Per quanto riguarda gli attori, molti di loro provengono da umili origini e sono bravi a fare di più con meno. Se dovessi essere abbastanza fortunato da avere sia buoni scrittori che buoni attori, otterrai grandi dialoghi e azione. Supponendo che tu possa catturare le esibizioni nel modo che migliora queste qualità, il montaggio dovrebbe essere una vera gioia. Ma da dove inizi?
Un buon inizio
Una strategia per modificare quasi tutti i tipi di produzione è eseguire un montaggio "radiofonico". Concentrare i tagli e l'assemblaggio della sequenza temporale sul dialogo pone il contenuto della storia come la massima priorità. Lo vedi più e più volte nella produzione televisiva commerciale. Dalla sceneggiatura al montaggio finale, ciò che viene detto in uno spot di 30 secondi avrà un grande impatto sullo spettatore. Ogni secondo conta e ogni sillaba viene provata.
Anche nei lungometraggi, dove il tempo è meno costrittivo, il ritmo e il flusso dei dialoghi aiutano a scandire il personaggio e la trama. Tutto questo è l'arte del montaggio. Quindi, dedichiamo meno tempo alle riprese e più tempo ai dialoghi per guidare la nostra storia. Ma ricorda, è lo stesso principio di creare un ritmo e costruire l'attesa del pubblico.
Ritmo o stimolazione
Puoi trattare il dialogo proprio come la musica. Puoi modificare le linee in battiti sincopati e creare pause per creare un ritmo. La frequenza delle modifiche determinerà il ritmo della sequenza. Le scene d'azione rapida avranno dialoghi tra i personaggi tagliati a stretto contatto. Pensa alla rapida modifica della finestra di dialogo come a una partita di tennis. Lo scambio di righe tra i personaggi va avanti e indietro. Quando non c'è molto da dire, come una scena di inseguimento, puoi usare i suoni come battiti per riempire l'"aria morta" tra le righe. Ad esempio, due ciclisti stanno gareggiando per raggiungere il tratto finale. L'antagonista prende il comando e schernisce il protagonista con una linea di dialogo. Il nostro calmo eroe non dice nulla. Per mantenere il ritmo veloce, l'editor inserirà alcuni effetti sonori per mantenere vivo il ritmo del dialogo, magari qualche applauso forte dalla folla o un colpo di clacson insieme agli evidenti effetti sonori degli ingranaggi della bici che girano, delle gomme che raschiano il cemento e il ventoso ronzio dei corridori che corrono via. Poi sentiamo un grugnito dal nostro protagonista mentre si lancia in avanti. L'antagonista dice:"È troppo tardi, ti ho già battuto!" Poi c'è l'effetto sonoro di una gomma che esplode e un urlo dell'antagonista. Quindi, aggiungi alcuni applausi dalla folla. Questa è una rapida modifica radiofonica con solo due righe di dialogo dei personaggi e un sacco di ritmi forniti dagli effetti sonori. La parte migliore è che anche gli effetti sonori aiutano davvero a costruire l'ambiente della scena. Basta unire le tue immagini e il gioco è fatto.
Quando utilizzi una timeline multitraccia, a volte è più facile mettere ogni personaggio su una traccia separata. In questo modo puoi spostare le sezioni insieme più facilmente. Quando stai manipolando il tempo in questo modo, può diventare difficile trovare elementi visivi che corrispondano. Se sei fortunato, avrai delle cutaway con cui lavorare. È anche fondamentale che tu abbia il tono della stanza. Il tono della stanza è solitamente una clip audio di 30 secondi (a volte più lunga) dell '"atmosfera" di una stanza o di qualsiasi luogo in cui stai girando. Istruisci il talento e la troupe di non fare rumore mentre catturi il tono della stanza. Usa la clip del tono della stanza per riempire gli spazi vuoti tra le modifiche della clip audio, in modo che queste aree non diventino completamente "vuote".
