Quando si tratta di una produzione sonora di qualità, ottieni quello per cui paghi. Ecco alcune informazioni su come assicurarti che il tuo suono sia pienamente al servizio della tua storia.
Siamo andati da James Parnell, Sound Editorial/Re-Recording Mixer di progetti di alto profilo come Get Out (Universale/Blumhouse), Chiaro di luna (A24), La nebbia (Netflix/Spike) e Buon giorno della morte (Universal/Blumhouse) per alcune best practice per migliorare il flusso di lavoro sonoro di post-produzione.
L'argomento è grande e Parnell è andato nei dettagli, approfondendo i suggerimenti dei professionisti per ogni aspetto della produzione del suono di qualità:
E Parnell dovrebbe saperlo. È membro della Motion Picture Editors Guild Local 700, della Motion Picture Sound Editors (MPSE), della Cinema Audio Society (CAS) e della Audio Engineering Society (AES).
Quindi ecco il consiglio generale di Parnell orientato ad aiutare l'aspirante supervisore del suono e il mixer per la ri-registrazione a farsi strada attraverso il processo del suono di post-produzione.
1. Ascolta con intenzione
Il primo passo in ogni viaggio sonoro di post-produzione di solito inizia con la sessione di avvistamento . Questa è in genere la prima volta che il team del suono vede il film. È anche la prima volta che il regista si siede con il suo team audio e discute le idee sonore per il film. Una delle cose più utili che un supervisore o un editore del suono può fare da solo è ascoltare con intenzione . Sì, il mix grezzo è pessimo. Sì, gli editori hanno schiaffeggiato una singola traccia di "grilli notturni" su ogni scena notturna e gli stessi uccelli su ogni esterno diurno. Sì, hanno usato quella traccia musicale in vetta alle classifiche che non potranno mai pagare per la licenza. Tu (noi) dobbiamo essere in grado di ascoltare attraverso questo e ascoltare ciò che stanno cercando di illuminare nella storia attraverso il suono.
Sembra un gioco da ragazzi, ma si possono perdere così tante sfumature guardando il film e ascoltando solo la qualità mancante nella traccia temporanea che gli editori hanno messo insieme. Invece, devi ascoltare come il regista sta cercando di raccontare la storia attraverso il suono e dove ci sono opportunità per migliorare le emozioni di una scena anziché semplicemente "aggiustare" il suono scadente.
2. Scegli la tua tavolozza
Ci sono indicatori evidenti qui. Se stai tagliando un western, utilizzerai suoni specifici (revolver non pistole, cavalli non macchine), ma che tipo di western vuoi sentire? C'è un mondo di differenza tra l'estetica di Django:Unchained e The Reven formica . Allo stesso modo, c'è un mondo di differenze nell'estetica di Blade Runner 2049 e Rapporto di minoranza — ma entrambi sono film di fantascienza.
Una squadra otterrà una direzione chiara da una sessione di spotting, ma il compito di dare forma all'estetica di un film ricade sulle spalle del supervisore del suono e della sua capacità di comunicare con le redazioni del suono (dialoghi, musica, effetti sonori, sound design, sfondi e foley). Gli editori devono usare la loro creatività per realizzare la visione del regista e onorare l'estetica sonora che il team ha sviluppato insieme.
3. Non ingombrare il paesaggio sonoro
Diciamolo di nuovo:il suono dovrebbe servire alla storia. Il famoso produttore musicale Rick Rubin è stato premiato per il suo processo di "produzione per riduzione". Se un suono non sta servendo una canzone, non è necessario che sia nella canzone. Simile alla musica, il paesaggio sonoro di un film può facilmente diventare disordinato.
