Quella che una volta era una piccola nicchia strana nella fotografia è ora un fenomeno mondiale. La fotografia di cibo sta crescendo in popolarità solo se i 32 milioni di post attualmente su Instagram sono qualcosa su cui basarsi.
La fotografia di cibo è qui per restare, ma non è un genere facile da padroneggiare.
La nostra guida ti offre alcuni dei migliori suggerimenti e trucchi per aiutarti a ottenere risultati da leccarsi i baffi.
Attrezzatura
Telecamere
La prima cosa a cui pensare quando sei alla ricerca di un nuovo corpo macchina per la fotocamera è la dimensione del sensore.
Sia che tu decida di acquistare una fotocamera con un sensore ritagliato o di investire in una full frame, è probabile che il tuo budget determinerà la tua scelta.
La cosa importante da sapere è che la fotocamera e gli obiettivi si comportano in modo diverso quando hanno un sensore ritagliato rispetto a un full frame.
Ogni fotocamera ha un fattore di ritaglio. Questo è un numero utilizzato per descrivere quanto la fotocamera sta ritagliando l'immagine rispetto al 35 mm standard.
Una fotocamera full frame corrisponde allo standard ritagliato da 35 mm di una fotocamera a pellicola tradizionale. Ha una dimensione del sensore di 24 mm x 36 mm. Un sensore ritagliato è più piccolo di questo ed è quindi più economico da realizzare per i produttori di fotocamere. Non corrisponde a molti obiettivi e le immagini finali hanno un aspetto diverso.
La Canon Rebel, ad esempio, ha un fattore di ritaglio di 1,6. Ciò significa che moltiplichi 1,6 volte la lunghezza focale del tuo obiettivo per ottenere la lunghezza focale effettiva a cui sembrerà che le tue foto siano state scattate.
Su una fotocamera full frame, un obiettivo da 50 mm si comporta come un 50 mm. Metti lo stesso obiettivo su una fotocamera con un sensore ritagliato, si comporta più come un 80 mm.
Lenti
Le lenti sono dove dovresti spendere la parte più significativa del tuo budget. Dovresti considerarli come un investimento a lungo termine nel tuo mestiere.
Ecco i fattori da considerare:
Nitidezza
La tua più grande preoccupazione quando acquisti un obiettivo è la nitidezza.
Gli obiettivi a focale fissa sono preferiti quando si scattano cibi perché sono più nitidi degli obiettivi zoom.
Gli obiettivi zoom hanno più parti mobili che consentono allo zoom di funzionare. Ciò tende a ridurre la qualità dell'immagine e la nitidezza.
Gli obiettivi a focale fissa sono generalmente "più veloci". Hanno un'apertura massima più ampia, che consente tempi di posa più rapidi.
Ti danno anche una profondità di campo molto più ridotta, consentendoti di isolare il soggetto e ottenere quel bellissimo sfondo sfocato che tutti amiamo nella fotografia di cibo.
L'obiettivo da 50 mm
Il 50mm può anche essere un obiettivo utile, soprattutto se non si dispone di uno zoom. Questo obiettivo è adatto per riprese dall'alto e tablescape. Tuttavia, può darti una certa distorsione quando scatti uno scatto in stile ritratto. Nella fotografia di cibo, il 50 mm è considerato un obiettivo grandangolare.
Il 50 mm f/1.8 viene spesso definito "nifty-fifty" perché offre risultati decenti a un prezzo molto basso. Se hai appena iniziato e il tuo budget è limitato, prendi questo.
L'obiettivo 24-70 mm
Sebbene i numeri a focale fissa siano l'ideale, in realtà è molto utile avere un obiettivo zoom nel tuo kit, ad esempio un 24-70 mm.
È molto nitido per un obiettivo zoom e davvero versatile. Molti fotografi di cibo lo considerano un punto fermo nel loro kit.
La macro da 60 mm
Se scatti con un sensore ritagliato, un macro da 60 mm è un'ottima scelta.
