La maggior parte dei registi principianti ha tutti variazioni sulla stessa domanda; 'Come faccio a rendere i miei film più professionali? Di più, cinematografico?' Per generazioni, i registi si sono chiesti:come faccio a ottenere quell'aspetto da film?
Questa è una buona domanda. Dopotutto, niente è più scoraggiante che mettere il cuore e l'anima in un progetto solo per farlo apparire come il padre di qualcuno che fa film amatoriali.
Quindi, come si ottiene quell'aspetto cinematografico su qualsiasi fotocamera, con qualsiasi budget?
Come ottenere l'aspetto del film:come è fatto?
Non guardare oltre. Questi 19 suggerimenti faranno sembrare i tuoi film meno home movie e più, beh... film.
Questa guida è pensata per i principianti che hanno appena iniziato a realizzare i propri film, ma non sono sicuri di come catturare immagini belle e cinematografiche che rivaleggiano con la qualità che vedono nel lavoro professionale.
1. Grado di colore
La più grande differenza tra immagini dall'aspetto professionale e video dall'aspetto amatoriale è il color grading. Mani giù. Ferma le presse.
Ora, questo non vuol dire che tutti gli altri elementi del tuo film non siano importanti. Sono. È solo per illustrare quanta differenza può fare il color grading.
Il color grading e la correzione del colore sono essenzialmente quando correggi e stilizzi i colori dei tuoi scatti in post.
Un consiglio essenziale per il color grading è quello di scattare in RAW. RAW è solo un formato di file non compresso che memorizza tutti i dati acquisiti dal sensore consentendoti di produrre immagini di qualità superiore.
Scattare in RAW è in genere semplice come modificare un'impostazione sulla fotocamera.
L'altro vantaggio di questo, oltre alle immagini di qualità superiore, è che i tuoi scatti avranno la minor quantità possibile di informazioni integrate. Ciò ti consentirà di avere più libertà di colorarli in post.
Le LUT possono essere estremamente utili durante il color grading del tuo metraggio. Applicarli ai tuoi clip può aiutarti a raggiungere rapidamente un ottimo punto di partenza in modo da poter semplicemente modificare il tuo filmato da lì.
Se desideri delle fantastiche LUT gratuite per una facile gradazione del colore, non puoi sbagliare con queste 7 LUT gratuite di Lutify.me e 9 LUT gratuite di FILM CRUX.
2. Composizione
In sostanza, la composizione è ciò che c'è nell'inquadratura dello scatto, nonché il modo in cui sono disposti gli elementi all'interno dello scatto.
Esistono infinite teorie su ciò che rende una buona composizione e quali particolari arrangiamenti funzionano meglio in quali circostanze, ma ecco alcuni suggerimenti per la composizione veloci e sporchi per iniziare.
La regola dei terzi
Probabilmente ne hai già sentito parlare prima. Dividi la tua cornice in terzi orizzontalmente e verticalmente, quindi posiziona i punti di interesse dove queste linee di divisione si intersecano. Posiziona elementi importanti come l'orizzonte lungo le linee stesse.
Lead Room
Se un personaggio guarda inquadratura a destra, in genere dovrebbe essere posizionato inquadratura a sinistra. Questo rende l'inquadratura più confortevole per lo spettatore creando uno spazio aperto davanti al personaggio chiamato lead room o lead space.
[Suggerimento] Linee guida – Usa le linee naturali nella tua scena per guidare l'occhio dello spettatore nella tua immagine. Questi possono essere qualsiasi cosa, dalle linee di profondità in una prospettiva a uno o due punti, ad altri elementi o elementi all'interno dell'inquadratura che conducono al soggetto o a un punto di interesse.
Raddrizza le linee dell'orizzonte
Un buon consiglio è raddrizzare le linee dell'orizzonte che attraversano la lunghezza del tuo scatto. È meglio farlo durante le riprese, anche se può essere fatto in post, se necessario.
Tieni presente che non devi seguire nessuno di questi. Considerali meno come regole e più come linee guida. Quando non sai cosa stai facendo, questi sono un ottimo punto di partenza.
Ma, se vuoi pensarle come regole, ricorda, le regole possono essere infrante. Il miglior consiglio, però, sarebbe quello di imparare prima le regole e poi infrangerle.
3. Cassetta delle lettere
Se hai mai visto un film di Wes Anderson o Quentin Tarantino, sicuramente hai già visto il letterbox.
