Guardare film è un'aula di per sé, ma devi davvero avere gli strumenti giusti per diventare uno spettatore critico.
Tutti i bravi registi sono studenti di cinema. Divorano il film, osservando il modo in cui i loro coetanei hanno scelto di presentare la sceneggiatura:la scelta delle riprese, le transizioni, la musica e la forma. Per ottenere il massimo dalla visione di film e ottenere nuovi modi di girare scene e presentare idee, devi iniziare con gli elementi di base che costituiscono qualsiasi produzione cinematografica o video. In questa colonna esamineremo questi vari elementi e forniremo una semplice guida che puoi utilizzare per iniziare il tuo viaggio nell'aula di cinema.
Prima di iniziare
Per dare davvero a un film la tua totale attenzione critica, devi prendere le distanze e diventare uno spettatore totalmente obiettivo. Questo può essere difficile da fare, soprattutto se il film è ben fatto e ti trascina nella storia con personaggi a cui inizi a interessarti, catapultati in una situazione che sembra insormontabile. Scapperanno? Si innamoreranno? Trovare la risposta ti allontana dal tuo compito principale, che è quello di studiare i vari aspetti del film, in modo da poter crescere nel tuo cinema. C'è una soluzione molto semplice, anche se un po' dispendiosa in termini di tempo:guardare il film due volte, una per divertimento e una per studio. Presto sarai in grado di fare entrambe le cose contemporaneamente, anche se tende a ridurre il tuo godimento generale del film.
Quando guardi il film una seconda volta per studiarlo, scomponilo nelle sue varie scene, usa il rallentatore e l'avanzamento dei passi per attraversarlo e studia i punti di montaggio e le transizioni. Guarda come il movimento della scena scorre da un'azione all'altra. Prendi nota delle scelte di ripresa del regista, del blocco degli attori, delle luci del Direttore della Fotografia. Studia attentamente il film e trai da esso quante più nuove idee possibili.
Preparati per il tuo studio registrando i tuoi programmi e film preferiti su nastro o andando al negozio di video locale e noleggiando alcuni classici del cinema su DVD. Indipendentemente dal fatto che utilizzi video o DVD, potrai vedere come è stato creato il film scorrendolo fotogramma per fotogramma.
Il libro di testo del cinema
Come ogni buona classe, un film ha una serie di capitoli o elementi di facile comprensione. Quando Videomaker i redattori criticano un progetto video usando il loro processo Take 20, guardano all'illuminazione; editing, inclusi ritmo e continuità; audio:microfono, dialoghi, musica, effetti sonori, chiarezza e coerenza generali; storia; lavoro con la telecamera:composizione, uso delle angolazioni, scelta dell'inquadratura e direzione dello schermo; e, infine, gli effetti e la grafica. Durante tutto il processo, discutono e criticano le scelte del regista. Puoi usare lo stesso formato per recensire criticamente un film. Potresti anche aggiungere elementi come il design visivo, la recitazione e le tecniche generali di regia. Diamo un'occhiata a ciascuno di questi elementi.
La fotocamera
Quando guardi il lavoro di ripresa del film, devi prendere coscienza delle riprese delle diverse scene. La scena è stata girata a mano libera o Steadicam, su treppiede o carrello? Chiediti perché il regista ha scelto quel particolare tipo di supporto per la telecamera. Il movimento della telecamera corrispondeva allo stile e al tono della scena o era fonte di distrazione? Il movimento della telecamera aggiunge profondità e flusso a una scena, ma se il movimento è al ritmo o all'ora sbagliati o nello stile sbagliato, può distrarre molto. Non vorresti girare una scena d'amore soft con una fotocamera portatile molto traballante e in rapido movimento, e sicuramente non girerai un punto di vista soggettivo di persone che corrono per salvarsi la vita attraverso i boschi con una fotocamera a movimento lento montata su un carrello.
Dai un'occhiata seria alla composizione dello scatto. Il tiratore ha usato la regola dei terzi? C'è molto spazio per guardare e camminare? Le dimensioni delle inquadrature sono appropriate per il livello di coinvolgimento e di emozione? Molti nuovi registi e tiratori dimenticano le dimensioni delle riprese durante le riprese di un progetto. Ricorda sempre che maggiore è l'attaccamento emotivo che desideri nella scena, più stretta sarà l'inquadratura. Le riprese ampie sono meno emotive e più obiettive delle riprese ravvicinate.
Quali angoli di ripresa ha utilizzato il regista? L'angolazione della telecamera dice molto sul soggetto. Un'inquadratura dall'alto, guardando il soggetto dall'alto, fa sembrare il soggetto piccolo e insignificante, mentre un'inquadratura dal basso dà al soggetto un senso di potere e autorità. Spesso chiamiamo "angoli olandesi" le riprese con angoli laterali di circa 45 gradi e di solito dicono allo spettatore che le cose non vanno proprio bene nel mondo. L'uso di oggetti per inquadrare il soggetto e la combinazione di interessanti movimenti della fotocamera con angoli appropriati può aggiungere un'enorme potenza a una scena.
