Fase 1:concettualizzazione e pianificazione (il "perché" e "cosa")
Questa è probabilmente la fase più importante. Un concetto forte guiderà le tue scelte tecniche ed elevierà la tua immagine.
1. Definisci la tua visione:l'idea principale
* Che storia vuoi raccontare? Stai mostrando forza, vulnerabilità, mistero, gioia o qualcos'altro? Pensa oltre "una bella immagine".
* Che umore vuoi evocare? Felice, malinconico, energico, sereno, ecc. Questo impone illuminazione, colori e posa.
* Quale messaggio stai cercando di trasmettere? C'è un'emozione, un'idea o un'esperienza particolare che vuoi comunicare allo spettatore?
* Ispirazione: Guarda altri fotografi, dipinti, film, moda, arte. Non copiare, ma usali come trampolino di lancio per le tue idee. Pinterest e Instagram sono ottimi punti di partenza.
2. Soggetto e casting:
* Considera il tuo modello: Incarnano le qualità che vuoi ritrarre? La loro personalità, le caratteristiche fisiche e il livello di comfort sono cruciali.
* Casting di strada: Non sottovalutare il potere di avvicinarsi a qualcuno che attira la tua attenzione. Sii rispettoso e spiega chiaramente la tua visione.
* Modello professionale: Un professionista sarà generalmente più a suo agio con la direzione e la posa. Considera la loro esperienza e il loro libro in base al tuo budget.
* Costruisci una relazione: Conosci il tuo modello! Comprendere il loro background e la loro personalità può aiutarti a catturare momenti autentici.
3. Posizione scouting:
* Pensa all'ambiente: Interno o esterno? Urbano o naturale? Quali elementi nella posizione supportano il tuo concetto?
* Considera la luce: In che modo la luce cade in diversi momenti della giornata? L'ora d'oro (poco dopo l'alba e prima del tramonto) di solito è lusinghiera. Cerca ombre e luci interessanti.
* scout in anticipo: Visita in anticipo potenziali luoghi. Fai scatti di prova con il telefono o la fotocamera per vedere come appaiono la luce e lo sfondo.
* Permette: Controlla se hai bisogno di permessi per le riprese in una posizione particolare, in particolare gli spazi pubblici.
4. Guardaroba e stile:
* Scegli abbigliamento che supporti il tuo concetto: Colori, trame e stili possono contribuire all'umore.
* Coordinarsi con la posizione: Evita di scontrarsi colori o motivi che distraggono dal soggetto.
* Considera il trucco e i capelli: Semplice, naturale o audace e drammatico? Ancora una volta, questo dovrebbe allinearsi con la tua visione generale.
* oggetti di scena: Usa oggetti di scena per aggiungere livelli di significato o interesse visivo. Fai attenzione a non sovraffollare il tiro.
5. Sketching &Storyboarding:
* Visualizzazione del colpo: Disegna pose, composizioni e idee di illuminazione. Questo ti aiuta a chiarire la tua visione e comunicarla al tuo modello e alla tua troupe.
* Storyboarding: Se stai pianificando una serie di scatti, uno storyboard può aiutarti a garantire la coerenza visiva e raccontare una storia coesa.
Fase 2:Aspetti tecnici (il "How")
1. Impostazioni della fotocamera:
* Apertura:
* Apertura larga (ad es. F/1.8, f/2.8): Crea una profondità di campo superficiale, offuscando lo sfondo e isolando il soggetto. Buono per focalizzare l'attenzione sugli occhi.
* Apertura stretta (ad es. F/8, f/11): Mantiene più la scena a fuoco. Utile per i ritratti ambientali in cui vuoi che lo sfondo sia acuto.
* Velocità dell'otturatore:
* velocità dell'otturatore più veloce (ad es. 1/200th, 1/500th): Congela il movimento. Utile per catturare l'azione o sparare alla luce intensa.
* velocità dell'otturatore più lenta (ad es. 1/60th, 1/30th): Crea motion Blur (intenzionalmente o involontariamente se non sei stabile). Usa un treppiede per velocità di otturatore lenta.
* Iso:
* ISO basso (ad esempio, 100, 200): Minimizza il rumore (grano). Utilizzare in buone condizioni di illuminazione.
* ISO alto (ad esempio, 800, 1600, 3200+): Aumenta la sensibilità alla luce, permettendoti di sparare in ambienti più scuri. Ma aumenta anche il rumore. Cerca di mantenerlo il più basso possibile.