Il letterboxing è la pratica di trasferire un film girato con proporzioni widescreen a proporzioni standard. In questo modo vengono create due barre nere o mascherine nella parte superiore e inferiore dell'immagine che molte persone associano a un aspetto cinematografico.
Ora, probabilmente non hai bisogno di prendere un film 16:9 e adattarlo a una TV a tubi 4:3, e probabilmente non stai girando su un 70 mm come ha fatto Tarantino per The Hateful Eight, ma se ti piace questo stile, puoi emularlo abbastanza facilmente usando uno dei due metodi seguenti.
Impostazioni di esportazione
Un ottimo modo per ottenere una cassetta delle lettere è esportare il film nelle proporzioni desiderate. Se vuoi che il tuo film venga visualizzato come 2:40:1, imposta la composizione nel tuo NLE con quelle impostazioni, quindi esporta il tuo film finito allo stesso modo.
A seconda di dove verrà visualizzato il tuo film, le cassette delle lettere verranno aggiunte automaticamente in base al tuo spettatore.
Modelli di cassette delle lettere
Un altro ottimo modo per aggiungere cassette delle lettere al tuo film è utilizzare semplicemente i modelli di cassette delle lettere. Si tratta essenzialmente di immagini della cassetta delle lettere (barre nere) che puoi semplicemente trascinare e rilasciare sopra il filmato. Facile. Queste fantastiche cassette delle lettere gratuite sono basate su film iconici come The Revenant e The Hateful Eight .
Ora tieni presente che il metodo che usi dovrebbe essere basato su quello che è il tuo progetto. Novantanove volte su cento, nessuno noterà o si preoccuperà del metodo che utilizzi, ma in alcune circostanze, il luogo in cui viene proiettato il tuo film avrà un impatto sul modo in cui viene visualizzato.
4. Profondità di campo ridotta
Avere una profondità di campo ridotta è quando il soggetto è a fuoco e il primo piano e lo sfondo dello scatto sono sfocati. Questo crea il bokeh, la qualità estetica della sfocatura nelle aree sfocate dello scatto.
Per ottenere una profondità di campo ridotta, si desidera utilizzare un obiettivo con un f-stop basso. Più basso è l'f-stop, minore sarà l'area a fuoco. Qualsiasi valore inferiore a f2.8 ti darà un bokeh decente, ma f1.8 o inferiore sarà davvero fantastico.
Tieni presente che più basso è l'f-stop, più difficile sarà mantenere il soggetto a fuoco. Esercitati con un f-stop più alto, quindi scendi nel tempo man mano che diventi migliore.
Le lenti Prime sono perfette per questo. Gli obiettivi a focale fissa lasciano entrare più luce rispetto agli obiettivi zoom, sono generalmente migliori per le riprese in condizioni di scarsa illuminazione e offrono molti altri vantaggi per i registi.
Un obiettivo a focale fissa da 50 mm f1.8, o un elegante cinquanta, è perfetto per le riprese con una profondità di campo ridotta e dovrebbe probabilmente essere il primo obiettivo nell'arsenale di qualsiasi nuovo regista. Inoltre, è economico.
Un'altra cosa da tenere a mente è che probabilmente non vuoi una profondità di campo ridotta tutto il tempo. Ad esempio, negli scatti grandangolari o in cose come riprese aeree o paesaggi, probabilmente vorrai avere tutto a fuoco, quindi in queste circostanze è generalmente meglio scattare con un f-stop più alto.
Un altro grande vantaggio dello scatto con una profondità di campo ridotta è che può aiutare a nascondere i luoghi di ripresa non ottimali. Se lo sfondo è sfocato, è meno probabile che le persone notino che si tratta del seminterrato di tua nonna.
5. Tracciamento lento
Una carrellata è qualsiasi ripresa in cui la fotocamera si sposta in avanti, indietro o accanto al soggetto. Pensa alla fotocamera come se fosse su binari, cosa che spesso viene eseguita per ottenere riprese di rilevamento su pellicola.
Le carrellate lente e perfettamente fluide sono in genere associate a un aspetto cinematografico. Possono aiutarti a creare facilmente tensione, dare allo spettatore un senso di meraviglia o timore reverenziale e possono creare un sacco di interesse visivo.
Non hai bisogno di un carrello, binari, uno slider o un gimbal per ottenerli. Puoi usare il palmare, ma se lo fai, quasi sicuramente vorrai usare...
