I 50 suggerimenti per l'editing video che seguono sono il prodotto di molti anni di editing video, molte ore di ricerca e apprendimento da innumerevoli errori. Spero che sarai in grado di applicare questi suggerimenti ai tuoi progetti di editing per migliorare la qualità del tuo lavoro e aumentare la tua velocità ed efficienza.
Se preferisci scaricare i suggerimenti come e-book in formato PDF, puoi accedervi qui.
Per favore, divertiti!
1. Mantieni il ritmo appropriato:troppo veloce e perderai le persone, troppo lento e le annoierai
Come regola generale, è meglio tagliare una scena troppo velocemente che troppo lentamente. Non c'è niente di peggio che annoiare il tuo pubblico. Detto questo, confondere le persone riproducendo una scena troppo velocemente è un secondo vicino.
2. Determina cosa guida la scena e inizia modificandola
Quando inizi a modificare qualcosa, scopri quale elemento lo spingerà in avanti e usalo come spina dorsale del tuo pezzo. A volte è il ritmo della musica, a volte è una conversazione di dialogo, a volte è una sequenza di inquadrature e altre volte è un motivo come un inserto di un orologio che ticchetta che appare ogni pochi secondi. Qualunque cosa sia, inserisci prima il "driver" nella tua sequenza temporale e lascia che informi il resto del processo di modifica.
3. Usa colpi di reazione
I colpi di reazione non si limitano a mostrare ciò che un personaggio pensa o prova riguardo a un particolare evento. Suggeriscono anche ciò che lo spettatore stesso dovrebbe provare, che si tratti di paura, shock, lussuria, ecc. Inoltre, gli scatti di reazione consentono allo spettatore un momento per digerire le cose mentre accadono. Se il filmato mostrasse solo due pugili che lo tiravano fuori su un ring senza tagliare le riprese occasionali della reazione del pubblico, lo spettatore sarebbe rapidamente sopraffatto dall'azione costante o semplicemente immune ad essa.
Nessuno dei due va bene. Questo vale per la commedia, l'horror e quasi tutti gli altri generi che ti vengono in mente.
4. Comprimi il tempo per evitare la noia
Nessuno vuole guardare qualcuno camminare per tutta la stanza, salire un'intera rampa di scale o mangiare un intero pasto. Taglia tra le varie angolazioni della telecamera per comprimere il tempo e portare a termine l'azione più rapidamente.
5. Espandi il tempo per intensificare un momento drammatico, scherzo, azione, ecc.
A volte, un momento è così interessante, importante o potente che ha senso tirarlo fuori un po'. Allo stesso modo in cui il taglio tra diverse angolazioni della telecamera può comprimere il tempo, può anche essere utilizzato per espanderlo. Mostrare lo stesso evento da più angolazioni ti consente di riprodurlo efficacemente in un modo più lungo di quanto non sia stato effettivamente necessario. Un buon esempio di questo potrebbe essere un giocatore di baseball che si avvicina al piatto e colpisce un fuoricampo. Il tempo e l'eccitazione dell'intero evento possono essere prolungati utilizzando molti colpi diversi del battitore, le sue espressioni facciali, il lanciatore, la folla e numerosi angoli del campo, lo swing e il colpo. Molto più eccitante che giocarci in "tempo reale".
6. Ricorda la storia e gli archi dei personaggi
Mentre modifichi e selezioni le battute e le riprese dei tuoi personaggi durante un film, ricorda sempre cosa è successo, sta accadendo e non è ancora successo. Assicurati che lo sviluppo di un personaggio scorra in modo appropriato attraverso la storia.
Ad esempio, non vuoi che un personaggio appaia troppo sicuro di sé quando non ha ancora sviluppato quel tratto attraverso gli eventi del film. Se hai mai bisogno di un piccolo aiuto per tenere traccia di come sta scorrendo la tua storia e come si stanno sviluppando i tuoi personaggi, ecco alcuni utili suggerimenti per l'editing del film. Trova tutte le scene che hai già tagliato insieme al personaggio su cui stai lavorando. Disponili fianco a fianco nell'ordine in cui li hai nel film e guardali. In questo modo, puoi vedere la progressione e lo sviluppo di un personaggio molto velocemente, senza dover guardare l'intero film e ti farai subito un'idea se l'ordine di sviluppo ha senso o se dovrebbe essere modificato.
