Quando insegno fotografia digitale moderna, spesso dimentico che chi è nuovo all'arte generale della fotografia potrebbe non avere familiarità con i termini e le tecniche classiche e ho bisogno di fare un passo indietro. Questo post è per coloro che avrebbero sempre voluto chiedere:"Cosa intendono le persone quando dicono "brucia" e "schiva" in post-elaborazione?". Se riesci ancora a sentire l'odore dei fumi della camera oscura quando sollevo questi termini, puoi saltare questo post.
Bruciare e schivare sono due tecniche in camera oscura utilizzate durante la stampa di un'immagine. Un negativo viene inserito in un proiettore e quindi puntato su un pezzo di carta fotografica (proprio come un proiettore per diapositive proietta un'immagine su uno schermo). Quella carta fotografica non è come la carta su cui potresti essere abituato a stampare a casa adesso. È sensibile alla luce, proprio come una pellicola, e questa è l'intera ragione per creare una camera oscura; per controllare la quantità di luce che colpisce la carta che la esporrà.
A questo punto, la luce del proiettore passa attraverso il negativo e poi colpisce la carta. La tempistica dell'esposizione alla luce è controllata con determinate tolleranze proprio come è stata controllata l'esposizione originale della scena sul negativo. La luce colpisce il negativo in modo uniforme e poi colpisce la carta in modo uniforme. Funziona bene se la scena è anche bilanciata. Ma cosa succede se ci sono aree che devono essere più chiare o più scure? È qui che entrano in gioco bruciare e schivare e sono semplici.
La chiave per questi termini e per comprenderli è ricordare che la carta è bianca. La schivata è il processo di copertura di parte della luce che colpisce la carta, creando un'area in ombra che non riceve la stessa esposizione alla luce del resto della scena. Poiché ciò riduce la quantità di luce che colpisce la carta (ricorda; luce che colpisce la carta =esposizione più scura), lascia trasparire più carta bianca, schiarendo efficacemente l'immagine in quell'area. La combustione è l'opposto, consente alla luce solo in un'area dell'immagine di aumentare il tempo di esposizione in quella regione e creare un'immagine più scura per quell'area.
Entrambi utilizzano vari metodi di copertura, dal semplice utilizzo di una mano o di un pezzo di carta alla creazione di modelli personalizzati. Inoltre, il bordo della schermatura o dell'ustione può essere ammorbidito spostando leggermente il rivestimento mentre la carta è esposta.
Tutto ciò consente al fotografo di creare esposizioni diverse in un fotogramma, che possono imitare più da vicino la scena com'era al momento dello scatto, o di utilizzare l'espressione artistica per alterare un'immagine a proprio piacimento.
Allora, come puoi usare queste tecniche a tuo vantaggio nell'era moderna?
Mostrerò queste tecniche in uso su Adobe Lightroom, ma possono essere praticate su qualsiasi programma che consenta il mascheramento selettivo e le modifiche all'esposizione.
Innanzitutto, l'immagine di una recente recensione di un obiettivo Sigma 50-500 mm (fare clic su qualsiasi immagine per una versione più grande).
La ripresa è stata scattata con un iPhone ed è stata esposta per l'obiettivo con cieli grigi e nuvolosi. Voglio evidenziare l'obiettivo e diminuire lo sfondo. La prima cosa che faccio è scegliere il pennello di regolazione e la funzione Brucia in quanto tale:
Per questa foto, l'impostazione Brucia non è abbastanza scura per me, a dire il vero. Prendo l'Esposizione per questa maschera a -1.17 e questo è il risultato:
La fotocamera e l'obiettivo ora sono più scuri, aiutandoli a risaltare meglio sullo sfondo. Ora voglio fare il contrario con lo sfondo. Voglio schivarlo per schiarirlo, evidenziando ulteriormente l'obiettivo. Comincio dipingendo una maschera dello sfondo:
Anche in questo caso, il Dodge non è di mio gradimento e cambio invece l'esposizione per rendere questa maschera più chiara.
Con queste maschere, posso anche modificare il contrasto o la luminosità (eliminata in Lightroom 4) per evidenziare ulteriormente il mio soggetto, se mi piace. In questo esempio sto mantenendo le cose semplici.
Il risultato è lieve, ma può essere più drammatico se necessario.
Prima:
Dopo:
Burning and Dodging esiste da quando fare stampe è stata una forma d'arte in cui il fotografo desiderava un maggiore controllo sul proprio mezzo. Le tecniche sono ancora molto importanti nell'era digitale moderna di oggi e ora spero che tu abbia una migliore comprensione dell'origine dei termini e del modo migliore per usarli.
Grazie per aver letto.