Su un sensore ritagliato, è più come avere un 100 mm. Se esegui l'upgrade a full frame, puoi usarlo come faresti con un 50 mm.
Questo obiettivo ti consente di ottenere scatti a 3/4 angoli del tuo soggetto con un bel bokeh su un sensore ritagliato.
Inoltre, non otterrai la distorsione con questo angolo che avresti quando scatti con una lunghezza focale più ampia, come un 50 mm.
La macro da 100 mm
Un obiettivo eccellente da avere nel tuo kit è un obiettivo macro da 100 mm. Questo obiettivo non è solo per riprese macro o ravvicinate, anche se è ottimo anche in queste.
Allontanandoti ulteriormente dal tuo set, puoi anche ottenere scatti in stile ritratto molto belli. La lunghezza focale ti darà uno sfondo sfocato eccezionale.
Se scegli l'obiettivo macro da 100 mm/105 mm su un sensore ritagliato, scatterai a una lunghezza focale di 150 mm.
Questo sarà un raccolto molto stretto, che può essere un problema se lo spazio è un problema.
Treppiedi
Un treppiede è un must per la fotografia di cibo. Ti aiuta a creare immagini coerenti e libera le tue mani per lo stile in base a ciò che vedi attraverso la tua fotocamera.
Il requisito più grande in un treppiede è la stabilità. Un treppiede deve essere in grado di sopportare il peso della fotocamera e dell'obiettivo.
Quando acquisti un treppiede, cercane uno con altezza e orientamento regolabili. Qui è dove hai una colonna centrale che puoi spostare.
Assicurati che abbia piedini in gomma per evitare lo slittamento e che abbia un carico utile elevato.
Il carico utile si riferisce alla quantità di peso che il treppiede è in grado di sopportare. Deve sopportare il peso della fotocamera, dell'obiettivo e di qualsiasi altra aggiunta, come una staffa o un braccio di estensione.
Stile alimentare
L'obiettivo del food styling è far sembrare il cibo il migliore. La maggior parte degli alimenti ha bisogno di un po' di cure per renderli presentabili alla fotocamera.
Ecco alcune cose da considerare quando ci si avvicina allo styling del cibo:
Utilizza il cibo più fresco possibile
Il cibo che scatti deve essere il più fresco possibile in modo che appaia attraente nelle tue immagini. Quando acquisti i tuoi ingredienti, assicurati di acquistare gli articoli più freschi e belli disponibili.
Tieni sempre pronta la scena, l'illuminazione e la videocamera prima di posizionare il cibo sul set.
Quando stai regolando le impostazioni dell'illuminazione e della fotocamera, usa un sostituto di un colore e una forma simili al tuo cibo come sostituto. Sostituiscilo con il tuo "eroe" (il tuo principale soggetto alimentare) all'ultimo momento, in modo che appaia il più fresco e appetitoso possibile.
Acquista più del necessario
Quando fai la spesa, assicurati di acquistare più di quanto pensi di aver bisogno per le riprese. Il cibo si secca, si scioglie, diventa marrone o inizia a sembrare sgradevole in un breve lasso di tempo.
Deve essere sostituito con articoli più freschi.
A seconda del cibo, potresti anche aver bisogno di molti oggetti per riempire la cornice.
Placcatura
Il fattore più importante nella scelta dei piatti su cui presentare il cibo è la dimensione.
Gli oggetti possono apparire molto diversi alla fotocamera rispetto all'occhio e spesso sembrano più grandi di quanto ci aspettiamo. Per questo motivo, è una buona idea scegliere piatti più piccoli di quelli che useresti normalmente.
Presenta i tuoi soggetti su piatti da insalata o piatti piani più piccoli. I piatti di grandi dimensioni possono sminuire il soggetto principale e dominare l'inquadratura.
Contorni
Erbe e spezie e oggetti come i crostini possono migliorare i tuoi scatti di cibo.
Rametti di varie erbe come il rosmarino possono essere legati insieme con lo spago da cucina per creare piccoli mazzi che puoi usare per aggiungere contesto alla tua storia gastronomica.
