Quando insegno tecniche di illuminazione spiego ai miei studenti che, per capire dove e perché una luce è posizionata in un determinato modo, bisogna partire dall'inizio. L'arte classica, i dipinti in particolare, contengono la maggior parte degli indizi di cui abbiamo bisogno per iniziare a illuminare i nostri personaggi. L'estetica dell'illuminazione si è affermata centinaia di anni fa.
Mentre molti grandi e talentuosi artisti hanno contribuito alla qualità fondamentale del lavoro che facciamo, quello forse più attribuibile è Rembrandt Van Rijn. Rembrandt è il più noto dei pittori olandesi classici. Nacque nel 1606, in una città a sud-ovest di Amsterdam. Nel 1625 aprì uno studio e iniziò il suo profondo studio del dramma dell'esperienza umana attraverso la pittura. Ha prestato particolare attenzione ai volti e agli occhi dei suoi soggetti, perché questi sono i luoghi dove si sperimentano le immediatezza della rivelazione. La sua profonda attenzione alla forma e ai dettagli del busto - spalle, testa e collo - ha costituito la base per uno stile che sarebbe rimasto con lui per tutta la sua carriera.
Inizia con la chiave
Una delle principali sfide affrontate da Rembrandt, e altri nell'Europa del XV secolo, è stata la resa di soggetti tridimensionali su una tela bidimensionale e la qualità dell'immagine in termini di realismo. Ai tempi di Rembrandt, c'erano pochi modi per illuminare il tuo soggetto. Si poteva dipingere all'esterno dove l'illuminazione era più abbondante, ma il tempo era un fattore determinante, o in uno studio che necessitava di un'adeguata illuminazione delle finestre o di un'atmosfera artificiale adeguata. La gamma tonale e la qualità del colore indicano che la maggior parte dei soggetti di Rembrandt sono stati dipinti all'interno sotto lampade a olio o a lume di candela. Notare la qualità calda nelle figure da 1 a 4.
La forma del viso è completamente formata quando il posizionamento accurato della fonte di luce primaria è diretto verso il soggetto. In tal modo, creiamo quella che chiamiamo una luce "chiave". Nel corso della sua carriera, Rembrandt ha realizzato una serie di autoritratti nel tentativo di comprendere questa relazione. Un attento studio dei cambiamenti in atto nella sua somiglianza ha rivelato come l'illuminazione giocasse un ruolo centrale nella definizione della trama e del carattere dei suoi soggetti.
La luce chiave è la luce più importante in uno scenario di illuminazione a tre punti. Senza di essa, il nostro soggetto non avrebbe un'illuminazione adeguata per stabilire la forma, il volume, il colore o la struttura di base della pelle e dei vestiti. Il posizionamento della luce chiave può avere effetti dimostrativi sulla ristrettezza o pienezza del nostro aspetto. Una posizione perpendicolare alla nostra cornice (luce laterale) rende il viso più sottile. Considera le figure 1 e 3. 
Se chiudiamo l'angolo della luce principale e lo avviciniamo maggiormente alla parte anteriore del soggetto, più vicino all'obiettivo della fotocamera, il risultato è un viso più piatto con meno ombre per definire le caratteristiche della superficie. Notare gli effetti più rotondi dell'illuminazione più frontale delle figure 2 e 4. 
Linee della risata e triangoli d'oro
Nella maggior parte dei casi, quando è stato raggiunto l'angolo di riflessione perfetto dalla luce principale di Rembrandt, una piccola macchia di luce triangolare appariva sotto l'occhio del soggetto, situata di fronte alla fonte di luce. Nota le figure 1 e 4. Questo sottoprodotto è noto come il "Triangolo d'oro". Rembrandt capì che, se poteva osservare il Triangolo d'Oro dal suo punto di vista, la luce chiave stava fornendo la forma più lusinghiera e drammatica al suo soggetto, inquadrando efficacemente l'espressione mentre definiva gli aspetti delle strutture del naso e delle guance. Naturalmente, tutti i risultati sono soggettivi, ma, se stiamo provando un'illuminazione in stile Rembrandt, assistere al Triangolo d'Oro è un'indicazione che ci siamo riusciti. 