* Modalità di tiro:
* Priorità di apertura (AV o A): Si imposta l'apertura e la fotocamera sceglie la velocità dell'otturatore. Buono per controllare la profondità di campo.
* Manuale (M): Controlli sia l'apertura che la velocità dell'otturatore. Offre il controllo più creativo ma richiede più conoscenze.
* Priorità dell'otturatore (TV o S): Si imposta la velocità dell'otturatore e la fotocamera sceglie l'apertura. Buono per il movimento.
* White Balance: Impostare il bilanciamento del bianco in modo appropriato per le condizioni di illuminazione (ad es. Luce diurna, nuvolosa, tungsteno). Puoi anche regolarlo nel post-elaborazione.
* Modalità di messa a fuoco:
* AF a punto singolo: Focus preciso su un punto specifico (come l'occhio).
* AF continuo: Traccia i soggetti in movimento.
* Modalità di misurazione:
* Misurazione valutativa/matrice: La fotocamera valuta l'intera scena e cerca di trovare la migliore esposizione.
* Misurazione spot: Misura la luce in una piccola area. Utilizzare questo per garantire che il viso del soggetto sia adeguatamente esposto.
2. Illuminazione:
* Luce naturale:
* Golden Hour: L'ora dopo l'alba e prima del tramonto produce luce calda e morbida.
* Open Shade: Le riprese all'ombra evitano ombre aspre.
* luce solare diffusa: Le riprese in una giornata nuvolosa forniscono un'illuminazione morbida e uniforme.
* Luce artificiale:
* Speedlights (lampi): Portatile e versatile. Può essere usato sulla fotocamera o fuori dalla fotocamera.
* Strobi (Studio Flashs): Più potenti di Speedlights. Spesso utilizzato nelle impostazioni dello studio.
* Luci continue (LED): Permettoni di vedere la luce in tempo reale.
* Modificatori di illuminazione:
* Reflectors: Rimbalzare la luce per riempire le ombre.
* Diffusers: Ammorbidire la luce dura.
* SoftBoxes: Crea leggero morbido, uniforme.
* ombrelli: Simile ai softbox ma più portatile.
* gel: Cambia il colore della luce.
* Setup di illuminazione comuni:
* Configurazione a una luce: Semplice ed efficace.
* Setup a due luci: Chiave Light and Riempon Light.
* Lighting Rim (retroilluminazione): Separa il soggetto dallo sfondo.
3. Composizione:
* regola dei terzi: Dividi il telaio in nove parti uguali e posiziona elementi chiave lungo le linee o agli incroci.
* Linee principali: Usa le righe per guidare l'occhio dello spettatore attraverso l'immagine.
* Spazio negativo: Lascia spazio vuoto attorno al soggetto per creare un senso di equilibrio e concentrazione.
* Simmetria e motivi: Usa elementi simmetrici o schemi ripetuti per creare una composizione visivamente accattivante.
* Inquadratura: Usa elementi nell'ambiente per inquadrare il soggetto.
* Angolo di vista:
* Eye-Level: Crea un senso di connessione.
* Angolo basso: Rende il soggetto potente.
* Angolo alto: Rende il soggetto vulnerabile.
* ritaglio: Il ritaglio può alterare significativamente l'impatto di una fotografia. Sperimenta con colture diverse nel post-elaborazione.
4. Posa:
* Comunicare chiaramente: Dai al tuo modello istruzioni specifiche.
* Inizia semplice: Inizia con pose di base e aggiungi gradualmente la complessità.
* Prestare attenzione ai dettagli: La posizione delle mani, dei piedi e della testa può fare una grande differenza.
* Crea movimento: Chiedi al tuo modello di muoversi leggermente tra i colpi per creare varianti naturali.
* Incoraggia le espressioni naturali: Parla con il tuo modello, racconta battute o riproduci musica per creare un'atmosfera rilassata.
* Evita la rigidità: Di 'al tuo modello di rilassare le spalle e la mascella.
* Posa lusinghiero: Generalmente, girare leggermente il corpo sul lato è più lusinghiero che di fronte alla fotocamera.
Fase 3:tiro ed esecuzione ("Azione")
1. Imposta: Preparare le impostazioni della posizione, dell'illuminazione e della fotocamera * prima che arrivi il modello (se possibile). Questo mostra professionalità e rispetta il loro tempo.
