Fotografia consapevole:approfondimenti del famoso fotografo David Ulrich

"Qualsiasi arte creativa, non solo la fotografia, se affrontata in profondità, può portarti in maggiore contatto con te stesso."

Di Kirk McElhearn | Pubblicato l'8 agosto 2022 21:45 EDT

David Ulrich è fotografo, scrittore e insegnante. Ha lavorato come assistente di Minor White, ha bevuto con Ansel Adams e ha incrociato la strada di molti dei più grandi fotografi della fine del XX secolo. La sua vita cambiò quando fu testimone della sparatoria nel Kent State nel 1970, che lo portò a cambiare il suo percorso dal fotogiornalismo alla fotografia artistica. Il suo ultimo libro, influenzato dalla sua pratica Zen, è The Mindful Photographer .

Uno dei momenti decisivi della tua vita è stato quando hai assistito alla sparatoria nella Kent State nel 1970. Come ti ha influenzato questo?

Ero uno studente di fotogiornalismo di 20 anni nel 1970. Ci furono proteste in tutto il campus contro la guerra del Vietnam. All’inizio si è trattato di una protesta piuttosto festosa. La gente portava i propri figli, c'erano segni di pace e così via. La sera del 2 maggio, qualcuno ha bruciato l'edificio del ROTC e attivisti da tutto il paese hanno iniziato ad arrivare nello stato del Kent. Il 3 maggio, il governatore ha chiamato la Guardia Nazionale e la situazione ha cominciato a diventare un po’ violenta. Usavano il calcio delle pistole su studenti disarmati.

Il 4 maggio la protesta era piuttosto ampia e molte guardie nazionali scesero nel campus. Quello che non sapevamo in quel momento era che avevano proiettili veri nei loro fucili. Gli studenti stavano diventando un po' turbolenti. La Guardia Nazionale ha cercato di sedare le proteste lanciando gas lacrimogeni sulla folla, ma la folla ha raccolto il gas lacrimogeno e lo ha respinto. In nessun momento la guardia si è trovata a meno di mezzo campo di calcio dagli studenti. E ad un certo punto qualcuno ha dato l'ordine di sparare.

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Hanno sparato indiscriminatamente sulla folla. Per fortuna, molte guardie non sono riuscite a farlo. Miravano sopra o sotto gli studenti. Ma alcuni miravano agli studenti. Quattro studenti sono stati uccisi e molti sono rimasti feriti. È stato un momento di risveglio per me; Non ero mai stato in contatto con la morte e la violenza prima.

Ho lasciato il fotogiornalismo. Mi sono reso conto che per essere un fotoreporter dovevi impegnarti principalmente per l'ordine sociale. Credevo che l’unico elemento che potesse cambiare le cose in meglio fosse un’espansione della coscienza del singolo e, per estensione, della società. E che l'arte e la creatività, credevo, avessero la capacità di generare una coscienza. Così abbandonai il college e accettai un lavoro umile consegnando fiori. Successivamente ho conosciuto e iniziato a collaborare con il fotografo Minor White.

‌Minor White non è un nome che si sente molto al giorno d'oggi, ma all'epoca era estremamente importante nella fotografia.

È stato cofondatore ed editore di Aperture per più di 20 anni. La sua missione, nel senso più ampio possibile, era insegnare alle persone a vedere. Era un praticante Zen e portava in classe molti esercizi Zen. Meditavamo regolarmente. Considerava la fotografia e l’arte esattamente come ho detto prima, come un mezzo per espandere la propria consapevolezza cosciente. Sono stati sei anni molto intensi. Mi ha cambiato la vita. Mi ha messo sulla strada del ricercatore. E ancora oggi ha influenzato il mio atteggiamento nei confronti della fotografia.

Nell'introduzione a The Mindful Photographer , dici:"Per me, la fotografia è molte cose:un mezzo per interagire più profondamente con il mondo, un percorso di crescita e trasformazione personale, una sfida per sforzarsi di diventare più integri e attenti, un catalizzatore per stimolare l'espressione creativa e un veicolo per l'intuizione e la comprensione". È molto.