7. Continua a tagliare
A volte le idee non iniziano a fluire finché non inizi a vedere qualcosa sulla tua sequenza temporale. Quando incontri un ostacolo creativo, non arrenderti. Continua a modificare e provare diversi modi per affrontare una scena, un promo, qualunque cosa. Alla fine farai qualcosa che ti ispirerà e ti metterà sulla strada giusta.
8. I tagli alle corrispondenze funzionano sia per l'immagine che per l'audio
Tutti hanno visto un'immagine tagliata da una scena con un primo piano su un bulbo oculare a un'altra scena con un'inquadratura del sole di dimensioni simili - o qualche variazione di questo tipo di taglio dell'immagine. Ma non dimenticare che puoi anche abbinare l'audio tagliato. Ecco un esempio.
Nella scena A, una donna afferma:“Non ruberei mai qualcosa dal suo negozio, signore. Perché, l'unica persona che conosco che ha rubato qualcosa è…” — tagliata sulla scena B in cui un uomo urla “Fletcher!”, indicando il fratello minore della donna mentre corre fuori da un negozio con un televisore. I tagli di corrispondenza per l'audio sono un ottimo modo per collegare le idee tra le scene. Diventa creativo:ci sono molte possibilità.
9. Prima taglia grossolano, poi rifinisci
Non preoccuparti di lavorare sui piccoli dettagli di un taglio mentre lo stai prima stendendo. Scopri prima la tua struttura approssimativa e poi inizia a mettere a punto fotogrammi e audio. Ciò ti consentirà la massima velocità e flessibilità creative mentre crei il pezzo, senza impantanarti nelle minuzie.
10. Taglia le inquadrature in una scena di dialogo tra clausole, respiri o subito prima di consegne intense
Sfrutta i picchi di intensità durante una scena di dialogo, così come i momenti di pausa o di contemplazione. Sono tutti punti buoni e naturali per passare da un personaggio all'altro in cui il taglio passerà in gran parte inosservato.
11. Taglio sul movimento
Questo è uno dei suggerimenti più fondamentali per l'editing video. Il modo più semplice per rendere invisibile un taglio è tagliare durante una sorta di movimento. Questo può essere il movimento di un personaggio, come un giro della testa, un gesto della mano o un pugno. Oppure puoi ridurre il movimento della fotocamera stessa. Spesso la fotocamera esegue una panoramica, un dolly, un'inclinazione e un'oscillazione sullo schermo. Tagliare questi movimenti aiuterà a mascherare le tue modifiche e creare un'esperienza più fluida per lo spettatore.
12. Motiva i tuoi tagli
Quando i tagli sono motivati, sembreranno più naturali e non urteranno lo spettatore. Usa questo a tuo vantaggio per creare un pezzo fluido. Un semplice esempio di questo è un primo piano sul viso di un personaggio mentre i suoi occhi guardano fuori dallo schermo, motivando così un taglio a qualcosa che sta guardando.
13. Usa i colpi di inserimento
Le inquadrature in inserto sono riprese ravvicinate di oggetti in una scena (un mazzo di chiavi sul bancone che il protagonista si è appena dimenticato di portare con sé mentre correva fuori dall'appartamento) o azioni molto particolari che stanno accadendo (un raccogliendo a mano un bicchiere di vino dal tavolo). Le inquadrature a inserimento possono aiutare a cambiare le scene, definire più completamente cosa sta succedendo focalizzando l'attenzione di uno spettatore e fornire informazioni su un ambiente mostrando i dettagli che sono presenti in esso. Le inquadrature a inserto forniscono anche una grande diversità nelle composizioni delle inquadrature all'interno di un montaggio, rompendo la monotonia delle inquadrature medie che possono tendere ad affliggere un pezzo.
