Eric Alexandrakis sta diventando famoso nel mondo del cinema e della televisione come maestro del suono per il suo approccio unico alla colonna sonora. Con una nuova nomination ai GRAMMY® 2019 per il miglior album di parole parlate (I.V. Catatonia:20 Years as a Two-Time Cancer Survivor), il suo approccio innovativo alla musica sta riscuotendo molta attenzione.
Alexandrakis non è un nuovo arrivato. Il suo film "Psychogenic Fugue" con John Malkovich, diretto da Sandro Miller è entrato nella shortlist dei Lions di Cannes nel 2017. Psychogenic Fugue (2017) ha anche aperto il Festival Internacional de Cine de Cartagena questo novembre e sta conquistando il mondo. C'è un'innegabile attrazione visiva nelle varie iterazioni di Malkovich dei personaggi di Lynch.
Imitazione, ricreazione o commento?
È affascinante vedere Malkovich entrare senza problemi in così tante personalità contro il punteggio di Eric Alexandrakis, che scandisce gli alti e bassi di ogni scena. Insieme, il film pone la domanda:l'imitazione è davvero la più alta forma di adulazione?
In una delle prime scenette, Malkovich appare ondeggiante sul palco con un abito bianco e una protesi facciale. Il paesaggio sonoro evoca ricordi di un carnevale e poi diventa scuro, mentre il vibrato di un organo a canne si amplifica, suonando molto come un servizio funebre. Malkovich inizia a sincronizzare le labbra "in paradiso, va tutto bene ,” (Alan Spiet, 1977). È una ricreazione inquietante di Lady in the Radiator, ma dovrebbe esserlo. Questo non è un film piacevole, ma è comunque brillante.
Come l'originale, la scena è girata in bianco e nero. Le caratteristiche distintive sono quasi identiche, fino alla fascia floreale appollaiata sul lato sinistro del vestito di Malkovich. In effetti, l'unico cambiamento notevole è la voce del cantante. Nella vecchia versione, aveva un leggero accento del sud, ma tenendo il passo con lo spirito del tempo, ora non c'è più. Suona un po' come Halsey.
The Lady in the Radiator sta cantando del paradiso, ma gli spettatori che non hanno familiarità con il lavoro di Lynch non possono fare a meno di chiedersi se sia davvero all'inferno. È quella polvere del radiatore che si è indurita sul suo viso? Forse il paradiso è solo uno stato mentale in cui nulla ti disturba? Eppure, se le cose che dovrebbero infastidirti non lo fanno, non è una specie di inferno?
Trascendenza e post-surrealismo
John Malkovich è allo stesso tempo inquietante e calcolato nel suo genio. Il film ha qualità trascendenti, che vanno ben oltre il regno della performance art e ben nella metafisica. Simile a gran parte dell'attenzione personale di David Lynch sulla meditazione trascendentale, lo spettatore è costretto a mettere in discussione la realtà ritratta sullo schermo sullo sfondo della propria vita. Eric Alexandrakis lo fa con il suono.
Mentre alcuni potrebbero descrivere i film di Lynch come surrealisti, utilizzano anche una buona dose di post-surrealismo. Probabilmente, c'è un'ampia rappresentazione di ciò che la maggior parte dei critici cinematografici e d'arte soprannomina l'inconscio (Voorhies, 2004). Sia Lynch che Alexandrakis creano meraviglia ed esplorano l'analogia, rendendo così lo spettatore consapevole della propria decostruzione del processo di visione. La meraviglia è una caratteristica distintiva del post-surrealismo, secondo Helen Lundeberg e Lorser Feitelson (Kinkel, 2019).
David Lynch probabilmente utilizza questi dispositivi discussi per la prima volta a lungo da Helen Lundeberg. Più specificamente, sia Lynch che Alexandrakis attingono da ciò che nella letteratura artistica viene spesso definito New Classicism (Fort, 2017). L'estetica di Lynch attira senza dubbio l'attenzione sull'esperienza dell'analogia degli spettatori, nonché sulla sequenza in cui vengono presentate le immagini. Ancora più importante, i film di Lynch costringono lo spettatore a confrontare il concettuale e il percettivo, contemporaneamente. In qualche modo, Alexandrakis riesce a farlo con il suono.