Potete impreziosire una semplice ciotola di zuppa con un filo di panna e una spolverata di erba cipollina tritata.
La chiave è che i tuoi contorni dovrebbero avere un senso nel contesto più ampio della tua scena. Se stai sparando al salmone con una salsa di aneto al limone, non guarnirlo con il basilico.
Quando usi le erbe, usa il più fresco possibile e sostituiscile mentre spari. Appassiscono o si ossidano rapidamente. Le erbe aromatiche tagliate possono essere conservate fresche in frigorifero molto più a lungo se avvolte in della carta assorbente bagnata.
Props
Devi avere una collezione di oggetti di scena per la fotografia di cibo.
Un oggetto di scena è qualsiasi oggetto che usi sul set per migliorare l'immagine. Nella fotografia di cibo, si tratta in genere di utensili da cucina, come piatti e posate, ciotole e utensili da portata e biancheria.
Quando selezioni i tuoi oggetti di scena, pensa al tuo stile di fotografia di cibo e ai tipi di oggetti di scena che lo completerebbero.
Se il tuo stile è davvero pulito ed elegante, o più raffinato, questi oggetti di scena non avrebbero molto senso e staresti meglio con capi più delicati.
In generale, stai lontano da colori molto vivaci e motivi audaci, poiché distraggono dal cibo. I pezzi colorati possono aggiungere un punto di interesse, ma devono lavorare con la composizione generale e la sensazione della foto.
Non usare molti oggetti di scena. Un paio degli oggetti di scena giusti possono avere molto impatto nel raccontare una storia visiva, ma troppi distraggono lo spettatore e dominano l'immagine.
Quando selezioni i tuoi oggetti di scena, inizia con uno o due pezzi, magari un piatto di insalata neutro e un coltello o un cucchiaio vintage. In caso di dubbio, mantieni la semplicità.
Sfondi
Avrai bisogno di una varietà di sfondi interessanti su cui posizionare il tuo cibo.
Usa una varietà di oggetti per i tuoi sfondi, come tessuto, carta artigianale o grandi piastrelle per pavimenti. Puoi anche diventare creativo e crearne uno tuo.
Acquista fogli di legno e dipingili o macchiali tu stesso. Ci sono anche alcune ottime risorse online per l'acquisto di sfondi professionali per la fotografia di cibo e vengono spediti in tutto il mondo.
Quando si fotografano cibi, sfondi neutri o freddi come il blu generalmente funzionano meglio.
Illuminazione
Modificatori di illuminazione
Che tu utilizzi la luce naturale o artificiale, dovrai modificare la tua fonte di luce.
Un elemento importante nel tuo kit è un diffusore. Questo è un pannello di materiale bianco trasparente che posizioni sul bordo del tuo tavolo per ammorbidire la luce che colpisce la tua scena.
Avrai anche bisogno di alcuni semplici strumenti per far rimbalzare e assorbire la luce. Puoi acquistare un kit riflettore professionale 8 in 1, con dischi pieghevoli in una varietà di materiali da utilizzare nelle tue riprese, come illustrato di seguito.
Il riflettore argento, ad esempio, può illuminare il cibo, mentre il riflettore dorato aggiungerà calore. Di solito viene fornito anche con un diffusore.
Per una versione fai-da-te, puoi anche utilizzare un semplice cartone nero o bianco acquistato da un negozio di artigianato o dollaro. Il bianco illumina la scena, mentre il nero assorbe la luce.
Stili di illuminazione
Dovresti avere un'idea di come vuoi che sia la tua immagine finale prima di prendere in mano la tua fotocamera. Vuoi che la luce appaia morbida e dimensionale o stai cercando un contrasto sorprendente?
Maggiore è il contrasto tra chiaro e scuro, più drammatica sarà la tua immagine. Spesso è il soggetto a dettare la luce che scegli.
La prossima volta che scatti, fotografa il soggetto sia con luce morbida che intensa e nota la differenza. In che modo ogni approccio influisce sul risultato finale? Molti fotografi tendono a gravitare sull'uno o sull'altro come parte del loro stile.