6. Stabilizzazione della curvatura
La stabilizzazione Warp è un effetto che aiuta a smussare i filmati mossi in post. Se utilizzi Adobe Premiere o After Effects, lo stabilizzatore di curvatura è già integrato. In caso contrario, è probabile che una versione della stabilizzazione della curvatura sia già all'interno del tuo programma di editing e sono disponibili anche software e plug-in di stabilizzazione di terze parti.
Non fare affidamento sullo stabilizzatore di curvatura. È quasi sempre meglio ottenere lo scatto che desideri con la fotocamera, ma quando sei a corto di attrezzatura, denaro e tempo, non è sempre possibile.
7. Gimbali
Se hai i soldi per un gimbal, è un ottimo investimento. Un gimbal è fondamentalmente uno stabilizzatore della fotocamera portatile o montato progettato per aiutarti a ottenere scatti cinematografici fluidi e senza sforzo.
La differenza tra uno scatto a mano tremolante e uno stabile e fluido è la notte e il giorno e può aggiungere molti livelli di valore di produzione al tuo lavoro.
In effetti, oltre a una fotocamera, obiettivi e un treppiede, un gimbal potrebbe essere il miglior denaro che puoi spendere per l'attrezzatura fotografica.
8. Antenne
Mai prima d'ora nella storia le riprese aeree sono state accessibili ai registi indipendenti. Solo un decennio fa dovevi letteralmente noleggiare un elicottero per fare riprese aeree.
I tempi sono cambiati.
Ora, quasi tutti i droni disponibili in commercio possono aiutarti a ottenere riprese aeree mozzafiato per i tuoi film.
Le antenne sono perfette per stabilire le riprese. Quando il soggetto si reca in una nuova città o luogo, una bella antenna può aiutare a impostare il tono e l'atmosfera delle scene a venire mentre mostra questo nuovo ambiente.
Quasi tutti i film di successo li usano per creare nuove ambientazioni, ma le riprese aeree sono perfette anche per film di viaggio, documentari sulla natura e, naturalmente, sport d'azione.
9. Rallentatore
Tutto sembra migliore al rallentatore. Un grido a Dave Chappelle.
L'unico problema con il rallentatore è che è facile lasciarsi trasportare. Poiché anche le azioni più banali sembrano incredibili al rallentatore, diventa irresistibile iniziare a girare tutto in quel modo fino al punto in cui ciò che stai girando non serve più alla storia.
Ricorda, prima la storia.
Se vuoi scattare al rallentatore, devi solo scattare con una frequenza fotogrammi più elevata. La maggior parte dei film viene girata a 24 fps, che in genere associamo a quell'aspetto cinematografico.
Per il rallentatore, scatta a qualcosa come 60 fps, quindi convertilo a 24 fps in post. In questo modo il filmato verrà riprodotto a una velocità leggermente inferiore alla metà. Maggiore è la frequenza dei fotogrammi, più lenta sarà la riproduzione a 24 fps.
10. Gestisci i momenti salienti
I momenti salienti esplosi sono una grande tragedia che colpisce molti registi alle prime armi. È essenzialmente quando le parti luminose della scena perdono tutti i dettagli fino a diventare completamente bianche.
Succede spesso con fotocamere economiche o quando riprendi scene luminose senza esporre correttamente o utilizzando filtri UV. Fare queste due cose bene, però, renderà le luci spente un ricordo del passato.
Esposizione corretta
Dovresti sempre cercare di esporre correttamente i tuoi scatti, anche quando le alte luci spente non sono un problema. L'esposizione consiste nel bilanciare la frequenza dei fotogrammi (in genere 24 fps se stai girando per un aspetto cinematografico), la velocità dell'otturatore (di solito circa il doppio della frequenza dei fotogrammi; 1/50 se stai scattando a 24 fps), l'ISO e l'illuminazione.
Questo video lo scomporrà per te così non dovrai mai più essere all'oscuro. Boom... gioco di parole.
Filtri UV
I filtri UV ti salveranno la vita. Non proprio. Ma ti aiuteranno a non far esplodere i punti salienti nei tuoi scatti.
Un filtro UV è fondamentalmente un piccolo obiettivo (per così dire) che si avvita all'estremità dell'obiettivo della fotocamera per uniformare l'illuminazione durante lo scatto.
In un certo senso, riduce le alte luci per essere più vicine alle aree più scure degli scatti, filtrando parte della luce che arriva al sensore della fotocamera.
11. Scatti ampi
Quando si pensa all'epica, la maggior parte delle persone immagina inquadrature vaste e ampi. La telecamera gira sul precipizio di un'enorme cascata mentre uno stormo di gru scivola sulle tettoie sottostanti.