14. Osserva gli occhi di un attore per sapere quando tagliare
In genere, gli occhi di un attore ti daranno una buona indicazione quando è il momento di tagliare su un altro personaggio, un oggetto nella scena o semplicemente su un'angolazione diversa della telecamera. Un movimento degli occhi può essere pensato come una versione ridotta del taglio del movimento, nonché un modo per motivare una modifica. Quando non sei sicuro di quando tagliare, guarda gli occhi!
15. Utilizza il movimento della videocamera per un ritmo più veloce
Un ottimo modo per dare l'impressione di intensità e azione è utilizzare il movimento della telecamera. Ovviamente, la disponibilità degli scatti con una telecamera in movimento è determinata durante le riprese, ma se li hai a disposizione e vuoi dare un po' di giri all'azione, non dimenticare di usarli. Inoltre, quando tagli da un'inquadratura in movimento a un'altra, tagli automaticamente sempre in base al movimento e quindi avrai più opportunità di apportare modifiche fluide. Di conseguenza, sarai in grado di ridurre la durata dei singoli scatti e anche di accelerare il ritmo.
16. I tagli di salto non sono sempre male
Pubblico più indulgente ora. Un decennio o due fa, era una regola ferrea che non dovresti mai fare un salto. Non più così. Certo, un salto in una scena emotiva e drammatica potrebbe comunque essere un po' imbarazzante e fonte di distrazione. Ma i salti in azione, l'horror e persino la commedia sono diventati molto più accettabili di prima. I tagli saltati possono dare al tuo pezzo un tocco spigoloso e stilistico e fungere anche da dispositivo per spaventare o sorprendere il pubblico. Come per la maggior parte delle cose, però, il trucco è non abusarne.
17. Taglia quando il tuo spettatore è distratto
Questo suggerimento per l'editing video è un po' generico, ma volevo includerlo perché illustra un importante concetto generale. Che tu stia tagliando il movimento, i grandi suoni o i momenti intensi, la chiave è generalmente tagliare quando lo spettatore è distratto. Pensalo come un mago che distrae il suo pubblico con svolazzi e storie, distogliendo la loro attenzione dai giochi di prestigio che si verificano dietro le quinte che impostano il suo trucco. Questo suggerimento ti guiderà molto bene in innumerevoli situazioni di editing.
18. Le dissolvenze in nero avviano nuove scene:le dissolvenze incrociate indicano che il tempo passa
Questo è un consiglio piuttosto semplice, ma buono da ricordare. Ci sono molti editor che cercano di evitare di utilizzare uno di questi effetti, poiché credono che una buona modifica possa essere eseguita con tagli dritti adeguatamente motivati. Tuttavia, credo che le dissolvenze e le dissolvenze abbiano ancora il loro posto nelle giuste circostanze. Assicurati solo di usarli con parsimonia e correttamente.
19. Assicurati che gli angoli della telecamera tra scatti simili cambino di almeno 45°
Se devi tagliare dall'inquadratura a un'altra inquadratura dello stesso soggetto, assicurati che l'angolo della nuova inquadratura sia almeno 45° diverso dalla prima. Altrimenti il taglio sarà stridente e sembrerà un errore. Se non riesci a tagliare con un'angolazione sufficientemente diversa, prova a ritagliare un altro soggetto o a colmare il divario con uno scatto inserto.
20. Varia la distanza della fotocamera quando si scattano foto dello stesso soggetto
Questo è simile alla regola precedente. A meno che tu non stia tagliando qualcosa in modo stilistico, è meglio cambiare in modo sostanziale la distanza della fotocamera quando si taglia in avanti o indietro dallo stesso soggetto. Ad esempio, cerca di non tagliare da un primo piano estremo a un primo piano. Prova invece a passare da una ECU a un'inquadratura media o ampia. Sembrerà un po' più naturale e aiuterà a mantenere il taglio più vicino all'invisibile, che di solito è l'obiettivo.