È molto. Ma sono tutte queste cose. Qualsiasi arte creativa, non solo la fotografia, se affrontata in profondità, può portarti ad un maggiore contatto con te stesso. Aiuta nello scopo della conoscenza di sé. Ma la fotografia, soprattutto, è un cammino verso il mondo. Adoro la natura alternante della fotografia. Da un lato mi guardo dentro; la definizione standard di consapevolezza è che sono consapevole di me stesso, sono consapevole della mia postura corporea, del mio respiro, del mio battito cardiaco, delle mie emozioni, vedo i miei pensieri passare.

Ma molte persone si fermano qui. La consapevolezza significa anche essere attenti a ciò che hai di fronte e a ciò che ti circonda. Quindi è una doppia attenzione. Parte della mia attenzione torna a me, metà della mia attenzione va al mondo e lì c'è una relazione. E questo è il potere della fotografia, la relazione tra le nostre dinamiche interne e tutto ciò che esiste nel mondo esterno.

Tu affermi che "I fotografi spesso spendono una quantità sproporzionata di energia pensando a strumenti e attrezzature, o addirittura diventando ossessionati da essi". Allo stesso tempo, sottolinei quanto sia importante sapere veramente come funziona la tua fotocamera.

Non ho nulla contro l'attrezzatura. In effetti, adoro gli attrezzi. E penso che la nostra passione per l'attrezzatura possa effettivamente aiutarci come fotografi. Ma non penso che dovrebbe fermarsi qui. Penso che sia una fase che dobbiamo superare. Perché la fotografia è soprattutto un mezzo che comunica. Allo spettatore non interessa davvero il tipo di obiettivo che utilizziamo.

Che tipo di attrezzatura usi?

Per gran parte della mia carriera ho utilizzato un banco ottico Deardorff 5×7. Al giorno d'oggi, sono per lo più digitale.

‌C'è davvero una grande differenza nella fotografia lenta che si ottiene lavorando con un banco ottico. Quanto hai dovuto cambiare il tuo modo di pensare quando sei passato da quella fotocamera al digitale?

Una cosa che desideravo davvero quando lavoravo con un banco ottico era la possibilità di scattare una foto e scattare una foto da poter conservare. E ora lo abbiamo con i cellulari. Quindi, in una certa misura, ho trovato liberatorio passare a una fotocamera a mano. Non dimentichiamo che i bancomat sono per i giovani. Sono incredibilmente pesanti. Camminerei per lunghe distanze sul campo, trasportando 40 o 50 libbre di attrezzatura.

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‌Se guardi Joel Meyerowitz, il cui primo lavoro era a mano libera, quando andò a Cape Cod con un banco ottico, tutto rallentò, il suo modo di guardare, il suo modo di fotografare. Lo possiamo vedere nel suo libro Cape Light .

Lo ha fatto, completamente. Apprezzo entrambi. Apprezzo il processo riflessivo e manuale, in cui puoi avvicinare la fotocamera ai tuoi occhi in un attimo di reazione alla scena. E apprezzo anche il processo contemplativo e paziente con un banco ottico. Sento che entrambi hanno il loro posto.

Penso che oggi la fotografia sia infettata da un'identità. Usiamo tutti la stessa fotocamera. Utilizziamo tutti un formato rettangolare, una fotocamera reflex digitale o mirrorless o un cellulare, pochissime persone utilizzano una tela quadrata, come una Reflex a doppia lente o una Hasselblad. Pochissime persone utilizzano fotocamere panoramiche e pochissime persone utilizzano fotocamere che hanno proporzioni diverse, in genere, rispetto al rettangolo SLR. Trovo che l'identità sia un po' inquietante.

‌Viviamo in un mondo in cui tutti hanno in tasca fotocamere relativamente potenti. Come insegnante, che tipo di preconcetti hanno i tuoi studenti riguardo alla fotografia?

Mi dispiace usare questa frase in questo modo, quindi mi scuso in anticipo. Ma la prima sfida che ho come insegnante è abbattere quella che chiamo “l’estetica della fotografia popolare” e spostarla dai cliché a qualcosa di più autentico. Il problema più grande che ho con i fotografi principianti di oggi è che hanno visto così tante foto.

