Finn O'Hara è un fotografo affermato che, nonostante l'insicurezza e l'esitazione che spesso aleggiano in una mente creativa, ha fatto un grande salto nella regia cinematografica. In effetti, è stato il suo lavoro fotografico a spingerlo per primo a raccontare storie in dimensioni più ampie. Che si tratti di un film o di un live-action, il lavoro di O'Hara è altamente cinematografico e incentrato sulla narrativa, guidato costantemente dall'intuizione artistica e da un "occhio creativo".
La fotografia di O'Hara è stata pubblicata in pubblicazioni nazionali e globali, tra cui Esquire e Vogue India , e ha anche diretto spot pubblicitari e cortometraggi per grandi giocatori come Budweiser e Sport Chek. Abbiamo avuto l'opportunità di parlare con O'Hara di trovare la propria "fiducia creativa", il potere di una comunicazione aperta e di essere fluidi durante tutto il processo creativo.
Shutterstock:è il 2014 e ti sei affermato come obiettivo di riferimento per i principali marchi globali e punti vendita di spicco come Esquire e Il New York Times — qual è stato fondamentale per il tuo successo?
Finn O'Hara: Esperienza di vita. Sono arrivato alla fotografia più tardi nella mia vita, verso la fine degli anni '20, e faceva parte di una ristrutturazione generale della mia vita in quanto, semplicemente, non volevo vivere la vita con rimpianti. Ho molto ammirato ed ero infatuato della fotografia. Volevo smettere di fantasticare sull'essere un fotografo e mettere in gioco le cose. Volevo iniziare a scattare, quindi ho iniziato a chiedere.
Quello che sono stato in grado di portare alle mie fotografie è stata una comprensione più generale di come funzionavano le cose. Ho viaggiato, mi sono spostato e ho potuto dare un background più maturo al mio obiettivo. Questo ha aiutato. Ho dovuto iniziare subito a commercializzare me stesso e a capirlo fin dall'inizio.
Come creativo, cosa è importante considerare quando si rappresenta un marchio?
Devi tirartene fuori. Penso che quando lavori con un marchio, stai davvero lavorando con una celebrità; è simile nel senso che stai lavorando con un'identità gestita. Devi solo esserne molto consapevole per tutto il tempo. Non si tratta di te, in realtà si tratta solo di loro. Quindi quello che stai portando a quel marchio o a quell'individuo è davvero un senso dello stile e un senso di comprensione di come vogliono essere ritratti e come vuoi ritrarli, e mantenere un dialogo molto aperto su questo. Capire qual è il loro piano e capire come puoi servirlo è la chiave più importante.
Come decidi, artisticamente, quale messaggio trasmettere e come trasmetterlo?
Quando si tratta di marchi, hanno un'idea molto specifica di ciò che vogliono. Non ho troppi marchi che dicono "Non lo sappiamo, puoi aiutarci?" Sono molto fortunato a poter lavorare con alcuni grandi marchi che hanno un'idea molto chiara di come gli piace essere ritratti. Quindi, davvero, si tratta di prendere tutti quei pezzi e dargli una lente molto specifica. Nella fotografia, stai ritagliando così tanto e ti stai davvero concentrando.
C'è molta fiducia coinvolta. A volte devi essere molto espressivo nel modo in cui lo tratterai, il che viene fatto attraverso processi, documentazione e riunioni di pre-produzione. Questo generalmente aiuta a individuare i punti artistici. Non vuoi che siano confusi su come apparirà, quindi spiegarlo in dettaglio, sia attraverso parole o immagini, al meglio delle tue capacità, è il modo migliore per evitarlo.
Molte persone possono imparare le tecniche fotografiche e i trucchi del mestiere, ma è l'intuizione e la comprensione dei segnali visivi che rendono un grande fotografo?
Per me direi di sì. Dopo una profonda riflessione, penso che sia una consapevolezza che sono stato un osservatore per tutta la mia vita e la fotografia mi ha permesso di agire in base a questo - di essere un osservatore acuto e molto dettagliato. Attraverso l'esercizio e l'adozione della fotografia, e andando in angoli bui e uscendo con le immagini, ricevendo la fiducia dei compiti, ho sviluppato fiducia creativa. È un modo molto commerciale per parlare di creatività, ma essenzialmente è quello che è:una combinazione di fiducia creativa e risoluzione dei problemi.
Quando sei passato alla regia di spot pubblicitari e cortometraggi, hai detto che la tua fotografia ti ha aiutato a fare il salto. In che modo essere un fotografo ti ha preparato per il ruolo?
La regia è come gli scacchi 3D; questo è l'unico modo in cui posso descriverlo. Coinvolge molti più livelli di linguaggio visivo. È divertente, perché mi sono ritrovato a creare fotografie che avessero una narrazione e volevo che la narrazione fosse quella che l'osservatore o lo spettatore doveva esplorare un po'. Mi sono ritrovato a sviluppare queste narrazioni e poi si è accesa una piccola lampadina. Ho pensato:“Sai, questo è il film. Ecco cos'è l'azione dal vivo."
È stato lo stesso con la regia. Non sono andato a scuola per quello, ma con un buon tutoraggio e un po' di incoraggiamento, improvvisamente è stato qualcosa che ho iniziato a esercitare. L'analogia migliore è che era come essere fuori forma e pensare:"Non c'è modo che io possa farlo". E ci vuole tempo per esplorare, ma nel tempo, e con concentrazione e buone abitudini lavorative, si sviluppa.
Hai anche descritto i tuoi metodi cinematografici e fotografici come "un processo grezzo e in continuo miglioramento". Puoi approfondire cosa intendi?
"Raw", nel senso che non sono mai completamente impegnato in un modo per scattare un'immagine; "grezzo", nel senso che i miei concetti sono completamente manipolativi o trasformativi. Quando ricevo un incarico, ho una buona idea di cosa mi piacerebbe fare, ma a volte quando ci arrivo, le mie idee si trasformano. L'idea potrebbe non funzionare in quell'ambiente specifico.
Vedo molti modi per risolvere un problema creativo e molti modi per fornire immagini e lavori dal vivo, ma mi piace essere aperto e non credo che ci sia un lasso di tempo in cui devo decidere una direzione creativa. Mi sono reso conto che va bene essere aperti a quante più idee e tecniche possibili.
Per chi desidera passare dall'essere un fotografo all'essere un regista, cosa è fondamentale tenere a mente?
Penso che una delle difficoltà più grandi che ho avuto sia stata quella di non aver compreso appieno il lavoro. Ho pensato che l'idea del regista fosse molto bella, ma non avevo idea di quale fosse davvero il lavoro. E nessuno è stato molto esplicito con l'idea fino a quando non ho incontrato (produttore esecutivo) Geoff Cornish alla Suneeva. È stata una conversazione molto più lenta con una visione che guardava all'orizzonte, piuttosto che ciò che stava accadendo proprio davanti alla tua faccia o con dieci minuti di anticipo.
Capire il lavoro, per me, era fondamentale a quel punto. Capire quale fosse la parte quotidiana del lavoro. La parte più importante è davvero capire come creare qualcosa di avvincente. Comprendere la "pubblicità di 30 secondi" e distillarla per quello che è mi ha aiutato molto a capire la narrazione in forma breve. Per me era fondamentale ampliare la dimensione narrativa che stavo già facendo in fotografia, ma che ora potevo andare oltre. Questa è stata la sfida più grande nel fare il salto nella regia.
Esplora di più del lavoro di Finn O'Hara sul suo sito Web all'indirizzo finnohara.com.