Mentre la tesa del cappello in ciascuno di questi esempi blocca un'abbondanza di illuminazione vicino alla sommità della fronte, è la posizione alta della luce chiave che sta pronunciando i lineamenti del viso stesso. Gli zigomi, le rughe della risata, le labbra carnose, le sopracciglia sporgenti, il naso a bulbo e i lineamenti del mento sono tutti influenzati dall'altezza della luce principale e dalla sua vicinanza dal lato rispetto alla parte anteriore del soggetto. La posizione iniziale della nostra luce principale è di 45 gradi fuori asse rispetto alla fotocamera, rispetto al soggetto, e leggermente al di sopra del livello degli occhi. Da quel punto di partenza, lo spostiamo per adattarlo al soggetto su cui stiamo lavorando. 
Chiaroscuro:luci e ombre
Una volta che abbiamo raggiunto la qualità chiave desiderata e il nostro soggetto è stato adeguatamente modellato e illuminato, dobbiamo decidere un livello di contrasto generale per il rendering. Chiaroscuro è un termine, dal Rinascimento, che implica il livello di luce contro ombra che consentiamo nella nostra illuminazione. Maggiore è il contrasto che creiamo quando illuminiamo i nostri soggetti, più "atmosfera" può essere evocata. Le immagini con un alto grado di ombra sono viste come misteriose o negative nella connotazione. Al contrario, un minor contrasto impiegato nella nostra illuminazione può implicare apertura, amore o consapevolezza.
Si noti il livello di esposizione sul volto della "Profetassa Anna", del 1631. Nella cornice dell'artista, un'anziana legge un manoscritto con la luce della sua chiave che filtra da sopra la sua spalla (fig. 5). 
Prendi nota del grado in cui vediamo i dettagli sul suo viso. Anche se è allontanata dalla sua fonte di luce, il suo comportamento è pienamente realizzato mentre la luce rimbalza sulla Bibbia e sul suo viso. Questa qualità di illuminazione indiretta viene definita "riempimento" e può essere raggiunta abbastanza facilmente facendo rimbalzare la luce sul soggetto o utilizzando una fonte di luce secondaria diretta. Chiamiamo quella fonte aggiuntiva una luce di "riempimento", perché "riempie" le ombre e abbassa il contrasto generale nella scena. In genere, le luci di riempimento sono posizionate complementari o opposte alla loro sorgente chiave rispetto al posizionamento della telecamera.
La misura in cui impieghiamo una luce di riempimento è dettata dal gusto personale o dai sottili indizi esposti nella nostra sceneggiatura. Se si deduce l'ignoto o si richiede la suggestione della morte, del male o della tristezza, possiamo usare un piccolo grado di riempimento. Oppure, per niente, come in figura 2.
Più illuminiamo la scena, più positive saranno le implicazioni per i nostri personaggi. Notare l'aspetto non conflittuale dell'autoritratto in figura 4? Come affermato in precedenza, la luce di riempimento può essere introdotta come luce indiretta o riflessa, come verrebbe raccolta da costumi luminosi. La luce di riempimento può anche essere riflessa su superfici, come tavoli, banconi e altri calci piazzati, o con cartoncini bianchi chiamati "Mostra carte" o "B-Board". Sono generalmente acquistati da negozi di forniture d'arte o da case di noleggio di illuminazione. Possono anche essere realizzati con pannelli di polistirolo, come i materiali da costruzione utilizzati per isolare le case, e possono essere acquistati dal tuo negozio di bricolage locale. La luce che viene rimbalzata su materiali o superfici colorate manterrà il colore effettivo di tali superfici. Pertanto, al momento dell'acquisto di cartone espanso o cartoncino, è necessario scegliere un materiale di colore bianco neutro.
Gestione della separazione
La caratteristica finale che incarna l'illuminazione classica in stile Rembrandt, è il modo in cui otteniamo la separazione del nostro soggetto dal suo sfondo. I soggetti illuminati in uno spazio non descrittivo possono sanguinare i dettagli nei loro sfondi, se non gestiamo la separazione. Per aiutare in questo, dobbiamo applicare una fonte di luce aggiuntiva ai dettagli sull'argomento. Il modo in cui scegliamo di farlo può anche influenzare l'umore generale.
Considera, per un momento, le implicazioni di ciascuna delle immagini mostrate. Nella figura 6, l'“Uomo con l'Elmo d'Oro” si sta allontanando nell'ombra o ne sta emergendo. Dallo sguardo che impone la tensione sul suo viso, l'umore potrebbe essere interpretato come ribollente in pensieri profondi, rimpianto o tensione. I dettagli nei capi dell'uomo si fondono con lo sfondo e riportano il nostro sguardo sul suo viso. 