Illuminazione laterale
Questo è quando la tua luce arriva direttamente accanto al cibo.
L'illuminazione laterale è un buon approccio per gran parte della tua fotografia di cibo. Funziona per la maggior parte delle configurazioni ed è facile da usare.
Posiziona un riflettore o una scheda di rimbalzo sul lato opposto alla luce. A seconda di quanta ombra vuoi sul lato del cibo, avvicinalo o allontanalo, oppure usa un riflettore più piccolo o più grande.
Quando si riprendono scene bianche e ariose, si desidera comunque che l'ombra aggiunga dimensione.
Retroilluminazione
La retroilluminazione è quando posizioni la luce dietro il cibo.
Se immagini il quadrante di un orologio, sono le 12. Questa è una posizione ideale per bevande o zuppe, poiché aggiunge lucentezza ed evidenzia le proprietà liquide del cibo.
In generale, la retroilluminazione è molto lusinghiera per il cibo. Lo fa brillare e ne fa risaltare la consistenza.
Tuttavia, può essere difficile da utilizzare perché può rendere l'immagine troppo luminosa sul retro e troppo scura sul davanti. Troppo contrasto significa che il retro della foto verrà espulso, con una perdita di dettagli sfocati nel soggetto principale. Un contrasto insufficiente risulterà in una foto sfocata o in una che appare sbiadita, come accade quando scatti con troppa luce.
Retroilluminazione laterale
La retroilluminazione laterale è una combinazione dei primi due tipi di illuminazione. È il meglio di entrambi i mondi e il più facile con cui lavorare. Qui la nostra luce è posizionata tra le 10 e le 23.
Con questo stile di illuminazione, ottieni la lucentezza della superficie fornita dalla retroilluminazione senza il rischio di sovraesposizione. Inoltre, non devi riflettere tutta la luce sulla parte anteriore del cibo perché la luce arriva con un'angolazione maggiore.
Quando utilizzi la retroilluminazione laterale, dovrai giocare con l'altezza della luce rispetto alla scena, a seconda di come vuoi che cadano le ombre.
Più la tua fonte di luce è vicina al tuo set, più morbida sarà la caduta.
Angoli di ripresa
L'angolazione della fotocamera può avere un potente effetto sull'immagine finale.
Prima di prendere in mano la tua fotocamera, devi pensare a che tipo di cibo o piatto stai riprendendo e quale angolazione della fotocamera ti aiuterà a far emergere le sue migliori caratteristiche.
Ci sono tre angoli principali della fotocamera utilizzati per fotografare il cibo:sopra la testa, 3/4 o dritto.
L'angolo a 3/4
L'angolo di 3/4 è quando la fotocamera è posizionata in un punto qualsiasi da 25 a 75 gradi rispetto al soggetto.
L'angolo 3/4 è un angolo popolare perché è così versatile. Di solito puoi mostrare la parte anteriore e la superficie del piatto, così come i lati.
Vedi molto questo angolo nella fotografia commerciale di cibo.
L'angolo sopraelevato
L'angolo sopraelevato è l'angolo di 90 gradi. Questo è diventato un angolo molto popolare ultimamente grazie a Instagram.
Questo angolo ha sicuramente diversi aspetti positivi. È utile per inserire diversi elementi in una scena, come in un tablescape. Questo lo rende anche un ottimo punto di vista narrativo. Puoi vedere una varietà di oggetti di scena, ingredienti o piatti di cibo nell'inquadratura quando scatti dall'alto. Spesso è anche più facile comporre lo scatto utilizzando questo angolo rispetto a un angolo di 3/4 o dritto.
Tuttavia, l'angolo sopraelevato non funziona per tutti i tipi di cibo. Elimina la profondità, che dà un tocco più grafico all'immagine ma non è adatto a tutti i tipi di cibo.
Con l'angolo sopraelevato, ciò che enfatizzi di più è la forma del cibo e vari elementi della scena.
