Modalità cinematografiche vanno e vengono, ma non è questo il motivo per cui i registi emergenti non dovrebbero sperimentare la tendenza del giorno.
Ogni anno iniziamo a vedere un aumento dei contenuti con alcune specifiche tecniche cinematografiche sotto i riflettori. Tanto che non puoi sintonizzarti sul tuo creatore di contenuti preferito senza vederlo. E ci sono anche quelli che si risentono dell'uso entusiasta di alcuni metodi di produzione cinematografica. Allora perché tutto questo trambusto?
Come puoi vedere nel video qui sopra, Jakob Bowen — da The Buff Nerds — è a disagio con l'uso eccessivo dei gimbal negli ultimi anni (ne parleremo più avanti). Da parte mia, sussulto quando carico un cortometraggio per vedere che è stato classificato con la LUT M31 ampiamente abusata. Se il mondo sotterraneo esiste, è senza dubbio ricoperto di arancione e verde acqua. Le mode e le tendenze vanno e vengono a un ritmo così rapido che è difficile ricordare quale fosse la tecnica di stagione la scorsa primavera.
Nell'ultimo decennio, abbiamo assistito a un'impennata delle seguenti tecniche da parte di registi dilettanti e semi-professionisti online:
- Profondità di campo ridotta
- Riprese di scorrimento/tracciamento
- Time-lapse
- Gimbal
- VR/360
- Drone
Nuova tecnologia, basso costo
Nella primavera del 2011 ho finalmente messo le mani sulla 5D Mk II. Da quel giorno in poi (per tutta l'estate), quasi tutto quello che ho scattato è stato af/1.2. Naturalmente, quasi tutto era anche confuso e rapidamente cadeva a fuoco. Tuttavia, da anni desideravo una profondità di campo ridotta. E dopo aver trascorso molti mesi a cercare come aggiungere un adattatore da 35 mm alla Canon HV20 e anni desiderando una fotocamera che potesse anche da remoto produrre una sensazione "cinematografica", sicuramente non avrei iniziato a utilizzare correttamente le impostazioni del diaframma.
Questa mentalità non mi ha portato molto lontano. È stato divertente ma poco pratico.
Con l'aumento delle fotocamere full-frame a prezzi accessibili, la ridotta profondità di campo e la messa a fuoco su rack hanno preso il sopravvento sulla comunità dei registi di YouTube come un virus in una città affollata. Potresti anche chiamare un video di viaggio un video di viaggio se non avessi una messa a fuoco da un fiore nel pittoresco paesaggio dietro? No, non potresti. Naturalmente, con l'avvento delle riprese di tutto con un'apertura ampia, i forum di regia sono stati infiammati da voci scontente, preoccupate per l'uso eccessivo della ridotta profondità di campo. Una profondità di campo ridotta dovrebbe essere utilizzata come strumento cinematografico per dirigere la messa a fuoco, non per creare bokeh nella stazione di servizio solo per rendere la scena "filmica".
In un articolo del 2011 per Filmmaker Magazine , "La profondità di campo ridotta è una moda passeggera?", Michael Murie ha evidenziato alcuni commenti di professionisti riguardanti la mania della profondità di campo ridotta all'inizio degli anni 2000.
Internet (e i professionisti del settore) non hanno avuto molto tempo per discutere, poiché poco dopo la ricchezza di riprese a bassa profondità di campo, improvvisamente tutto è diventato una questione di time-lapse. Time-lapse commovente della Via Lattea, time-lapse della stessa posizione durante stagioni diverse, time-lapse della telecamera che si muove in un altro mondo attraverso una città affollata. Se c'era qualcosa che è cambiato dinamicamente durante il giorno, o anche durante l'anno, potresti scommettere che c'era un regista o un fotografo seduto da qualche parte a creare magia.
Quindi, da dove vengono esattamente queste mode?
Non è che un giorno qualcuno da qualche parte inventa una nuova tecnica e all'improvviso tutti vogliono entrare. Tutti i metodi, senza VR, sono stati utilizzati per decenni nel cinema e in televisione, motivo per cui queste tecniche sono diventate così popolari. Per la prima volta da quando ha visto queste tecniche impiegate sul grande schermo, il piccolo consumatore può finalmente replicare lo scatto, solo per una frazione del costo.