Una volta ho sentito un famoso sound designer di Hollywood dire "all'aumentare della densità del suono, la chiarezza del suono diminuisce". Nelle grandi scene di battaglia o negli inseguimenti in macchina, c'è la tentazione di buttare tutto e la cucina affonda nel tuo mix. Rivisita film come Salvare il soldato Ryan , Scomparso in 60 secondi, Black Hawk a terra , Solo. Tutti questi film dimostrano un'editoria sonora focalizzata e un uso finemente sintonizzato di una tecnica chiamata "mixing prospettico". Presta molta attenzione a quanto motore, quanti proiettili e quanti suoni esterni senti mentre sei all'interno di un veicolo o sul campo di battaglia con i personaggi principali, specialmente durante i dialoghi. Scoprirai spesso che è molto meno di quanto percepisci di sentire.
Con queste ampie mosse di automazione del volume, un mixer per la ri-registrazione può concentrare le orecchie dell'ascoltatore esattamente su ciò che il regista vuole che ascolti:la storia. Un film è una raccolta e una miscela di talento. Ogni dipartimento sta lavorando per servire la storia che viene raccontata. La storia è la cosa più importante in un film. Se ritieni che il paesaggio sonoro di una scena sia troppo frenetico, prova a concentrare la tua attenzione sugli elementi della storia all'interno di quella scena. La soluzione potrebbe essere quella di avere meno suoni.
4. Arte contro tecnologia
Quando si tratta di mixare il suono di un film, l'artigianato è in gran parte considerato una forma d'arte. Anche se questo è vero, è anche una specialità altamente tecnica. Una conoscenza forense delle capacità di ogni consolle di missaggio è tanto un'arte quanto il missaggio stesso. Indipendentemente dal fatto che il flusso di lavoro di missaggio utilizzi apparecchiature esterne, è necessario comprendere più dei semplici principi alla base della compressione e dell'equalizzazione.
È fondamentale dedicare innumerevoli ore al missaggio dei dialoghi, alla comprensione dell'headroom e all'apprendimento del volume percepito e della localizzazione del suono. Ancora più importante, è fondamentale leggere quei noiosi manuali utente che spesso sono lunghi centinaia di pagine. La vera comprensione della tecnologia alla base del missaggio/editoriale del suono consente una completa libertà di espressione durante il missaggio/modifica del suono. Non ci sono preimpostazioni magiche e solo perché un approccio ha funzionato per un film, potrebbe non funzionare affatto per un altro film, anche uno dello stesso genere.
5. Mantenere un film sui binari e comprendere i limiti
Portare un film attraverso le fasi della post-produzione del suono può essere difficile, in quanto il processo non è mai lo stesso da film a film o da programma TV a programma TV. Un certo numero di cose può influenzare il programma di post-produzione e mettere in secondo piano determinati processi per mesi. Qualcosa di semplice come la disponibilità dell'attore/attrice può ritardare le sessioni di registrazione ADR, le modifiche finalizzate ai dialoghi e persino i mix temporanei. Quando tracciate il vostro percorso attraverso questo labirinto, è importante ricordare il triangolo di tempo, costo e qualità.
Troppo spesso in post-produzione, montatori del suono e mixer sono spinti a lavorare per giornate estremamente lunghe e persino a dedicare il loro tempo volontariamente perché il lavoro che fanno è visto come la loro passione piuttosto che la loro carriera. Soprattutto quando lavori su film indipendenti, devi ricordare quanto segue:se vuoi un prodotto di qualità fatto rapidamente, ti costerà. Se vuoi qualcosa di economico che abbia qualità, dovrai aspettarlo. Se vuoi fare qualcosa in modo rapido ed economico, la qualità ne risentirà.
Ci sono modi per garantire che il suono di un film sia gestito diligentemente, pur rispettando un budget limitato. Questo spesso deriva da una discussione trasparente all'inizio del progetto sulle aspettative di un regista rispetto alla realtà del budget/programma. Avere questa discussione è difficile ma necessario. Se non ci sono soldi nel budget per un gruppo in loop, e il regista ne è consapevole, non si presenteranno nei giorni del mix aspettandosi di ascoltare un lavoro dettagliato della folla e reazioni personalizzate durante scene specifiche. Se il programma non consente tutti i giorni di mix necessari, le priorità del team di mix e del supervisore del suono cambiano per adattarsi.
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Immagine di copertina tramite Fusionstudio.