L'angolo rettilineo
Questo angolo di ripresa diretto è più adatto per cibi "alti", come hamburger o pile di brownies o pancake. Sottolinea l'altezza di un piatto.
Quando scatti hamburger e panini, il panino o la parte superiore del pane nascondono ciò che c'è dentro, quindi scattare la foto da qualsiasi punto sopra il cibo non ha senso.
Ricorda, l'obiettivo è sempre quello di concentrarsi sulle migliori caratteristiche del cibo.
Composizione
Gli strumenti di composizione possono aiutarci a realizzare fotografie migliori, tuttavia, non tutti gli strumenti funzioneranno per ogni immagine.
Prima di iniziare a scattare, conosci l'obiettivo della tua immagine. Qual è l'umore? Cos'è che vuoi trasmettere? Qual è lo scopo del tuo scatto e come verrà utilizzato?
La buona fotografia del cibo evoca le emozioni dello spettatore. La composizione è uno degli strumenti principali che ci aiutano a farlo.
Linea
La linea è l'elemento più basilare nella composizione visiva. Le linee guidano l'occhio attraverso una fotografia verso i punti focali e gli elementi chiave e mantengono l'occhio dell'osservatore concentrato sull'immagine.
Ci sono un paio di cose da tenere a mente quando si lavora con le linee. Quando si utilizzano le linee per dirigere lo sguardo dell'osservatore, devono puntare al soggetto principale o all'inquadratura.
Inoltre, le linee non dovrebbero mai puntare al di fuori dell'inquadratura, poiché gli occhi saranno costretti a lasciare l'immagine. Ciò indebolisce l'immagine e può far perdere interesse allo spettatore.
Regola delle probabilità
La regola delle probabilità afferma che quando si fotografa un gruppo di oggetti, avere un numero dispari di elementi nell'inquadratura è molto più interessante visivamente che avere un numero pari di elementi.
I numeri dispari creano un senso di equilibrio e armonia e forniscono un punto di riposo per i nostri occhi, mentre un numero pari di oggetti può dividere la nostra attenzione e competere tra loro.
Quando ci sono più di cinque elementi in un'immagine, diventa difficile per la mente registrare il numero più alto. Per questo motivo, è una buona idea comporre molti elementi in gruppi di numeri dispari quando possibile.
Regola dei terzi
La regola dei terzi ha lo scopo di aiutarti a posizionare gli elementi principali e il punto focale all'interno della composizione.
Pensa a una griglia immaginaria che divide l'immagine in nove parti uguali, come una griglia di tris. Il rapporto è 1:1 per rettangolo.
La regola dei terzi è un ottimo punto di partenza. Aiuta ad aggiungere armonia alle tue immagini e ti aiuta a fare i primi passi nella composizione come nuovo fotografo. In effetti, può funzionare per molte immagini, in particolare paesaggi.
Quando si tratta di fotografia di cibo, tuttavia, questa regola può essere limitante. Puoi finire per creare immagini sbilanciate e scomode.
La Griglia Phi è un concetto simile che è più potente della Regola dei Terzi. Entrambe le griglie sembrano quasi uguali, ma le linee centrali della Phi Grid sono più vicine tra loro.
La griglia Phi
Phi Grid
La griglia Phi è un'espressione della Sezione aurea . Ti aiuta a creare un'immagine equilibrata e naturalmente piacevole.
La Phi Grid segue il rapporto di 1:1,618, un rapporto che è una costante in natura e verso cui gravitiamo automaticamente.
Appare in tutto il mondo naturale, da una conchiglia di nautilus al numero di petali di un fiore.
Puoi trovare il rapporto aureo ovunque nel mondo intorno a noi, anche se nessuno può spiegare esattamente perché esiste in questo modo.
Puoi usare questa conoscenza nella tua fotografia. Pensare a come si muove l'occhio attraverso un'immagine e incorporare alcune espressioni del rapporto aureo ti aiuterà a creare immagini che il cervello riconoscerà come esteticamente attraenti e armoniose.