Opportunamente, Psychogenic Fugue (2017) è stato creato per supportare la David Lynch Foundation. Rende lo spettatore meraviglia attraverso sottili e dirette sfumature cinematografiche. Dietro questo nuovo lavoro, al suo interno, c'è l'uso del film come strumento per la trascendenza:il film che impersona il film. In effetti, Psychogenic Fugue (2017) è iniziato in molti modi come una riesplorazione (o reinvenzione) dell'Allegoria della caverna di Platone.
Non sorprende che Eric Alexandrakis sia legato a questo progetto rivoluzionario. Nel 2018, Alexandrakis, co-sceneggiatrice con Pennan Brae, è diventata una vincitrice del Gold Award al Queen Palm International Film Festival. Nel 2019 ha ottenuto una nomination come miglior canzone al Solaris Film Festival. Tuttavia, quando si tratta del successo di Psychogenic Fugue (2017), lo slancio in avanti di Alexandrakis sembra essere una combinazione di tremenda prontezza, pianificazione meticolosa, talento profondo e capacità di assorbire veramente ciò che lo circonda a un livello che molte persone fanno non.
Realizzare l'uomo dietro il film
Gran parte della vita di Eric si legge come una linea di registro di un film popolare. Suo nonno fu ucciso dai nazisti e suo padre fondò l'Università di Creta. Eric ha combattuto contro Hodgkins due volte, quindi sa cosa vuol dire mettere tutto in gioco. Le sue canzoni sono riflessive, astratte e narrative, a volte. Il suo lavoro è come un quadro udibile.
IV Catatonia:20 anni come sopravvissuto al cancro per due volte , per il quale Alexandrakis ha ricevuto una nomination ai GRAMMY® 2019, non è necessariamente un edificante (anche se vuole che lo sia). Il paesaggio sonoro è pieno di elementi che evocano emozioni viscerali, colorate e spesso spiacevoli. Eppure, nulla nel progetto è banale o banale. In Psychogenic Fugue (2017) Alexandrakis usa il mezzo del suono per amplificare le verità che stanno al di là degli elementi illusori del film.
Eric contro Hodgkins
Alexandrakis afferma, ricordando la sua prima battaglia contro il cancro, che sebbene inizialmente non avesse dolore, non aveva nemmeno l'assicurazione sanitaria. Pertanto, l'album affronta anche questioni socialmente rilevanti.
Il trattamento di Eric è stato caratterizzato dall'amore e dalla cura della famiglia e degli amici. Tuttavia, osserva, "il mio più grande compagno era la musica... in particolare il registratore a 4 tracce su cui ho registrato la musica. Non ho mai chiesto "perché proprio a me", e ancora non... perché nessuno?"
C'è molto che va di pari passo con l'essere malati. Al di là del costo dei trattamenti c'è un bisogno innato di trovare un significato e uno scopo in difficoltà apparentemente casuali. Mentre molti film danno agli spettatori una soluzione alla loro disgrazia (di solito il vero amore), i film di David Lynch non sempre lo fanno. In effetti, i film post-surrealisti (che stanno tornando in auge), giocano con l'idea un po' nichilista che potrebbe non avere senso nulla. Gli spettatori devono costruire significati per questi film, così come devono costruire uno scopo per la propria vita.
Parte dell'audio di Eric per il suo ultimo album è stato estratto da un "registratore di microcassette nel taschino della camicia", come dice lui. Non c'era un processo speciale per lavare il suono. Eric, tuttavia, ha un microfono preferito:"Beh, il miglior microfono è ovviamente un [Neumann] u87, ma che tu ci creda o no, io uso [Shure] SM57, principalmente SM58. In genere mi viene chiesto di fare cose per il mio suono, piuttosto che qualcos'altro, quindi posso usare quello che voglio, il che è un bel lusso, e non devo spendere un sacco di roba. Sono molto minimalista”.
Il primo Eric
Eric Alexandrakis ha frequentato l'Università di Miami dove ha conseguito una doppia specializzazione in Relazioni Pubbliche e Letteratura Inglese. Ha inoltre conseguito un Master in Music Business. Ma come si traduce in una carriera dietro il suono del grande schermo?