La scelta deliberata di oscurare certi dettagli è un espediente per gestire l'emozione dello scatto. Fare attenzione a notare il minimo distacco sopra la spalla sinistra dell'uomo con l'elmo. È appena sufficiente per creare un senso di spazio, senza confondere l'atmosfera.
La figura 7 offre invece una connotazione completamente diversa. Nonostante il soggetto appaia profondamente introspettivo come la figura nel fotogramma precedente, il tono generale è meno inquietante. La separazione aureola dal muro suggerisce un tono più ispiratore nell'immagine. I temi della redenzione, della rivelazione e della premura sono tradotti come risultato del completo riconoscimento del personaggio. 
Lo strumento che utilizziamo per realizzare questo aspetto è chiamato luce di "sfondo". È il terzo e ultimo elemento nello stile di illuminazione artistica di Rembrandt. È generalmente posizionato sopra e dietro il soggetto e diretto ai dettagli del set che si allineano sullo sfondo. Creando valori più luminosi dietro il soggetto, isoliamo i valori in primo piano e li rendiamo più facili da individuare per il nostro occhio. Le variazioni di colore tra lo sfondo e il primo piano possono anche creare un senso di separazione dal grado in cui le tonalità si oppongono l'una all'altra. Ad esempio, i valori più caldi, per gli oggetti in primo piano, possono essere mescolati con sfondi più freddi (più blu) per le scene di interni.
The Edge Light
Nei tempi moderni, con l'avvento del cinema e della televisione, la luce di fondo si sarebbe evoluta in una fonte di illuminazione diretta. Invece di illuminare l'ambiente dietro un soggetto, la luce è stata focalizzata esattamente sulla parte posteriore della testa e delle spalle del soggetto. Dal punto di vista della fotocamera, è stata creata una luce "di bordo" brillante e scintillante.
A causa della natura rudimentale della televisione in bianco e nero, una luce di fondo a volte sarebbe inadeguata. Tuttavia, se combinato con una luce più forte e intensa proveniente da dietro, il profilo di un soggetto viene stabilito più chiaramente sullo sfondo su uno schermo più piccolo. Quello che era iniziato come un meccanismo per compensare una rozza esperienza visiva elettronica è emerso anni dopo come un elemento che aiuta a definire la nostra estetica contemporanea.
Intensità, Forma, Colore
In sintesi, abbiamo esaminato le tecniche impiegate da Rembrandt per conferire una qualità di tridimensionalità a un ritratto dipinto. L'intensità complessiva, la forma e il colore del soggetto illuminato sono stabiliti con tre fonti di illuminazione. La luce chiave crea forma e luminosità complessiva. La luce di riempimento controlla la quantità di contrasto e il livello di dettaglio nelle ombre, creato dalla luce chiave. Viene quindi utilizzata una luce di sfondo o di bordo per separare il profilo del soggetto dai dettagli nell'ambiente o nel set.
Le seguenti foto mostrano variazioni di forma utilizzando una chiave Rembrandt e una luce di bordo in un ambiente non descrittivo di "limbo nero". Il riempimento morbido e minore è stato utilizzato soggettivamente. Si noti come l'aggiunta della luce di bordo sia più o meno necessaria in base alla riflettività delle tonalità della pelle. Inoltre, capisci come l'uso di una luce laterale può essere controintuitivo per l'atmosfera creata dalla nostra chiave. 
Ciò che è interessante considerare, quando si studia lo stile di illuminazione di Rembrandt, è l'idea che tutte queste affermazioni della forma umana siano state concepite attraverso l'osservazione diretta e la scrupolosa attenzione ai dettagli. In nessun momento ha beneficiato di un moderno dispositivo di acquisizione. La sua comprensione del rendering dimensionale, mediante l'applicazione della luce diretta o indiretta e dell'angolo di incidenza, non solo è accurata, ma è ancora in uso oggi. Il suo stile è il punto di riferimento da cui tutti gli aspiranti fotografi, cineasti e gaffer iniziano a esprimere i propri stili e preferenze.
Rembrandt Van Rijn morì nell'ottobre del 1669, ma la sua eredità sopravvive ogni volta che i creatori di immagini creative salgono sul set. Gli strumenti sono cambiati nel corso dei secoli, ma sono richiesti gli stessi obiettivi e lo stesso livello di maestria. Le nostre aspettative come creativi e il nostro apprezzamento come spettatori sono il prodotto di standard ragionati stabiliti 350 anni fa.
Michael Walsh, è un esperto tecnico delle luci di Hollywood con esperienza in 74 lungometraggi e oltre quattrocento episodi televisivi.