Spazio negativo
Lo spazio positivo è lo spazio occupato dal tuo soggetto principale. Lo spazio negativo è un'area in cui i tuoi occhi possono riposare. Fornisce equilibrio, un po' di respiro e sottolinea il soggetto.
Lo spazio negativo può ritrarre il movimento e dare contesto a un'immagine. Può anche dare allo spettatore l'idea che c'è una storia oltre ciò che l'occhio sta vedendo.
Nella fotografia di cibo, c'è la tendenza a scattare con molto spazio negativo a causa del posizionamento del testo, in particolare quando si tratta di lavori su riviste, confezioni di prodotti o pubblicità.
Quando un'immagine non utilizza lo spazio negativo, può sembrare un po' claustrofobica e disordinata. Inoltre, quando c'è troppo da fare in un'immagine, lo spettatore non è sicuro di dove guardare.
Ripetizione
Gli elementi ripetuti aggiungono anche interesse a un'immagine. La ripetizione può verificarsi spontaneamente nell'argomento o può essere creata da elementi aggiunti come oggetti di scena e ingredienti di supporto.
A volte i motivi possono diventare monotoni, quindi spezzare un motivo può creare una fotografia più forte.
Esistono vari modi per creare un'interruzione nel motivo, ad esempio con un'interruzione di colore, forma, dimensione o trama. Il punto in cui posizioni questa pausa è cruciale; vuoi posizionarlo in uno dei tuoi punti focali o lungo linee intersecanti.
Colore
Il colore è una parte importante di una composizione. Evoca emozioni e crea un senso dell'umore all'interno di un'immagine.
I colori freddi e scuri come il blu navy e il nero svaniscono, mentre i colori chiari o caldi come il giallo fanno avanzare gli oggetti.
Sfondi e colori di superficie troppo luminosi possono sminuire il nostro soggetto; dovrebbero essere scelti in base all'atmosfera che si desidera creare, nonché in armonia con gli elementi scelti.
Le combinazioni di colori possono essere monocromatiche quando sono variazioni tonali all'interno di una singola tonalità. Questo approccio ha il suo posto, ma l'utilizzo di colori complementari è un'ottima tecnica da applicare alla fotografia di cibo.
I colori complementari appaiono direttamente uno di fronte all'altro sulla ruota dei colori, come il rosso e il verde o il blu e l'arancione.
La combinazione di colori con cui scegli di lavorare sarà, in parte, dettata dal cibo che stai fotografando.
I tuoi colori dovrebbero anche essere bilanciati in termini di non avere troppi colori in una cornice, che apparirà caotica.
Texture
Uno dei modi migliori per aggiungere interesse alle tue fotografie è con la texture. Aggiunge contrasto e dettagli e migliora i soggetti del cibo.
La consistenza si trova naturalmente negli alimenti, ma può anche essere utilizzata in modo efficace negli sfondi e nelle superfici, nonché nei tuoi oggetti di scena e lenzuola, purché non sia eccessiva.
Un sacco di consistenza nel cibo, nella biancheria e negli sfondi composti insieme possono sembrare troppo occupati e sopraffare lo spettatore.
Modificare le tue immagini
Lightroom di Adobe è un eccellente programma di post-elaborazione. È più intuitivo e più facile da imparare di Photoshop.
Consiglio di utilizzare Lightroom per eseguire le regolazioni globali e quindi per ottimizzare l'immagine in Photoshop, se necessario. Ad esempio, se devi lavorare su aree specifiche dell'immagine.
Diamo un'occhiata agli strumenti più importanti:
L'istogramma
È importante avere una conoscenza di base dell'istogramma per apportare le modifiche appropriate all'esposizione e ai toni dell'immagine.
Un istogramma traccia la gamma tonale di un'immagine. La luminosità è rappresentata graficamente su una scala di grigi. Ad ogni pixel dell'immagine viene assegnato un valore.
Il nero è a sinistra, mentre il bianco è a destra. Puoi trovare le sfumature di grigio nel mezzo.