Il taglio a L con spalla mancante
Il taglio a L è quando la traccia audio della prima clip continua dopo la modifica nell'immagine della seconda clip, sostituendo l'audio della seconda clip per una buona parte di tempo. Una spalla mancante è un classico esempio di taglio a L. Puoi usare il taglio a L per abbinare le immagini quando sei in un pizzico. Ad esempio, la prima clip mostra un primo piano di un personaggio che fornisce una riga di dialogo seguita da una pausa e poi un'altra riga di dialogo. Decidi di tagliare la seconda riga di dialogo dopo la pausa e di inserirla in una riga diversa. Per vendere visivamente questa modifica, tagli su uno spaccato (cioè una clip di una ripresa di reazione di un altro personaggio) pochi secondi prima della fine della prima riga di dialogo. La clip cutaway dura alcuni secondi, simulando la pausa, e si passa alla clip successiva con la nuova linea di dialogo. Il taglio a L aiuta a mantenere il ritmo in movimento senza intoppi visivi. L'uso di trucchi per il ritmo come l'introduzione di effetti sonori (o personaggi più loquaci per quella materia) e l'utilizzo di tagli rapidi ed efficienti come il taglio a L aiuterà a creare un ritmo che si adatta perfettamente alla tua scena.
La suspense J-Cut
Un buon modo per attirare immediatamente l'attenzione su dialoghi e suspense è usare un taglio a J tra due clip. Un taglio a J consente alla traccia audio (cioè il dialogo) di precedere l'immagine visiva di collegamento. In tal modo, il pubblico ascolterà il dialogo della clip successiva prima di vedere l'origine di un dialogo. Ad esempio, le sitcom cambiano comunemente luoghi e scene usando questa tecnica. La sequenza di apertura è un'ampia ripresa di un edificio per uffici. Sentiamo il manager parlare di massicci licenziamenti mentre l'immagine si avvicina all'edificio degli uffici. Dopo pochi secondi dall'inizio della finestra di dialogo, l'editor taglia la clip sorgente, rivelando la grafica che accompagna l'audio. Per quei brevi secondi di dialogo che precedono la clip sorgente, il tuo pubblico sta anticipando la ripresa successiva. Stanno ascoltando attentamente.
Questa tecnica J-cut non deve essere riservata alle scene di apertura. Quando il dialogo raggiunge un punto critico nella storia, un taglio a J ben posizionato aiuterà a creare suspense. Ad esempio, un detective sta interrogando un sospettato di un crimine. Hai modificato un montaggio A/B molto serrato e frenetico tra i due personaggi. Quando raggiungi il grande momento della storia, il detective ha finalmente il sospetto alle corde e si muove per uccidere, mostrando le prove dannose contro il sospetto. L'editor tiene il video della prima clip che mostra il detective e quindi inserisce sotto questa visual il dialogo del sospetto. Dopo una piccola pausa, lo spettatore sente la voce del sospettato iniziare a tremare. La confessione del sospettato ha inizio, ma l'editore continua a mantenere la visuale sul detective per solo un secondo in più, costruendo l'attesa per la ripresa successiva. Questo è il J-cut usato in un momento critico di una trama. Concentra lo spettatore sul dialogo e nel frattempo cambia anche il ritmo visivo. Tutte queste cose hanno un grande impatto sull'impatto emotivo della sequenza.
Concludilo
Puoi usare queste tecniche per quasi ogni tipo di formato. Una tecnica di editing radiofonico è un ottimo metodo per produrre storie avvincenti. Una volta completata la modifica della radio, puoi tornare indietro e dare una spintarella alle cose un po' di più per adattarle alla tua grafica in modo più preciso. Fai attenzione quando lo fai per assicurarti di non annullare tutto quel duro lavoro.
Infine, dovrebbe essere ovvio che devi assicurarti di catturare il tuo dialogo nel miglior modo possibile. E non dimenticare di togliere il copriobiettivo prima di iniziare a scattare. La radio è fantastica, ma questo è il cinema.
L'editore collaboratore Mark Montgomery è un produttore video indipendente.