21. Usa dissolvenze su teste e code dell'audio per evitare che scoppino
Quasi tutti i software di editing hanno un modo abbastanza rapido per applicare dissolvenze e dissolvenze audio. Usali sui bordi delle tue clip audio per dissolvere in entrata e in uscita effetti sonori, dialoghi, tono della stanza, musica ecc. Anche se hai solo spazio per applicare una dissolvenza di 1 o 2 fotogrammi dopo che una parola è stata pronunciata, usalo. Queste dissolvenze appianeranno il tuo mix audio e preverranno lo "scoppio".
22. Immergi la musica e gli effetti sonori durante i dialoghi
Se il tuo dialogo e la tua narrazione sono difficili da ascoltare, lo spettatore sarà momentaneamente confuso mentre cerca di dare un senso a ciò che è stato appena detto. Questo è stancante per lo spettatore e alla fine provoca frustrazione, perdita di interesse e difficoltà a immergersi nel pezzo.
23. Non utilizzare effetti visivi scadenti
Niente urla "amatoriale" più di salviette di stelle, bagliori luccicanti e arricciature delle pagine. A meno che il tuo video non abbia un aspetto retrò/di formaggio, evita questi effetti come la peste.
24. Calcola il tempo per l'editing musicale per ottenere il massimo impatto
Salva la tua musica fino ai momenti più importanti e poi inizia a riprodurla, oppure modifica la musica in modo che le sezioni più grandi e intense si verifichino nei momenti giusti del montaggio. Indirizzerà lo spettatore e farà loro sapere che ciò che stanno guardando è significativo in qualche modo, sia perché un momento è ricco di suspense e sta per accadere qualcosa di spaventoso, sia perché ciò che stanno vedendo è una parte importante della storia.
Naturalmente, ci sono molte eccezioni a questa regola, ma se puoi fare uno sforzo per usare la musica un po' con parsimonia, avrà molto più impatto sul tuo pezzo.
25. Usa i compressori sui dialoghi e sulla narrazione secondo necessità
I compressori servono per uniformare gli alti e i bassi di un brano audio. Hanno molti usi, ma uno dei miei preferiti è applicare un leggero compressore ai dialoghi e alle linee di narrazione che altrimenti potrebbero essere difficili da ascoltare in sezioni con molti altri effetti sonori o musica. Il compressore aumenterà alcuni dei livelli più bassi nel dialogo, assicurando che le parole non vengano perse o ascoltate male. Fai solo attenzione a non alzare troppo il compressore, altrimenti ti ritroverai con un linguaggio robotico dal suono molto artificiale.
26. Assicurati che i tuoi livelli audio non raggiungano il picco
Questo è uno dei suggerimenti più basilari per l'editing del film, ma è facile perderne le tracce. Presta particolare attenzione durante le scene con molta azione o spavento, poiché le inevitabili tracce multiple dell'audio possono portare il tuo mix in rosso molto rapidamente.
27. Mixa sempre in stereo o migliore, mai in mono
Il missaggio è stereo ti dà la possibilità di spostare l'audio a sinistra e a destra per effetti sonori più freschi (auto che passano, una chiamata vocale fuori dallo schermo, ecc.). I mix stereo generalmente tendono anche a ottenere un suono meno fangoso e a darti un po' più di margine audio prima che inizi a raggiungere il picco.
28. Usa il riverbero e il d-verb per creare suonerie sulle fermate musicali
Questo è un trucco davvero interessante usato sempre nel settore dei trailer, ma è utile in tutti i tipi di editing. Se hai bisogno che la tua musica si fermi in un punto prima della sua fine naturale ma non vuoi che suoni troppo brusco, prova questo. Trova un ritmo della musica nell'area in cui vorresti che la musica finisse. Tira fuori qualsiasi cosa in quella traccia musicale dopo il ritmo e applica un verbo re o un effetto di riverbero al ritmo finale. Cambia la lunghezza e il tipo dell'effetto del verbo a seconda di quanto tempo vorresti che fosse il ring-out. Questo ti darà una bella fermata di musica pulita che si risolve e non suona bruscamente. Ottimo per fermarsi in un momento dell'impatto o subito prima che venga pronunciata una battuta finale.