O qualunque cosa.
Questi tipi di riprese aggiungeranno ancora più valore di produzione ai tuoi film. Ancora una volta, i droni sono perfetti per questi. Possono mostrare la portata e le dimensioni di un particolare ambiente in un modo difficile da eseguire sparando da terra.
Quando stai ottenendo scatti ampi, fai solo attenzione a non muovere la fotocamera troppo velocemente. Lo spettatore deve essere in grado di vedere chiaramente cosa sta succedendo affinché questi scatti abbiano l'effetto desiderato.
12. Grana della pellicola
Un altro modo sorprendente per rendere il tuo film più cinematografico è aggiungere la grana della pellicola.
La grana della pellicola è solo la grana o la granularità creata naturalmente durante le riprese con pellicola elaborata.
Le fotocamere digitali ovviamente non hanno la grana della pellicola, quindi se vuoi ottenere l'aspetto, l'opzione migliore è ottenere le sovrapposizioni della grana della pellicola.
Cinetic Studios ne ha alcuni gratuitamente, ma se vuoi davvero diventare sbarazzino, Holygrain ne crea di belli che daranno sicuramente ai tuoi film una qualità estetica e strutturata.
13. Illuminazione
L'illuminazione è, beh... l'illuminazione. Non ho intenzione di mentirti. L'illuminazione è noiosa... ma è importante.
Saresti sorpreso di quanta luce possa influenzare l'aspetto e lo stile di uno scatto. La stessa scena può essere illuminata in dieci modi diversi, ognuno con un impatto drammatico sull'umore, la sensazione, l'aspetto e l'atmosfera del prodotto finito.
Puoi scattare con l'illuminazione disponibile, come Emmanuel Lubezki in The Revenant, oppure puoi scattare con un'illuminazione stilizzata come Nicolas Winding Refn in... beh, tutto ciò che fa Nicolas Winding Refn.
14. Riflessi lenti
Come la grana della pellicola, i riflessi dell'obiettivo erano un fenomeno creato dalle riprese con attrezzature difettose che ora è diventato un'estetica visiva che molti registi ora emulano intenzionalmente nel loro lavoro.
Un lens flare è solo un artefatto visivo creato dalla luce che rimbalza all'interno dell'obiettivo di una fotocamera per creare un "bagliore" sul film o sul video che viene registrato.
Puoi comunque creare bagliori dell'obiettivo nella maggior parte degli obiettivi moderni illuminando o riflettendo le luci nella fotocamera o scattando in una fonte di luce intensa come il sole (assicurati di utilizzare la protezione UV per non danneggiare il sensore).
La maggior parte degli obiettivi che vengono prodotti al giorno d'oggi, tuttavia, sono progettati per evitare inutili bagliori, quindi se vuoi davvero ottenere l'aspetto, prendi un obiettivo più vecchio o usa riflessi o sovrapposizioni digitali.
Video Copilot vende un fantastico plug-in per Adobe After Effects chiamato Optical Flares, che è stato persino utilizzato nei film dallo stesso re dei lens flare, J.J. Abram.
15. Anamorfico
Parlando di J.J. Abrams, se hai visto qualcuno dei suoi film, noterai che tendono ad avere uno stile particolare. Super 8 e Star Trek i film in particolare hanno un aspetto anamorfico distinto che stilisticamente rende omaggio ai film di Steven Spielberg degli anni '80.
L'aspetto anamorfico è tipicamente associato a lunghi bagliori orizzontali dell'obiettivo, aberrazione cromatica e vignettatura intorno all'esterno dell'immagine e una distorsione in cui i bordi dell'inquadratura sembrano più compressi.
Ciò fa sì che le linee rette in una ripresa sembrino curvarsi magnificamente quando raggiungono i bordi esterni dell'inquadratura.
E hanno un bell'aspetto.
Se vuoi ottenere un aspetto simile ispirato all'anamorfico, ma non puoi permetterti di scattare con obiettivi anamorfici, puoi emulare l'aspetto in post. Questo tutorial analizza i diversi elementi e come crearli.
16. Riduzione del rumore
Il rumore è la rovina dell'esistenza del regista indipendente. È quella roba sgranata e disordinata che in genere si mostra nelle aree più scure dello scatto e di solito viene creata quando non raggiunge abbastanza luce il sensore della fotocamera.
Se hai un'ottima illuminazione ed esponi correttamente i tuoi scatti, o se la tua fotocamera funziona davvero bene in situazioni di scarsa illuminazione come la Sony a7s II, probabilmente non sarà un grosso problema.