L'incursione iniziale di Canon nel mercato video amatoriale-professionale ha innescato una reazione a catena nel settore delle apparecchiature e degli accessori. I consumatori hanno finalmente avuto accesso a telecamere che, in una certa misura, stavano creando risultati che erano stati limitati al grande schermo. Ma c'era un vuoto che doveva essere riempito. Sebbene i consumatori potessero scattare a pieno formato a f/1.8, non potevano muovere la fotocamera allo stesso modo delle produzioni cinematografiche. Dovevi comunque noleggiare una pista e un carrello o rivolgerti a YouTube per scoprire come costruirne uno tuo.
All'inizio, la nuova "alternativa economica" spesso non è così conveniente, non per registi a basso o nessun budget. Prendi il MōVI, ad esempio. Se non hai familiarità con il rig, sono sicuro che ricorderai di esserti meravigliato del filmato dietro le quinte della cam op sui pattini a rotelle, che scivolava dalla strada al taxi.
Come ha detto Danny Greer in un post PremiumBeat dagli archivi, "Il sistema di telecamere MōVI è destinato a cambiare completamente la stabilizzazione della telecamera nel settore della produzione video professionale".
Era completamente rivoluzionario perché lo stabilizzatore era costruito attorno alla stabilizzazione giroscopica e agli accelerometri. Non c'è bisogno degli ingombranti giubbotti e pesi Steadicam quando questo rig fa lo stesso lavoro con più agilità e meno setup. Ma c'era il prezzo di $ 14.995, non necessariamente un punto di ingresso a basso budget per uno stabilizzatore per la tua 5D.
Tuttavia, quando una nuova tecnologia come questa entrerà nel mercato, puoi anche contare sul fatto che, qualche anno dopo, vedremo una tecnologia simile a una frazione del costo, come il Ronin M, che puoi ottenere nuovo di zecca per $ 800. Questa è un'enorme differenza di prezzo. Certo, ci sono delle ragioni, come puoi vedere di seguito.
Discussione MōVI vs. Ronin a parte, il punto è che questi tipi di scatti di stabilizzazione sono stati prodotti solo da produzioni di alto livello perché non è che tutti gli appassionati abbiano $ 50.000 in banca per un ARRI Trinity. Ma per un Ronin-M? Assolutamente. Pertanto, vedremo un'abbondanza di contenuti che consiste esclusivamente in filmati catturati su un gimbal, perché mai prima d'ora gli appassionati e gli aspiranti registi sono stati in grado di imitare il movimento della telecamera dal grande schermo, a un costo così basso. Per tornare al video di Jakob presente nell'introduzione, afferma giustamente quanto segue:
Jakob continua dicendo che "Devi usare quegli strumenti di regia (gimbal) a tua disposizione per suscitare un'emozione, o dire al pubblico come dovrebbe sentirsi, in questo momento". Sono d'accordo (guardando il filmato del tuo drone e la valutazione M31). Tuttavia, è questa una posizione che dovremmo prendere? Proprio come le tendenze della moda e l'evoluzione della musica, questo non è un processo che noi, come individui, possiamo fermare o cambiare. Ma c'è bisogno di farlo? Le tendenze e le mode nei contenuti online raramente (al momento della loro popolarità) si spostano nei lungometraggi e in televisione e, in sostanza, sono solo i giovani creatori di contenuti che si divertono con strumenti che non erano disponibili dieci anni fa.
Come ho scoperto durante le riprese di tutto a f/1.2, credo che coloro che creano contenuti (e abusano di una tecnica) impareranno a comprendere il valore del metodo. Credo anche che i nuovi creatori di contenuti oggi imparino che l'uso della tecnologia per ottenere uno scatto specifico apparirà più profondo se usato con parsimonia, per suscitare un'emozione. Ma per il momento, i creatori di contenuti hanno la capacità figurativa di volare sulla luna. È qualcosa di cui divertirsi, non respingere.