i. Pianificazione e concettualizzazione pre-shoot (The Foundation)
Questo è probabilmente il passo più cruciale. Non solo raccogliere la fotocamera e sperare per il meglio. Pensa a ciò che vuoi ottenere.
1. Definisci la tua visione/concetto:
* Qual è la storia? Che messaggio stai cercando di trasmettere? Si tratta di forza, vulnerabilità, gioia, malinconia, mistero, empowerment, ecc.? Un concetto chiaro guiderà le tue decisioni.
* Mood &Atmosphere: Come vuoi che il ritratto si senta? Sogno, spigoloso, intimo, cinematografico, surreale? Considera aggettivi come:*etereo, grintoso, romantico, audace, giocoso, cupo, drammatico *.
* Ispirazione: Guarda altri fotografi, pittori, film, riviste di moda, natura, ecc. Non copiare, ma usalo come trampolino di lancio per le tue idee. Crea una mood board su Pinterest, salva le immagini in una cartella o disegna idee.
2. Selezione e collaborazione del modello:
* Montare il concetto: Scegli un modello il cui aspetto e personalità si allineano alla tua visione. Un modello che sembra delicato ed etereo non sarebbe l'ideale per un tiro grintoso a tema industriale.
* Comunica la tua visione: Spiega chiaramente il tuo concetto, la mood board e il desiderio desidera al tuo modello * prima di * le riprese. La comunicazione aperta è la chiave.
* Rilascio del modello: Avere sempre un modulo di rilascio del modello firmato, soprattutto se si prevede di utilizzare le immagini commercialmente o di inviarle per la pubblicazione.
* Considera i modelli non professionali: Non limitarti a modelli professionali. A volte, un amico o qualcuno con un look unico può portare qualcosa di speciale alle riprese.
* Collaborare: Ottieni il loro contributo! Potrebbero avere idee che migliorano la tua visione.
3. Scouting di posizione (o pianificazione dello studio):
* scout in anticipo: Se si spara all'aperto, visita la posizione al giorno in cui prevedi di sparare per valutare l'illuminazione e le potenziali sfide. Considera lo sfondo, le trame, i colori e la luce disponibile.
* Considerazioni indoor: Se si spara in uno studio, assicurati di avere uno spazio adeguato, fondali, attrezzature di illuminazione e prese di corrente. Pianifica la configurazione dell'illuminazione in anticipo.
* Pensa allo sfondo: Lo sfondo fa parte della storia. Sarà sfocato, una scena frenetica o uno sfondo minimalista? Considera come completa il modello e il concetto.
4. guardaroba, capelli e trucco:
* parte integrante del concetto: L'abbigliamento, l'acconciatura e il trucco dovrebbero lavorare tutti insieme per migliorare l'umore e la storia generali.
* Pianifica in anticipo: Decidi il guardaroba ben prima delle riprese. Coordinare colori, trame e stili.
* Makeup Artist: Prendi in considerazione l'assunzione di un truccatore professionista se il concetto lo richiede. Anche il trucco naturale può fare una grande differenza.
* parrucchiere: Simile al trucco, uno stilista di capelli può dare vita alla tua visione.
* Fornire ispirazione: Condividi la tua mood board con il guardaroba, i capelli e le squadre di trucco.
5. Piano di illuminazione:
* Luce naturale vs. Luce artificiale: Decidi quale tipo di luce utilizzerai. La luce naturale è bella ma meno controllabile. La luce artificiale offre un maggiore controllo ma richiede attrezzature.
* Luce chiave, riempimento della luce, retroilluminazione: Comprendi i principi di base dell'illuminazione. Dove verrà posizionata la tua luce chiave? Utilizzerai una luce di riempimento per ammorbidire le ombre? Utilizzerai una retroilluminazione per separare il modello dallo sfondo?
* Modificatori: Sperimenta modificatori come softbox, ombrelli, riflettori e gel per modellare e controllare la luce.
* Colore: Considera come la temperatura del colore (calda o fredda) influenzerà l'umore dell'immagine.
* Pratica: Pratica la configurazione dell'illuminazione prima che arrivi il modello.
6. PROPS E ACCESSORI:
* Aggiunte intenzionali: Non solo aggiungere oggetti di scena per il gusto di aggiungerli. Dovrebbero contribuire alla storia o migliorare l'interesse visivo.
* Simbolismo: Gli oggetti di scena possono essere usati per aggiungere significato simbolico al ritratto.