"In prima media ero il protagonista dello spettacolo e suonavo tutti gli strumenti della band ed ero nel coro", spiega Alexandrakis. Ha anche iniziato a suonare il pianoforte classico all'età di sei anni.
"Il mio primo ricordo è nella mia culla quando ho sentito Wendy Carlos suonare Bach", ricorda Alexandrakis.
Musica e immagini hanno formato un'innata relazione simbiotica all'interno di Alexandrakis fin dall'inizio. “Sono un personaggio molto creativo e interessato praticamente a tutto. Sono sempre alla ricerca di risposte e sono sempre aperto alle domande", scherza Alexandrakis.
Idee brillanti
“Psychogenic Fugue ha attraversato diverse iterazioni prima del prodotto finale. Mi sono rivolto alla David Lynch Foundation con un concept [che includeva Sandro, John ed io] per il loro decimo anniversario. È iniziato con John vestito da David Lynch che esegue una delle canzoni di David dal vivo, poi come un video musicale e poi come uno scenario da sogno con John che interpreta i personaggi di David. Quando abbiamo ottenuto il via libera, Sandro e io abbiamo fatto un aggiornamento rapido su tutti i film di David entro una settimana". Note di Alexandrakis.
"Ho scritto la colonna sonora, ma avevamo anche alcuni brani di Angelo Badalamenti, The Flaming Lips e anche alcuni altri", afferma Alexandrakis. Badalamenti è noto per aver composto la colonna sonora di Twin Peaks (1990). "Adoro il modo in cui Sandro l'ha diretto e, naturalmente, le incredibili interpretazioni di John."
“Psychogenic Fugue è stato girato a Chicago... ho creato la musica nel modo in cui pensavo che sarebbe andato un film moderno di Lynch, ma con il mio tocco personale. Il primo giorno di riprese stavo aspettando al ritiro bagagli e stavo emettendo un suono croccante e arrugginito, che ho registrato sul mio telefono e utilizzato nei titoli di coda", commenta Alexandrakis.
Chi è David Lynch?
David Lynch è stato tre volte candidato all'Oscar. È noto soprattutto per aver realizzato film surrealisti come Blue Velvet (1986), Eraserhead (1977), Mulholland Drive (2001) e i primi anni '90 Twin Peaks serie. Ancora più importante, Lynch è ampiamente acclamato per aver riempito i suoi film di personaggi che a volte sembrano quasi caricature.
Lynch esplora spesso temi come la violenza sullo sfondo del banale. Tuttavia, il suo lavoro è più di uno studio dei contrasti. In molti casi, Lynch cerca probabilmente di ridefinire ciò che vediamo come bellezza, il che a sua volta significa che rimodella contemporaneamente la società attraverso il suo lavoro. Alexandrakis fa lo stesso.
Lynch, Malkovich, Sandro e Alexandrakis sembrano tutti condividere una singolare comunanza:sono essenzialisti, fanno arte per l'arte. Come dice David Lynch nel film documentario, The Art of Life (2017), "Penso che quando fai qualcosa, il passato può evocare quelle idee, come il passato le colora".
Alexandrakis ha creato l'equivalente musicale delle riflessioni di Lynch su vasti paesaggi onirici con bagliori surrealisti. Il suo lavoro è sia una ricreazione del mondo così com'è che del mondo come vorremmo che fosse. La curiosità infinita di Alexandrakis si traduce in un punteggio vibrante, ma allo stesso tempo misterioso e stridente. Spesso sembra lasciare il pubblico con domande senza risposta, sfidandolo a trovare la propria soluzione.
Le colonne sonore per film e TV
Alexandrakis ha un approccio unico alla colonna sonora per film e televisione. Più che semplicemente attingendo dalla teoria musicale, trae ispirazione da tutto:l'arte astratta, i suoni della vita quotidiana, ogni esperienza e ogni persona che incontra. Il suo ambiente è una fonte inesauribile di sperimentazione e meraviglia.
Come osserva il famoso compositore David Glass, “Una nuova lingua richiede una nuova tecnica. Se quello che stai dicendo non richiede una nuova lingua, allora quello che stai dicendo probabilmente non è nuovo. Alexandrakis offre al mondo del cinema un tipo di colonna sonora che non abbiamo mai sentito prima.