2. La comunicazione è la chiave: Comunicare continuamente con il tuo modello. Dai un feedback, offri incoraggiamento e rendili a proprio agio.
3. Revisione delle immagini: Rivedi regolarmente le tue immagini sullo schermo LCD della fotocamera. Ciò consente di apportare regolazioni alle impostazioni, all'illuminazione o alla posa secondo necessità.
4. Esperimento !: Non aver paura di provare cose nuove. Sperimenta con angoli, pose e configurazioni di illuminazione diverse. È qui che scopri prospettive uniche.
5. Variazioni di acquisizione: Spara una varietà di pose, espressioni e composizioni. Questo ti darà più opzioni tra cui scegliere nel post-elaborazione.
Fase 4:post-elaborazione (il "perfezionamento")
1. Software: Adobe Lightroom e Adobe Photoshop sono gli standard del settore. Cattura uno è un'altra opzione popolare.
2. Regolazioni di base:
* Esposizione: Regola la luminosità complessiva dell'immagine.
* Contrasto: Regola la differenza tra le luci e le ombre.
* Highlights &Shadows: Recupera i dettagli nelle luci e nelle ombre.
* Bianchi e neri: Imposta i punti bianchi e neri per massimizzare la gamma dinamica.
* Clarity &Dehaze: Aggiungere o rimuovere chiarezza e foschia. Usa questi con parsimonia.
* Vibrance e saturazione: Regola l'intensità dei colori.
3. Correzione del colore:
* White Balance: Regola il bilanciamento bianco per garantire colori accurati.
* Classificazione del colore: Crea un umore o uno stile specifici regolando i colori nell'immagine.
4. Ritocco:
* Levigatura della pelle: Ridurre le imperfezioni e le rughe (sii sottile!).
* Dodge &Burn: Alleggerisci le aree specifiche specifiche per migliorare la forma e la dimensione.
* Separazione di frequenza: Una tecnica più avanzata per il ritocco della pelle.
* Miglioramento degli occhi: Affila e illumina gli occhi (di nuovo, sottilmente).
5. Affilatura: Affila l'immagine per migliorare i dettagli. Fai attenzione a non farti troppo bloccato.
6. Riduzione del rumore: Riduci il rumore nell'immagine, soprattutto se hai sparato a un ISO alto.
7. ritaglio: Perfezionare la composizione.
8. Impostazioni di esportazione: Scegli il formato file appropriato (JPEG per Web, TIFF per la stampa) e la risoluzione per l'uso previsto.
Tecniche creative per elevare i tuoi ritratti:
* Doppia esposizione: Combina due o più immagini in una.
* Lunga esposizione: Usa una velocità dell'otturatore lenta per creare motion blur o catturare i sentieri della luce.
* Fotografia a infrarossi: Cattura luce che è invisibile all'occhio umano, creando immagini surreali ed eteree.
* illuminazione creativa: Sperimenta con gel colorati, fonti di luce insolite o pittura leggera.
* Composizione astratta: Concentrati su forme, trame e motivi piuttosto che una rappresentazione letterale.
* Luoghi non convenzionali: Spara in luoghi inaspettati o abbandonati.
* oggetti di scena con significato: Scegli oggetti di scena che hanno un significato simbolico o personale.
* distorsione: Usa lenti o filtri per distorcere l'immagine.
* scatti a tema: Scegli un tema specifico (ad es. Vintage, futuristico, fantasia) e crea tutti gli aspetti delle riprese che lo circondano.
TakeAways chiave:
* Esercitati regolarmente: Più spari, meglio diventerai.
* Studia il lavoro degli altri: Analizza il lavoro dei fotografi che ammiri e cerchi di capire le loro tecniche.
* Sii paziente: Creare grandi ritratti richiede tempo e fatica.
* Sii aperto al feedback: Chiedi critiche costruttive da altri fotografi.
* Sviluppa il tuo stile: Non aver paura di sperimentare e trovare la tua voce unica. Questa è la chiave per distinguersi.
* Divertiti! La fotografia dovrebbe essere un processo piacevole.
Buona fortuna e divertiti a creare! Ricorda, infrangere intenzionalmente le regole può essere altrettanto efficace quanto seguirle, ma comprendere prima le regole è essenziale.