La distribuzione dei toni nell'istogramma ti indicherà l'esposizione complessiva dell'immagine.
Un grande picco in una qualsiasi di queste regioni significa che l'immagine ha molti pixel a quella particolare densità. Uno spazio vuoto nell'istogramma significa che non ci sono pixel a quella densità.
Controlla se hai un picco forte all'estremità nera o bianca dell'istogramma. Se lo fai, la tua immagine potrebbe essere sottoesposta o sovraesposta.
In genere, la maggior parte delle immagini ha un aspetto migliore se contengono valori sia scuri che chiari. In caso contrario, potrebbero mancare di contrasto e apparire piatti.
Ritaglio
È una buona idea ritagliare e raddrizzare l'immagine prima di iniziare ad apportare modifiche globali.
Per raddrizzare un'immagine, inizia da Trasforma pannello e fare clic su -> Auto .
Se non funziona, puoi provare una delle altre impostazioni o farlo manualmente nello Strumento di ritaglio .
Per accedere allo strumento Ritaglia in Lightroom, fai clic sul simbolo della griglia sotto l'istogramma nel pannello superiore. Oppure premi R per la scorciatoia da tastiera. Ciò ti consentirà di ritagliare la tua immagine portando gli angoli con il cursore.
Nota che quando il lucchetto è chiuso sul simbolo del lucchetto, lo strumento ritaglierà ogni lato dell'immagine in modo uniforme.
Se desideri ritagliare a mano libera, fai semplicemente clic su di esso per sbloccarlo.
Bilanciamento del bianco
Il bilanciamento del bianco in un aspetto molto importante della post-elaborazione delle immagini di cibo.
Consiglio di scattare con una scheda grigia e di regolare il bilanciamento del bianco in post-elaborazione. Questo rimuove le dominanti di colore errate e assicura che i tuoi bianchi siano veramente bianchi.
Una carta grigia è un pezzo di plastica grigia che puoi acquistare in un negozio di forniture per fotocamere. È esattamente il 18% di grigio, che è ciò che la tua fotocamera cerca durante la misurazione di una scena.
Scatta una foto con il tuo cartoncino grigio nella scena. In Lightroom, prendi il contagocce del bilanciamento del bianco e fai clic sulla carta grigia. Leggerà automaticamente il corretto bilanciamento del bianco.
Il pannello di base
Questo pannello è dove potresti finire per fare molte modifiche prima di accontentarti di un aspetto finale.
Esposizione influisce sulla luminosità della gamma di toni nell'immagine, tuttavia, giocando con le ombre e le luci, i bianchi e i neri ti daranno un bilanciamento dei toni più preciso rispetto al semplice controllo del dispositivo di scorrimento dell'esposizione.
Controlla se le aree luminose sembrano fangose o le ombre hanno ancora bisogno di più luce. Sposta i dispositivi di scorrimento nei punti in cui l'immagine ha un bell'aspetto generale.
Probabilmente dovrai tornare indietro e regolare nuovamente il dispositivo di scorrimento dell'esposizione dopo aver apportato modifiche con gli altri dispositivi di scorrimento.
Vibranza e saturazione
Vivacezza è anche un dispositivo di scorrimento importante nella modifica della fotografia di cibo.
È uno strumento di editing migliore di Saturazione perché è più sottile. Regola i colori meno saturi senza intensificare quelli già saturi.
La vivacità aumenterà prima la saturazione dei colori tenui e poi gli altri colori.
L'utilizzo effettivo del dispositivo di scorrimento della saturazione dipende dall'immagine. In generale, un approccio conservativo è ciò che funziona meglio quando si modificano fotografie di cibo.
Se decidi di utilizzare questo dispositivo di scorrimento, spostalo leggermente verso l'alto, a circa +5 o +6.
Curva di tono
I nuovi utenti trovano spesso la Curva dei toni impegnativo, ma è uno degli strumenti più potenti che si trovano in Lightroom.