Infine, il regista ha mantenuto una buona regia e continuità nelle immagini? La direzione dello schermo è molto importante; consente al tuo pubblico di seguire l'azione senza perdersi. Seguire la regola dei 180 gradi e mantenere un buon senso del tempo e della continuità consente al tuo pubblico di entrare a far parte dell'azione e immergersi nell'esperienza cinematografica.
Illuminazione
L'illuminazione non solo ci consente di vedere l'azione, ma aiuta anche a definire l'atmosfera, l'ora e il luogo della scena. Osserva come il Direttore della Fotografia o il regista ha scelto di illuminare la scena. Le ombre e la luce migliorano la scena o ci sono punti scuri o luminosi che distraggono? Il bilanciamento del colore della luce è appropriato per la scena? La luce principale sembra provenire da una fonte naturale nella scena o è una luce misteriosa? Scorrere con attenzione la scena risponderà a queste domande e ti mostrerà i sottili cambiamenti che il regista ha apportato all'illuminazione durante le riprese in primo piano rispetto alle inquadrature lunghe. L'illuminazione è un'arte che dovrebbe migliorare la produzione. Ogni volta che guardi un nuovo film, le lezioni di illuminazione che trovi sono inestimabili per migliorare le tue capacità di illuminazione e il tuo design.
Modifica
Il ritmo dei montaggi, il posizionamento dei tagli e l'uso delle transizioni sono forse tra le lezioni più semplici e preziose che puoi imparare guardando un film classico. Guarda attentamente il film fotogramma per fotogramma e guarda dove l'editor ha posizionato il taglio tra due inquadrature. L'editor avrebbe potuto tagliare prima o poi? Perché ha scelto di fare il taglio in quel punto preciso? L'editor ha nascosto il taglio in una sequenza di azioni abbinata ben progettata?
Quando guardi un film sequenza per sequenza, inquadratura per inquadratura, potresti rimanere sorpreso dal numero di tagli che trovi. Un buon editor nasconde i tagli nelle sequenze d'azione abbinate ben riprese, tagliando sempre in movimento e mantenendo un flusso fluido da un'inquadratura all'altra. Questo flusso porta a un senso di continuità che rende credibile la scena e ragionevole il trascorrere del tempo. Osserva questo flusso e trai le sue lezioni alla prossima sessione di editing.
Audio
Sfortunatamente, i nuovi registi spesso trascurano l'audio. Quando studi film, ascolta l'audio senza guardare l'immagine. L'audio trasmette la storia e fornisce un'idea di ciò che sta accadendo? L'audio è pulito e coerente e mostra una buona gamma dinamica? Ci sono punti in cui l'audio è sovramodulato e sfocato? Il dialogo è chiaro e conciso?
Ora guarda il film con l'audio e l'immagine presenti. La musica funziona con l'immagine? Gli elementi sonori dei dialoghi e degli effetti suonano naturali nel paesaggio uditivo e corrispondono al paesaggio fisico? Guarda attentamente il film per cercare di determinare come il regista audio ha microfonato gli attori.
Una delle cose più difficili da fare nella produzione audio è creare un paesaggio acustico tridimensionale che corrisponda al livello e al tono dell'audio con lo spazio fisico in cui viene creato. Ad esempio, un microfono lav posizionato su un attore che vedi a distanza suonerà molto innaturale. Usa un fucile e posizionalo a una distanza dall'attore, in modo che la voce corrisponda alla distanza che vediamo. Questi non saranno uguali. Il microfono sarà molto più vicino all'attore di quanto potresti pensare. Per esercitarti sul posizionamento del microfono, scegli una scena preferita da un film e prova a duplicare il suono che senti.
Effetti e grafica
Effetti e grafica sono solo una piccola parte della maggior parte dei film. Guarda come il regista ha usato i titoli di testa per ritrarre l'atmosfera dei pezzi, oltre a dare credito al merito. Presta molta attenzione a tutti gli effetti speciali, sfogliali fotogramma per fotogramma per vedere come sono stati girati e cerca di identificare la tecnologia alla base. Se la ripresa è stata generata al computer, sembra reale e si adatta perfettamente alle sequenze di azione reale? Puoi dire quando il regista sta usando un matte painting, uno sfondo generato dal computer, una controfigura o un modello? Esaminando attentamente il film, puoi iniziare la tua formazione nel mondo degli effetti speciali.
Esame finale
La storia, ovviamente, è l'ultimo punto di studio per qualsiasi spettatore critico. La storia ha un personaggio a cui tieni e che si trova in una situazione da cui sarà difficile uscire? La recitazione e la regia funzionano con il personaggio e la storia, o sembrano in contrasto tra loro, attirando l'attenzione sul loro mestiere invece di migliorare la storia? Fai del tuo meglio per rimanere distaccato dalla storia e dai suoi personaggi, in modo da poter essere un osservatore obiettivo. Suddividi il video nei suoi elementi essenziali e goditi le scoperte che farai entrando nella videoclasse.
Il redattore collaboratore Robert G. Nulph, Ph.D., è un produttore/regista indipendente di video/film e insegna corsi di produzione video a livello universitario.