Padroneggiare la produzione musicale ibrida:combinare strumenti dal vivo e virtuali

Gli strumenti virtuali sono fantastici. Non si può discutere i vantaggi di avere una cornucopia virtuale di campioni di batteria e librerie orchestrali a portata di mano quando si crea una demo o si arrangia musica. Pochissimi di noi hanno la fortuna di avere accesso a musicisti professionisti, attrezzatura di prima qualità, uno spazio insonorizzato di qualità per registrare o il budget per registrare ogni strumento dal vivo, anche se ci sono modi per allestire uno studio di registrazione casalingo con un budget limitato. 

L’uso di strumenti virtuali non è certamente una novità:studi di progetto più piccoli e artisti autonomi sono ovunque e l’accesso a una grande collezione di strumenti e biblioteche digitali è ora accessibile. E hanno anche un suono più realistico che mai.

Ma gli arrangiamenti delle canzoni che dipendono esclusivamente da loro possono spesso avere un piccolo problema:una qualità rigida o senz’anima, una sensazione statica, una mancanza di umanità presente in un’esibizione dal vivo. Riesci a sentire la differenza nelle tue canzoni preferite tra le sezioni di musica create dalla strumentazione virtuale rispetto a quelle dal vivo? Forse no. Ciò dipende anche da molti fattori come ad esempio un orecchio allenato o la familiarità di particolari strumenti coinvolti. Potresti non sentire immediatamente le differenze di tono, ma le nostre orecchie sono inconsciamente attratte dalle sottili sfumature della cosa reale, dall'aspetto della performance, dai piccoli dettagli, dall'aria e dai gesti. Ecco perché un uso strategico degli strumenti sia virtuali che live è una formula vincente per l'arrangiamento.

La batteria è stata uno dei primi strumenti a diventare virtuale. Anche un orecchio inesperto può identificare una solida drum machine degli anni ’80 in una canzone. Oggi, una traccia di batteria virtuale ben realizzata è spesso indistinguibile da una registrazione dal vivo, soprattutto se suonata con bacchette e pad su una batteria elettrica. Ciò lascia spazio alla variazione tonale e alla dinamica naturale. E se l'esecuzione non è esatta, hai la possibilità di quantizzarla alla perfezione, se lo desideri, un suono fondamentale in molti generi.

Ma cosa succede se usi un loop di batteria campionato meticolosamente quantizzato, perfezionato su una griglia, usando il kit virtuale dei tuoi sogni, e qualcosa sembra ancora freddo? Perché non dargli un po' di vita? Prova a sovraincidere alcuni svolazzi di piatti dal vivo. Questo può essere un movimento efficace, soprattutto quando si entra e si esce da una sezione, poiché aggiunge un po' di scioltezza virtuale del polso e una sensazione naturale al ritmo generale. Lo stile personale di un batterista spesso dipende dall'uso sottile e attento dei piatti:a volte sono dei forti battitori, o forse una canzone li incoraggia a usare manipolazioni e dinamiche tonali, oppure creano tensione quando si trattengono. Il modo in cui sono realizzati fa un'enorme differenza per una registrazione. C'è molto di più nel tenere il tempo.

I suoni del charleston virtuale sono spesso considerati un'area più debole nel progresso della batteria digitale. Spesso la qualità dei dettagli fini dei piatti è carente, quindi avere un batterista dal vivo che sostituisce gli hi-hat virtuali per una sensazione più sfumata potrebbe rendere la tua canzone più viva. Anche il piede sinistro del batterista esprime la sua espressione nell'uso dell'hi-hat. L'apertura e la chiusura incrementali dei piatti aggiungono una sensazione di spinta e trazione alla canzone, provocando rispettivamente una sensazione trascinante o rilassata. 

Le percussioni ausiliarie sono un'altra area di miglioramento virtuale. Fortunatamente non è troppo difficile registrare dal vivo. Prova a scegliere veri tamburelli, maracas, shaker o strumenti a percussione trovati per aggiungere un elemento unico e naturale al tuo pezzo.

Oppure chiedi a tutti in studio di aggiungere battiti di mani. Meno è spesso di più in questo tipo di situazioni, quindi non è sempre necessario trascorrere giorni del tuo tempo in studio a frugare nella scatola delle percussioni. E ricorda che questi strumenti non devono sempre essere utilizzati in modo intrusivo, cosa di cui spesso sono in pericolo. Possono essere utilizzati in modo economico, sepolti nel mix o accanto alle parti ritmiche principali per aggiungere contorni dinamici. Oppure vai avanti, inseriscili ad alta voce nel tuo mix e fai una dichiarazione audace.

Infine, su quale elemento si può contare che venga eseguito da un essere umano? La voce ovviamente, anche se molti ooh e ahh sentiamo che le voci del coro di sottofondo vengono sicuramente dirottate dal dominio virtuale ogni giorno. Inconsciamente ci piacciono le imperfezioni della voce umana, quindi fai attenzione al desiderio di meccanizzarle eccessivamente, soprattutto se è l'unica parte dal vivo nel tuo arrangiamento altrimenti virtuale. Questa potrebbe essere la sezione importante che fa venire i brividi, aggiunge drammaticità o vera emozione alla canzone. Anche le tracce più programmate trarranno vantaggio dalla personalizzazione di un cantante e dei suoi gesti vocali, a volte fondendosi magnificamente (si pensi al karaoke).

Naturalmente ci sono molti altri strumenti virtuali e dal vivo di cui non abbiamo parlato:chitarre, bassi, ottoni o strumenti a corda, grandi patch orchestrali. Ricorda che ogni aspetto dell'arrangiamento è una piccola parte dell'atmosfera generale, quindi presta particolare attenzione ai dettagli e concentrati su come funzionano insieme nel complesso. Forse il fattore sfuggente è nascosto nelle distinzioni, o forse è il riff audace che risalta.

Qualunque cosa sia, vuoi che le persone ricordino la tua canzone. La definizione di strumentazione di qualità è in continua evoluzione ed è soggettiva, quindi spero che mirerai a ciò che ti muove. Per quanto riguarda il tuo lavoro di mixaggio, la buona notizia è che l’ascoltatore medio non fa distinzioni tra ogni singola parte che compone il nostro brano musicale registrato. Invece sentono tutto nel suo insieme, o una “vibrazione”. Questa è la magia del mixaggio.

Sara Landeau

Sara è una chitarrista, bassista, batterista, educatrice, coordinatrice di programmi musicali, produttrice, ingegnere, direttrice musicale, cantautrice e artista che vive a New York.