico che questa persona è importante e dovrebbe essere guardata.

Supponiamo che ci sia un personaggio nel gruppo della cospirazione che non è molto intelligente. Inclinare la telecamera verso il basso su questo personaggio fa sentire al pubblico di guardarlo dall'alto in basso. Al contrario, usare un angolo verso l'alto su un personaggio lo fa sembrare più grande della vita; un'indicazione che questa persona potrebbe essere il leader del gruppo.

Semplici trucchi con la fotocamera possono produrre risultati enormi in termini di come il pubblico percepisce le tue scene di dialogo. Puoi creare qualcosa di intimo, imbarazzante, mostrare chi comanda e prefigurare eventi imminenti, il tutto lavorando in modo creativo sui tuoi punti di vista.

... Ma ricorda le regole

Usare inquadrature dinamiche per migliorare i tuoi dialoghi è fantastico, ma gli aspetti tecnici delle riprese non possono essere ignorati. Ci sono alcune "regole" da tenere a mente durante la registrazione di scene di conversazione, le stesse che seguiresti durante le riprese del resto del film.

Anche in una scena più intima, è fondamentale fare una sorta di grandangolo per mostrare tutti gli oratori nella scena. Ciò riduce la confusione, consentendo al pubblico di sapere dove si trovano gli altoparlanti quando si salta tra le inquadrature più ravvicinate.

Una volta che ti sei assicurato di aver creato una visione chiara della scena, puoi iniziare a lavorare sugli angoli che desideri per creare il tono della scena per andare con il dialogo. Pianificare le riprese in questo modo assicurerà che il tuo film sia tecnicamente valido, dandoti comunque spazio per sperimentare. Altre regole da tenere a mente durante le riprese dei dialoghi includono:

• Copertura delle riprese! Hai bisogno di più angolazioni e tagli per arricchire la scena in modo appropriato in fase di post-produzione.
• Assicurati che i microfoni rimangano fuori dall'inquadratura. Sembra ovvio, ma nell'eccitazione di stabilire inquadrature/angolazioni fantastiche, questo può essere dimenticato.
• Includi il tecnico audio nei tuoi piani per una ripresa. Devono conoscere il layout in modo da poter preparare la loro attrezzatura.
• Mantieni la regola dei 30 gradi. Diverse angolazioni dello stesso soggetto devono variare di almeno 30 gradi o ti ritroverai con un temuto salto mortale. Allo stesso modo, seguire la regola dei 180 gradi e tenere la fotocamera su un lato dell'azione evita che i soggetti sembrino cambiare posizione all'improvviso
• Rimani coerente con i tuoi obiettivi per scatti simili. Usare una varietà di obiettivi della fotocamera è utile quanto cambiare angolazione, ma se non sei coerente con scatti simili (ad esempio usando due obiettivi diversi per i primi piani), è scoraggiante per il pubblico.

Mantieni la messa a fuoco con profondità di campo e scatti da sopra la spalla

Un'inquadratura comune per le scene di dialogo sono gli angoli sopra le spalle, che possono essere utili per mostrare le interazioni tra i personaggi. La triste realtà, tuttavia, è che molti giovani registi li girano tutti male.

La persona che parla è al centro dell'attenzione, quindi assicurati che l'inquadratura sopra le spalle lo rifletta. Due terzi della cornice dovrebbero essere dedicati esclusivamente all'oratore, con il restante terzo sul personaggio la cui schiena è alla cornice. Metà e metà non funzionano, poiché fa rimbalzare gli occhi degli spettatori tra i due senza alcuna chiara distinzione su chi è l'obiettivo. Inoltre, non vuoi coprire l'oratore con le spalle di qualcuno.

Quando si capovolge la telecamera dall'altro lato dell'inquadratura, è necessario mantenere gli attori sugli stessi lati dell'inquadratura, seguendo la regola dei 180 gradi sopra menzionata. Se un attore è a sinistra in un'inquadratura, deve essere sul lato sinistro nell'altra inquadratura. La differenza è se lo vedi davanti o dietro. Ciò evita confusione e interruzioni dell'asse. Assicurati di riprendere l'intero scambio di dialoghi tra gli attori da entrambe le angolazioni, oltre che in due riprese più ampie. In questo modo avrai un maggiore controllo sulla scena durante l'editing.

Tenere a mente la profondità di campo può anche portare il focus del dialogo dove lo desideri. La profondità di campo ridotta in uno scatto da sopra la spalla mantiene la messa a fuoco esattamente sull'altoparlante. D'altra parte, ci sono momenti in cui è più importante enfatizzare la reazione di una persona al dialogo. In quei momenti, la profondità di campo può tornare utile quando inizi concentrandoti sull'oratore e spostando l'attenzione sull'ascoltatore.

Mantieni il messaggio chiaro

Il punto di dialogo in ogni film è quello di dare agli spettatori una visione dei personaggi e portare avanti la trama. Se riesci a farlo senza un grosso palo del boom che penzola nel tuo tiro, sei sulla strada giusta. I suggerimenti che abbiamo fornito qui sono progettati per aiutarti a portare quelle scene al livello successivo e coinvolgere il tuo pubblico, ma non seguirli a scapito della chiarezza del tuo messaggio. Tenere a mente queste cose si tradurrà in una scena migliore e in un film complessivamente migliore.

Barra laterale

Utilizzo delle sezioni in modo dinamico

Come nel caso di qualsiasi scena, sono necessarie riprese in sezione dell'azione principale. Per i dialoghi, le cutaway comuni sono inquadrature di attori che reagiscono alla conversazione, ma queste non sono le uniche opzioni a tua disposizione, né dovrebbero essere tutto ciò che usi.

Tagliare un primo piano di un oggetto di scena evidenzierà un oggetto a cui fanno riferimento i personaggi, oppure possono essere usati per mostrare al pubblico qualcosa che i personaggi potrebbero non sapere. In una scena in cui un personaggio assicura a un altro di aver gettato via un oggetto, potresti ritagliare un'inquadratura dell'oggetto che ha in tasca, consentendo così al pubblico di conoscere il segreto.

Un altro ottimo uso per gli spaccati è quello di alleviare la tensione di una scena o fornire sollievo comico. Fissare intensamente i volti di due persone mentre parlano comincerà a sentirsi a disagio rapidamente e l'intensità può raggiungere un punto in cui il pubblico si sente a disagio. In questi casi, gli spaccati (anche se non sono altro che inquadrature di varie cose all'interno della scena), possono spezzare le cose in modo che sia più facile da digerire per gli spettatori.

Pensa a cose che possono portare a casa un punto per i tuoi cutaway nelle scene di dialogo. Non limitarti ai soli colpi di reazione. Invece, usa altri elementi visivi per raccontare la tua storia in un modo più dinamico.

Jordan Maison è un regista ed editore che ha sfruttato il suo talento nei contenuti web per i Disney Studios, così come per i siti web di film e videogiochi.