29. Usa l'audio per passare da una scena all'altra
Un ottimo suggerimento per la transizione del video è di prelap audio dalla scena successiva al di sotto della fine della corrente. Ad esempio, quando due persone terminano una conversazione nel loro appartamento e decidono di fare un viaggio a Parigi, svaniscono gradualmente il suono di un aereo che atterra sotto il video della fine della conversazione. Quindi puoi tagliare sull'aereo che atterra a Parigi senza che sembri troppo improvviso o inaspettato. Questo è molto simile a motivare un taglio, nel senso che avvisa il tuo spettatore e fa sapere loro cosa aspettarsi in modo che non siano confusi o sorpresi involontariamente.
Esistono molti altri modi creativi per utilizzare l'audio per passare da una scena all'altra, ma questo è uno dei più semplici e utili.
30. Usa il sound design per dare forma ai momenti e creare e rilasciare la tensione
Non devi sempre fare affidamento esclusivamente sulla tua musica per sviluppare l'atmosfera di una scena. Non aver paura di usare droni, colpi, gemiti metallici e altri utili elementi di sound design per aiutare a costruire l'atmosfera di una scena e guidare le emozioni del tuo spettatore. L'uso efficace del sound design richiede un po' di pratica, ma ti consente essenzialmente di agire come compositore mentre stai montando e di avere davvero il controllo sull'umore e sul tono.
31. Personalizza e usa le scorciatoie da tastiera
Ognuno ha il proprio modo di lavorare con un computer, ma alcuni sono solo più veloci. I have always found that using keyboard shortcuts when editing — or doing anything on the computer — will DRASTICALLY increase the speed at which an editor can work.
Over the years, I have gradually fine-tuned my method for setting up my hot-keys in a particular software package. Now, the general rule I try to follow is to map all of my shortcuts to one half of the keyboard. That way, my left hand can stay in the same location on the keyboard and have access to all my keyboard shortcuts without having to move. My right hand will always be on the mouse, clicking and dragging around the timeline as needed. For maximum speed, I try to eliminate 95% of mouse clicking whenever possible. It takes a bit of getting use to but you’ll be amazed how much more quickly and effortlessly you can work.
32. Organize your source materials
This is crucial.
Unless you’re working on a very small project, you MUST organize your source materials. This includes all your video footage, your music, your narration, your sound effects, your graphics and anything else you might need. Particularly with the footage, you’ll want to organize it either by scene, character, location — whatever makes the most sense depending on your project and the type of piece you’re cutting. For a feature, it makes the most sense to organize by scene numbers. For promos, you’ll probably want to organize by types of shots and characters, since the footage will serve as more of a painter’s palette than a chronological storyboard.
However you choose to do it, just make sure you’re organized. Otherwise you’ll quickly become overwhelmed, make weaker editing decisions and miss out on editing opportunities that you may have seen if you had better access to your source materials. Trust me, it’s worth the initial time investment.
33. Mark your favorites
As you look through and organize your footage, keep notes of your favorite lines, takes, shots etc. Your initial reaction to seeing these materials will often be the most genuine and unbiased, most closely-reflected how the audience will perceive it. It’s important for you to make notes on your thoughts and impressions during this objective phase to help guide you later on in the process when things get a bit more…messy.
34. Save commonly used effects and plugin settings to a bin
Often when working on a project, you’ll find that you need to use the same types of effects multiple times. These could be time-warps, picture zooms, white flashes, audio effects etc. Rather than recreate them from scratch each type, create a bin or folder contain the presets for each of these effects so you can just drag them onto your clips as needed. This will save you quite a bit of time while editing, allowing you to focus on more important things.
35. Zoom in on the timeline
A common mistake many editors make is forgetting they can zoom in on their timeline. To properly fine-tune a cut, a music edit, whatever…you need to zoom in. By trying to work on a section of your piece without focusing the timeline on it, you’ll create two main problems.
First, you’ll become distracted by everything else that’s going on within your field of view. Sounds crazy, but it’s true. Editing can be very overwhelming at times because of the large amount of materials and edits that you’ll have going on. Zooming in not only focuses your timeline but your attention as well. Second, in order to make the small adjustments and tweaks to picture and audio you need to having a fine level of control. You don’t have that frame by frame accuracy when zoomed out and you’ll end up making incorrect adjustments to things and messing with an edit far longer than you need to.