Ma non è sempre così.
Se hai bisogno di rimuovere il rumore nei tuoi scatti, puoi farlo in un modo o nell'altro con un plug-in come Neat Video. Neat Video è un plug-in per la riduzione del rumore disponibile per quasi tutti gli NLE che puoi immaginare e funziona abbastanza bene.
Tuttavia, non è perfetto e la riduzione del rumore ha un costo. Può distorcere i dettagli del filmato e creare un'immagine meno attraente in qualche modo, ma a volte vale la pena pagare per rimuovere il rumore indesiderato.
17. Slider/Carrelli
Mentre i gimbal sono il nuovo re del movimento della fotocamera e i droni dominano i cieli, gli slider e i carrelli hanno ancora il loro posto.
Un dispositivo di scorrimento è fondamentalmente un aggeggio che consente alla tua fotocamera di "scivolare" su di esso manualmente o automaticamente.
Un carrello è praticamente qualsiasi cosa su cui la tua fotocamera si trovi su cui gira.
Entrambi sono fantastici. Entrambi hanno un prezzo che va da "sporco a buon mercato" a "perché lo stai comprando"? Entrambi possono aiutarti a ottenere bellissime riprese cinematografiche.
18. Transizioni
Una transizione è ogni volta che uno scatto entra in un altro. Questo può essere semplice come un taglio di base, a qualcosa di complicato come l'intero video:
Le transizioni stilizzate sono perfette per i registi di viaggio in cui l'intero concetto riguarda in genere la messa in mostra di luoghi in modi nuovi o spettacolari, ma vengono utilizzati in ogni aspetto del cinema e possono aiutare ad aumentare istantaneamente il valore di produzione percepito del tuo lavoro.
Le transizioni nella fotocamera si verificano quando scatti per creare un effetto di transizione nella fotocamera.
Puoi anche scaricare transizioni che puoi utilizzare nei post che hai già creato per te.
Essere molto attenti. Un uso eccessivo può essere estremamente dannoso per un film, quindi ecco alcune buone linee guida da seguire.
Prima la storia
In generale, vuoi sempre concentrarti sul raccontare la storia migliore e fare in modo che tutto ciò che fai accentui e lavori per quell'obiettivo.
Non abusare
Può essere allettante inserire quante più transizioni possibile nel tuo progetto. Fai attenzione a non abusarne o abusarne, per non diminuire anche il loro impatto.
Rimani coerente
Se un colpo va da sinistra a destra, il successivo probabilmente sembrerebbe migliore andando da sinistra a destra, e anche la transizione. Usa le tue transizioni per guidare lo sguardo dello spettatore e aggiungere interesse visivo senza rovinare l'aspetto estetico.
19. Movimento della telecamera simulato
A volte semplicemente non hai un gimbal, cursori o carrelli, specialmente quando hai appena iniziato. Un ottimo trucco per aggiungere un po' di dinamicità a uno scatto con treppiede altrimenti noioso consiste nell'aggiungere il movimento simulato della fotocamera in post.
Il trucco qui è essere sottili. I movimenti estremi della fotocamera negli scatti con il treppiede in post tendono a sembrare falsi perché i diversi elementi nello scatto non si parallasse correttamente (si incrociano uno davanti o dietro l'altro) come farebbero con il movimento reale della fotocamera.
È possibile eseguire lo zoom o il monitoraggio degli scatti in avanti e indietro semplicemente inquadrando la scala dello scatto nell'NLE. Ad esempio, se la scala all'inizio dello scatto è "100", imposta un fotogramma chiave.
Quindi vai alla fine del tuo scatto e cambia la scala su "102", che dovrebbe impostare automaticamente un altro fotogramma chiave. Una volta riprodotto, dovrebbe dare l'illusione che la fotocamera stia inseguendo o ingrandindo lentamente.
È possibile eseguire scatti panoramici o inclinati inquadrando la posizione dello scatto nello stesso modo. Aumenta anche la scala del tuo tiro in modo che non venga tagliato ai lati, in alto o in basso mentre si muove.
Come ottenere l'aspetto del film – In conclusione
I migliori registi non solo hanno una grande visione nella loro testa, sono in grado di ottenere la migliore rappresentazione di quella visione sullo schermo per farla vedere agli altri.
Speriamo che questo post ti aiuti a farlo.
Aggiungilo ai preferiti, consultalo spesso e, se conosci qualcuno che ha iniziato a fare cinema, si spera che questo articolo possa aiutare anche lui.