* Considera la scala: Pensa alle dimensioni e alla scala dei tuoi oggetti di scena in relazione al modello.
ii. Il servizio (mettendo in azione il piano)
1. Impostazioni della fotocamera:
* Apertura: Scegli la tua apertura in base alla profondità di campo desiderata. Un'apertura ampia (ad es. F/1.8, f/2.8) creerà una profondità di campo superficiale e sfuggirà lo sfondo. Un'apertura più piccola (ad es. F/8, f/11) creerà una maggiore profondità di campo e manterrà più della scena a fuoco.
* Velocità dell'otturatore: Scegli una velocità dell'otturatore che è abbastanza veloce da evitare la sfocatura del movimento. Un buon punto di partenza è la lunghezza 1/focale (ad esempio, se si utilizza un obiettivo da 50 mm, prova 1/50 di secondo). Regolare se necessario.
* Iso: Mantieni il tuo ISO il più basso possibile per ridurre al minimo il rumore. Aumentalo solo se è necessario per ottenere un'esposizione adeguata.
* Formato RAW: Scatta in formato grezzo per preservare il maggior numero possibile di dati sull'immagine per la post-elaborazione.
* White Balance: Imposta il tuo bilanciamento del bianco in base alle condizioni di illuminazione. Utilizzare un bilanciamento del bianco personalizzato, se possibile.
2. Composizione e posa:
* regola dei terzi: Posizionare il soggetto lungo le linee o alle intersezioni della regola della griglia dei terzi per una composizione più visivamente attraente.
* Linee principali: Usa le linee per guidare l'occhio dello spettatore sull'argomento.
* Spazio negativo: Usa lo spazio negativo per creare un senso di equilibrio e per enfatizzare l'argomento.
* Angoli: Sperimentare con angoli diversi. Le riprese da un angolo basso possono far apparire potente il soggetto, mentre le riprese da un angolo elevato possono renderli vulnerabili.
* Guida in posa: Non solo dire al modello di "stare lì". Fornire istruzioni specifiche su come posare. Pensa alle linee del corpo e al modo in cui creano forme. Usa le mani per dimostrare la posa.
* La comunicazione è la chiave: Dai un feedback costante al modello. Dì loro cosa ti piace e cosa vuoi che cambino. Incoraggiali a provare diverse espressioni e pose.
* Connessione: Incoraggia il modello a connettersi con la fotocamera. Il contatto visivo è potente.
* Rompi le regole: Una volta che hai capito le regole della composizione, non aver paura di romperle. A volte, le immagini più interessanti sono quelle che sfidano la convenzione.
3. Considerazioni tecniche:
* Focus: Assicurati che il tuo obiettivo sia acuto sugli occhi. Utilizzare la modalità Autofocus a punto singolo per un controllo preciso.
* Esposizione: Usa l'istogramma della fotocamera per assicurarti che l'esposizione sia corretta. Evita di ritagliare i luci o le ombre.
* illuminazione: Presta attenzione all'illuminazione e al modo in cui influisce sull'umore dell'immagine. Regola l'illuminazione secondo necessità.
4. sperimentazione:
* Non aver paura di provare cose nuove: Sperimenta diversi angoli, pose, tecniche di illuminazione e impostazioni della fotocamera.
* Prendi rischi: Non aver paura di correre rischi. Alcune delle migliori immagini provengono dalle rischi.
* Divertiti! Se non ti diverti, verrà visualizzato nel tuo lavoro.
iii. Tecniche e idee creative (aggiungendo il "creativo")
È qui che inietti la tua personalità e la tua visione.
1. Tecniche di illuminazione:
* illuminazione del cerchione: Crea un effetto alone attorno all'argomento.
* illuminazione dura: Crea ombre drammatiche.
* illuminazione morbida: Crea una luce lusinghiera, uniforme.
* Gel colorati: Aggiungi colore alla luce per un effetto surreale o drammatico.
* Dipinto leggero: Usa una fonte di luce per "dipingere" sul soggetto durante una lunga esposizione.
* bokeh: Crea uno sfondo sfocato usando un'ampia apertura.
* Silhouette: Esporre per lo sfondo e lasciare che il soggetto sia silenzioso.
* Luce proiettata: Modelli di progetto o immagini sull'argomento usando un proiettore.
* usando le ombre in modo creativo: Pensa alla forma e alla consistenza delle ombre.
2. Composizione unica:
* Inquadratura: Usa elementi in primo piano per inquadrare il soggetto.
* Simmetria: Crea una composizione simmetrica.
* Asimmetria: Crea una composizione asimmetrica.
* Close-up: Concentrati su un dettaglio specifico, come gli occhi o le mani.
* scatti larghi: Cattura il soggetto in un ambiente più ampio.