Even after editing for many years, I still sometimes catch myself forgetting to focus in on a section I’m working. Get into the habit of zooming in and you’ll be surprised how many problems it solves.
36. Use two monitors when possible
For a long time, I edited using only on one monitor. I crammed my timeline, my bins, audio meters, and video windows all on the same screen. When I finally decided to add a second monitor and space things out a bit, there was no turning back. A good two monitor setup involves placing all of your clips, music, bins, audio meters and other tools on the left monitor. On the right monitor, put your timeline and your video windows. The extra screen space will help you with organization as well as provide more room to manipulate the materials on your timeline.
On many projects, I end up with up to 5 video tracks and 24 audio tracks. While the extra monitor is not a necessity, without it things would get a bit tight!
37. Avoid parallel edits
This is one of the classic video editing tips that bears repeating. Cutting from one shot to another at the exact same moment you cut the associated audio is often a bad idea. Since the goal of most edits is to create a smooth, uninterrupted experience for the viewer, you want to minimize jolts and bumps along the way. By cutting both picture and audio at the same time, you’re causing the viewer to adjust to two changes at once, which they’ll often notice. Instead, do what’s referred to as an L cut or J cut — also called pre-lapping and post-lapping.
This means, start the audio for the next shot slightly before you cut the picture to it. Or, cut to your next shot, slightly before the audio begins — this is good to capture reactions of the listener during a dialogue scene. It takes a little practice to get right but will give your cuts a much more professional feel.
38. Use multiple camera angles and shots with fast cutting to build intensity and impact
A great way to create a frenetic and fast-paced sequence is to show the action from multiple angles. Cut quickly from wide to medium to close shots as movement occurs to give a sense of speed and impact. This is particularly important in action scenes like fights or car chases. Just make sure to give your viewer a chance to rest every once in a while by cutting to a wide shot or the reactions of other people watching the action.
39. Vary your pacing and sound levels to create contrasts
A great deal of what makes things interesting in life is contrast. Video editing follows the same rules. By varying the pacing of scenes or the intensity of moments, you’ll create a rhythm in your piece that prevents the viewer from becoming over or under-stimulated. Audio works the same way. A loud scene or moment will have more impact when it follows a quiet one. Conversely, a whispered comment between characters will seem that much more intimate and personal when it follows loud action or music.
Use contrast to accentuate moments and really carve out the peaks and valleys of your cut.
40. Duplicate your timeline and save multiple versions
Any time you’re going to make substantial changes to a sequence — which might not end up working well — try to remember to duplicate your sequence. There’s nothing worse than making a bunch of edits, realizing that you just messed up something that was already working and finding that you can’t “undo” back far enough to restore it. If you make multiple copies of your sequence, you’ll rarely lose work and will have less fear of trying new things. And don’t forget to label them with what’s unique about them. A simple note like “different opening scene – no music” will help you remember what is different about the sequence in case you need to reference it later on.
41. Fake camera movement when necessary
Sometimes you really wish a shot had a slow push in on a character’s face during a dramatic moment but it wasn’t shot that way on the set. Don’t be afraid to add a slow animated resize or zoom to the clip to fake it. Something like 100% zoom to 103% zoom. Just make sure you don’t zoom in so far that the quality of the image starts to degrade. Experiment with faking lots of different types of camera movement.
You’ll be surprised at how much production value and impact you can add to shots that were otherwise a bit boring.
42. Use cross-cutting to build intensity
A great way to create suspense and anticipation is to make sure of cross-cutting. Cross-cutting is simply when you cut back and forth in between two events occurring in different locations or at different times. A great example of using this technique to build intensity would be to show a burglar creeping around outside a house at night and breaking in. In between shots of him approaching, entering and stalking through the house, you’d cut to shots of the homeowner asleep in their bed or perhaps in the shower, unaware of the danger that’s approaching.