La curva dei toni è un grafico che mappa dove si trovano i toni nelle tue immagini. L'asse inferiore della curva dei toni inizia con le ombre all'estrema sinistra. Termina con In evidenza all'estrema destra. I toni medi cadono nel mezzo, in una gamma da più scura a più chiara. Diventano più scuri quando ti sposti verso il basso e più luminosi quando ti muovi lungo l'asse.
Puoi controllare la luminosità e l'oscurità dei tuoi toni. Regola la Curva del punto stesso o la Curva della regione .
La regione ha cursori per ogni parte della gamma tonale. Mentre trascini ogni cursore, la curva e l'immagine cambiano entrambe.
Per effettuare regolazioni con la curva punto, fare clic sull'area che si desidera modificare. Questo creerà un punto di ancoraggio in cui controllare il tono.
Trascinando il punto verso l'alto si schiarisce quel tono; trascinandolo verso il basso lo scurisce.
Valuta i toni medi nell'immagine per vedere se sono già luminosi. In caso contrario, fare clic al centro della curva di tono e portare il punto in alto.
Se sono troppo luminosi, abbassa la curva. Controlla le altre parti della tua immagine.
Se hai appena iniziato ad imparare la curva di tono, gioca prima con i cursori della regione. Prendi nota di come i vari cursori influiscono sulla curva.
Qualunque approccio tu scelga, assicurati di guardare l'istogramma mentre apporti modifiche. In questo modo ti assicurerai di non perdere dettagli importanti.
HSL
HSL sta per Tonalità , Saturazione e Luminanza . Qui è dove bilanciare i colori in Lightroom.
Le regolazioni del colore sono generalmente più soggettive delle regolazioni dei toni. Questo perché il colore dà a una fotografia un senso dell'umore.
Esistono due modi per effettuare le regolazioni del colore in questo pannello. Puoi modificarli tutti in una volta in HSL/Tutti . Oppure ogni colore singolarmente sotto il Colore scheda nella parte superiore del pannello.
La Tonalità la scheda o la sezione nella parte superiore del pannello è dove scegli quanto caldo o freddo vuoi che sia ogni colore nell'immagine.
Ad esempio, trovo che i verdi guardino quasi sempre fuori. Faccio scorrere i verdi leggermente più verso sinistra o verso destra per farli sembrare più realistici.
Per aggiungere più calore, ovvero più giallo, ai tuoi green, fallo scorrere verso sinistra. Per una tonalità più fresca, facendola scorrere verso destra si aggiunge più blu.
La saturazione il cursore nel pannello di base regola il colore dell'intera immagine. Ma i cursori della saturazione qui regolano ogni colore individualmente.
Se regoli un colore in modo che sia più saturo, ciò influirà sulla saturazione di quel particolare colore nell'intera foto.
Che tu stia lavorando nel pannello di base o nel pannello HSL, la saturazione richiede una mano leggera.
Infine, Luminanza influisce sulla brillantezza del colore. Questi cursori sono più preziosi dei cursori di saturazione, quindi lavora prima con questi.
La modifica in Lightroom riguarda l'equilibrio. Lo stesso vale quando si lavora con le regolazioni di tonalità, saturazione e luminanza.
Sharpening
Sharpening should be the last editing step. It adds contrast between pixels and edges, which creates definition and a more refined look.
However, you don’t need to apply sharpening to the whole image because, in food photography, there is not much point in sharpening the props and the background.
The focus is on the food, so that is what you sharpen.
To do this in Lightroom, mask out the image to select the areas of the image you want to sharpen. Hold down the Alt/Option key while clicking on Masking in the Sharpening panel.
Lightroom will show you where the sharpening is being applied in white. Your image will look like an x-ray.
Slide it to the right. The further right you go, the less the image will be sharpened.
You will find that you will be in the +70-80 range for sharpening for food photography.
In conclusione
There is a lot to learn when it comes to shooting food, but hopefully, this guide has given you an overview of what’s involved and some ideas about how you can improve your images.
The more information you have, the more empowered you can be in your creative decisions.
Above all, lots of practice is what is going to take you to the next level in your food photography.