‌Sottolinei l'importanza di guardare libri fotografici per conoscere la fotografia. Una delle difficoltà è che spesso sono costosi da acquisire. Allora cosa consigli agli studenti?

Il modo in cui guardavo il lavoro degli altri fotografi quando ero piccolo era guardando le stampe, andando nelle gallerie e nei musei. Al giorno d'oggi ogni città, più o meno, ha musei che mostrano la fotografia.

Quando ero giovane, potevi chiamare il Museum of Modern Art [di New York City] e potevi dire:"Posso entrare e vedere questa collezione?" Nel periodo in cui lavoravo con Minor White, volevo dare un'occhiata al set principale di Edward Weston. Così ho chiamato il MoMA e ho preso un appuntamento, e mi sono seduto con guanti bianchi e scatole di 800 stampe Weston che avrei potuto gestire da solo.

Mentre ero nella stanza, entrò John Szarkowski. Era il direttore della fotografia e stava incontrando Doon Arbus, la figlia di Diane Arbus. Stavano decidendo quali foto sarebbero state incluse nella monografia di Diane Arbus. Hanno esaminato tutte le prove di stampa. Quando potrebbe accadere oggi? Che un giovane nessuno possa entrare in un grande museo e guardare un lavoro del genere, tanto meno avere il regista e la figlia di Diane Arbus che entrano in una sessione di editing di un libro proprio accanto a te.

Quando stavo crescendo, era una comunità piccola e intima. Naturalmente ho conosciuto Minor White; Ho conosciuto Robert Frank. Ansel Adams, Judy Dater, Imogen Cunningham, la lista potrebbe continuare all'infinito. Perché tutti conoscevano tutti. E loro dicevano:"Oh, lavori con Minor White. Vieni a cercarmi quando sei in California". Ansel Adams mi ha invitato a un cocktail nella sua casa affacciata sul Pacifico. E potrebbe bermi sotto il tavolo.

‌Quello è stato un periodo privilegiato. Poiché all'epoca ruotavi attorno a uno dei fotografi più importanti degli Stati Uniti, questo ti ha aperto tutti i tipi di porte.

Sì, è stato così. Ma anche senza Minor, quando ero agli studi universitari e di specializzazione, molti di questi fotografi venivano a parlare alle nostre classi. Era una comunità intima. Ed è lì che stava il privilegio, in quell'intimità.

Un'altra citazione dal tuo libro che mi piace è "Una fotografia vive nello spazio tra essa e lo spettatore, dove avviene una risposta".

Assolutamente. L'intento di un fotografo è importante. Ma alla fine, il significato dell'immagine è ciò che lo spettatore porta via. Direi che non tutta l’arte è soggettiva. Puoi smontare una foto, parlare dell'inquadratura, della luce, del momento, del colore, ecc. E puoi parlare dell'uso di queste cose, indipendentemente dal fatto che siano efficaci o meno.

‌Lo Zen insegna che il mondo reale è un'illusione e che siamo noi a creare il mondo con la nostra coscienza. Una fotografia, in un certo senso, congela ciò che la nostra mente ha creato e trovo che sia un paradosso interessante.

Ho lottato con quella domanda. L'altra questione con cui ho lottato nello Zen è la relazione tra vuoto e forma.

Penso che ci siano diversi livelli della nostra esperienza. Viviamo in un mondo duale, un mondo di fenomeni, un mondo di caldo e freddo, di luce e oscurità. E quel mondo esiste su un unico livello. Tutti noi abbiamo momenti in cui possiamo sperimentare l'unità della vita, sperimentiamo un profondo silenzio o un profondo vuoto che si potrebbe dire non duale. Quindi siamo penetrati in uno strato più profondo. In quello strato si potrebbe dire che i fenomeni sono un’illusione. Viviamo in entrambi i mondi. Penso che negli strati più profondi dell'esperienza riconosciamo il vuoto, il silenzio, il fondamento dell'essere. Ma viviamo anche nel mondo della realtà materiale. E dobbiamo bilanciare queste cose; dobbiamo avere un piede in entrambi i mondi.