43. Use room-tone and ambiance to smooth out your dialogue
When a character has finished delivering a line and another character is about to speak, there is often a bit of space or “dead air”. Depending on how the audio was recorded, there can be a noticeable absence of background hum and noise in between the lines. A good way of smoothing out these gaps is to find a section of the recorded audio track where the characters aren’t speaking but the microphone still picked up the general ambiance of the room or environment. Take a piece of this background noise and cut it in between the lines from the two characters and put small audio dissolves in-between everything. This will create a more seamless transition from one line to the next.
44. Turn up the volume when mixing
When it comes time to mix your audio, turn up the volume a bit. You shouldn’t be straining at all to hear your piece. In fact, you’ll want it to be pretty loud so you can really feel the impact of certain moments and make sure they’re playing as you intended. If you don’t want to disturb those around you, invest in a good pair of closed-ear headphones.
45. Give the audience time to laugh or think after jokes and important moments
After a funny joke is delivered, the audience will probably laugh a bit. In the case of really funny moments, the laughter might be so loud that any lines occurring directly after the joke will go unheard. Be sure to allow ample time for the audience to regain composure before presenting any additional important information or dialogue. The same goes for moments that might require the audience to think about something or realize what’s going on. For example, if a boy gets an angry phone call from his girlfriend and she breaks up with him, give the audience a chance to watch his reaction to the news and discover whether he’s upset — or relieved.
46. Total silence feels unnatural
Silence is anything but silent. When you’re mixing audio, remember that there is almost always some sort of noise in the real world and a complete absence of sound in a section of a cut will feel very unnatural.
A great example of this would be a war scene when a grenade explodes close to a character. It doesn’t injure the soldier but it’s so loud that he temporarily goes deaf. A complete absence of sound here would feel strange, but a high-pitched ringing in his ears and the muffled, quiet, echoed sounds of gunfire and yelling around him would give the impression of silence but in a much more natural way.
Even when human beings are placed in completely quiet anechoic chambers, they can still hear the high-pitched sound of their own nervous system and their heartbeat. To human perception, is no such thing is 100% silence.
47. Scene audio and sound effects should describe the setting or further the story
When deciding what elements of a scene’s audio to include in your mix, remember you don’t have include everything. Only include the ambiance and sounds needed to establish your environment and also to give the viewer clues as to the story you are telling.
If the scene opens in a room with a woman sitting in a chair looking uneasy and mildly annoyed, we might hear the sounds of traffic outside her window and the clock ticking. What we would soon find out is that she has been waiting for her husband to come home for dinner for over an hour and the passing of time is the relevant story point we should be aware of.
48. Edit a documentary with only audio at first
A great video editing tip when editing a documentary is to almost treat it like a radio cut at first. That is, find the narration and dialogue lines that tell the story you’re trying to get across and assemble them all on your timeline. Once you’ve got your story told effectively, then you can start adding in video footage of the interviewees on camera, b-roll of related imagery, graphics and beauty shots. By editing a documentary with only audio at first, it allows you to focus on what’s most important, the message.
49. Stay objective
Remember what your audience knows and doesn’t know. It’s easy to get so familiar with your material that you forget your audience might need a bit of extra information and hand holding to know what’s going on. Providing too little information will leave you viewer confused and important moments won’t have the desired impact. Conversely, too much information will make your film or piece feel unintelligent or made for children — so find the right balance.
50. Carefully sync your sound and music to picture
The human brain is amazing adept at detecting mismatches between audio and video. Even the difference of 1 frame — or 1/30th of a second — is noticeable under certain circumstances.
Be very careful when using sound effects and music that have very sharp attacks or well-defined beats. When these sounds and beats are meant to sync up with a particular visual such as a punch or a baseball hit, being off by even a frame can feel strange and detract from the impact of the event. Some software will even allow you to edit audio on the perf level, which can be as fine as 1/4 of a frame.
These details may seem insignificant but a sync problem causes your viewer to lose focus on the scene and takes them out of the immersive experience of your cut — which is a big problem.
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Thanks for taking the time to read through these video editing tips. I hope these rules will be as helpful to you as they have been to me over the years.
Got any great video editing tips you’d like to share?
Please post them in the comments below!