Grinza e determinazione
In generale, le colonne sonore per film e televisione possono essere piuttosto impegnative. Mentre i montatori cinematografici hanno spesso una sequenza temporale predeterminata per la giunzione e la riorganizzazione dei tagli, i musicisti che realizzano le colonne sonore spesso devono farlo in un mese o due. È necessario prestare particolare attenzione quando si lavora su una serie di commissioni.
Quando crei musica per un film, ci sono alcune cose da tenere a mente. Per uno, come musicista, non sei più la protagonista. È tuo compito accentuare il ritmo e gli alti e bassi emotivi del film. La tua musica esiste per aiutare le persone a sentire qualunque cosa le immagini del film debbano evocare. Alcuni dei tuoi personaggi principali potrebbero avere una melodia o una melodia specifica per loro. Forse lo giocherai (con una piccola variazione), ogni volta che appaiono sullo schermo. In generale, ciò significa che avrai bisogno dell'accesso e della capacità di suonare più di uno o due strumenti.
Nozioni di base sulla colonna sonora
Avrai bisogno di costruire melodie centrali per il film e quindi usarne diverse varianti durante il film. Inoltre, dovrai tracciare una mappa del film e prendere appunti abbondanti sulle aree che richiedono grande enfasi. Collaborerai con il regista (e talvolta con i produttori) per assicurarti che il tuo prodotto finale corrisponda alla loro visione dell'aspetto e del suono del film. Quando un movimento non si adatta a ciò che è sullo schermo, dovrà essere accantonato (o forse addirittura cestinato).
Una delle cose più importanti da ricordare quando si registrano le colonne sonore per film e TV è inserire il timestamp nelle note. Quando inizia e finisce una scena importante? Quando inizia il climax? Ci sono salti di paura o falsi che creano tensione? Avrai bisogno di scrivere pezzi entro i limiti di tempo molto precisi di questi eventi.
Un'altra grande tecnica consiste nel segnare i punti della trama del film e creare un accompagnamento musicale che si muove in un arco simultaneo. Avrai bisogno di cose come il tempo e le indicazioni di chiave in prima linea nella tua mente. Se non sei un appassionato di musica, dovrai trovare qualcuno che lo sia, oltre a una vasta libreria di musica royalty-free da cui attingere. Una parola per il saggio:dai sempre credito ai creatori e controlla la fonte del caricamento. In altre parole, assicurati di non violare alcuna legge sul copyright.
Considerazioni finali
Eric Alexandrakis ha alcune parole per i giovani registi e studenti di musica. "Sforzati di essere straordinario", dice. "Tutti pensano che lo siano, ma lo sono davvero... Inoltre, digerisci tutto in ogni forma d'arte, impara l'attività in modo da poter firmare i tuoi accordi, ottenere tutto per iscritto, praticare il tuo mestiere ogni giorno, non stabilirti con una famiglia finché non ti sei stabilito perché non puoi avere due coniugi, non fidarsi pienamente di chiunque fino a quando non si guadagna quella fiducia, fa amicizia con gli avvocati e ha un focus e un piano incrementale. "
In conclusione, per Alexandrakis, la musica per film e TV è più che semplicemente aggiungere un po' di colore emotivo a un momento o due. “La musica non è solo un pennello, ma può essere un personaggio. Come quando senti John Williams in Star Wars... sono temi, ma sono anche una personalità/presenza che senti all'interno dell'azione", osserva Alexandrakis.
Indipendentemente dal fatto che tu sia un creatore di video con un talento per il musical o meno, la vita si svolge contro una sorta di colonna sonora:il suono dei passi di un amante mentre si allontana per l'ultima volta, il primo pianto di un bambino, persino il suono di un mazza da baseball di legno che colpisce una palla quando il tuo ragazzo fa il suo primo fuoricampo. Mentre viviamo le nostre vite, i suoni vengono sperimentati simultaneamente con le immagini e il film esplora e imita questo aspetto curioso della vita quotidiana.
Fredrick Nietzsche aveva ragione quando notò che "senza musica, la vita sarebbe un errore". Film e musica sono per sempre interconnessi. Quindi, quando crei il tuo capolavoro, non dimenticare la partitura.