* Prospettive insolite: Spara da un angolo molto alto o molto basso.
* Angolo olandese: Inclina la fotocamera per creare un senso di disagio o disorientamento.
3. oggetti di scena e narrazione:
* Oggetti simbolici: Usa oggetti di scena per rappresentare concetti astratti.
* Elementi contrastanti: Giustapporre elementi contrastanti per creare interesse visivo.
* Surrealismo: Incorporare elementi surreali per creare una qualità onirica.
* Trame insolite: Incorporare trame sullo sfondo o in primo piano.
* Incorporare la natura: Usa elementi naturali come fiori, foglie o acqua.
4. Effetti in telecamera:
* Doppia esposizione: Combina due immagini in una.
* Motion Blur: Usa una velocità dell'otturatore lenta per creare motion blur.
* Zoom Burst: Zoom dentro o fuori durante la lunga esposizione.
* Flare lente: Crea intenzionalmente il bagliore delle lenti.
* PRISM Photography: Usa un prisma per rifrattare la luce e creare effetti interessanti.
* Hack Vaseline/Filter: Crea un effetto sognante imbrattando la vaselina sul bordo di un filtro chiaro (usa con parsimonia e attentamente!).
5. Tecniche di post-elaborazione (il tocco finale)
1. Software: Adobe Lightroom, Adobe Photoshop, Capture One sono standard del settore. GIMP è un'alternativa aperta gratuita.
2. Regolazioni di base:
* Esposizione: Regola la luminosità complessiva dell'immagine.
* Contrasto: Regola la differenza tra le luci e le ombre.
* Highlights/Shadows: Recupera i dettagli nelle luci e nelle ombre.
* bianchi/neri: Imposta i punti bianchi e neri.
* Clarity/Texture: Aggiungere o ridurre la chiarezza e la consistenza.
* Vibrance/saturazione: Regola l'intensità del colore.
* White Balance: Perfezionare l'equilibrio bianco.
3. Ritocco (usa con parsimonia ed eticamente):
* Levigatura della pelle: Riduci le imperfezioni e le rughe (ma non esagerare!).
* Separazione di frequenza: Ritoccare la pelle preservando la consistenza (tecnica avanzata).
* Dodge and Burn: Alleggerisci le aree specifiche specifiche per migliorare la forma e la dimensione.
* Miglioramento degli occhi: Affila gli occhi e aggiungi un fallimento.
* sbiancamento dei denti: Sbiancare i denti (sottilmente!).
4. Effetti creativi:
* Classificazione del colore: Regola i colori per creare un umore o uno stile specifici. Usa il tono diviso per aggiungere colori diversi alle luci e alle ombre.
* Colore selettivo: Isolare e migliorare i colori specifici.
* Conversione in bianco e nero: Converti l'immagine in bianco e nero. Sperimenta con diversi preset in bianco e nero.
* Aggiunta di grano: Aggiungi grano per creare un look vintage o simile a un film.
* Vignetting: Aggiungi una vignetta per scurire i bordi dell'immagine e attirare l'attenzione sul centro.
* Aggiunta di trame/sovrapposizioni: Sovrappare trame o immagini per creare un effetto unico.
* Manipolazione di Photoshop: (Avanzato) Usa Photoshop per creare ritratti surreali o basati sulla fantasia. Ciò può comportare la composizione di più immagini, l'aggiunta di effetti speciali e la manipolazione di forme e colori.
IV. Pratica e feedback
* Pratica, pratica, pratica: Più spari, meglio diventerai.
* Cerca un feedback: Condividi il tuo lavoro con altri fotografi e chiedi critiche costruttive. Sii aperto al feedback e usalo per migliorare le tue capacità.
* Impara dai tuoi errori: Analizza le tue immagini e identifica ciò che avresti potuto fare di meglio.
Takeaway chiave per la fotografia di ritratto creativo:
* Il concetto è re: Un concetto forte è il fondamento di un ritratto creativo.
* La collaborazione è essenziale: Lavora a stretto contatto con il tuo modello, stilista e altri membri del team.
* Esperimento e assumi rischi: Non aver paura di provare cose nuove e spingere i tuoi confini.
* Racconta una storia: Usa i tuoi ritratti per raccontare una storia o trasmettere un messaggio.
* Sviluppa il tuo stile: Trova la tua voce e prospettiva unici.
* Divertiti! Goditi il processo e lascia fluire la tua creatività.
Seguendo questi passaggi e praticando e apprendendo continuamente, sarai sulla buona strada per creare una fotografia di ritratto straordinaria e creativa. Buona fortuna e divertiti!