i. Comprensione del "look cinematografico":cosa stiamo cercando di emulare?
Prima di iniziare ad applicare le tecniche, è fondamentale capire cosa distingue l'estetica del film dal video digitale. Considera queste caratteristiche chiave:
* Grain: Il film ha intrinsecamente grano, una consistenza casuale che è spesso percepita come organica e piacevole. Il video digitale è in genere molto pulito e acuto, privo di questa consistenza naturale.
* Intervallo dinamico: Il film in genere ha una gamma dinamica più ampia, soprattutto nei punti salienti, che gli conferisce un roll-off più sfumato e graduale in aree luminose. Il video digitale può spesso clitare i punti salienti bruscamente.
* Scienza dei colori: Le scorte di film hanno profili di colore distinti. Pensa ai toni caldi di Kodak Portra o ai toni più freddi di Kodak Ektachrome. Le telecamere digitali, anche con profili di immagini, possono avere un look più "sterile".
* Profondità di campo: Spesso, il film è associato alla profondità di campo più superficiale. Ciò non è inerente al film *stesso *, ma è una scelta stilistica spesso fatta quando si gira il film, a causa delle più grandi dimensioni dei sensori di telecamere storicamente utilizzate per il film.
* Cadenza di movimento: Il film funziona a 24 fotogrammi al secondo (FPS), il che si traduce in una distinta sfocatura del movimento e un movimento complessivo più fluido rispetto ai frame rate più elevati spesso utilizzati nei video digitali. Ciò influenza la fluidità percepita e la sensazione "cinematografica".
* Caratteristiche dell'obiettivo: Le lenti per film vintage hanno imperfezioni uniche come distorsione, aberrazione cromatica e bordi più morbidi. Queste imperfezioni spesso contribuiscono al "personaggio" dell'aspetto del film.
* Esposizione e contrasto: Il film ha spesso un modo specifico che gestisce i luci e le ombre, risultando in diversi livelli di contrasto e qualità tonali.
ii. Durante la produzione (riprese per un look da film):
Il modo migliore per ottenere un look da film è iniziare * durante * le riprese. Queste tecniche faranno un'enorme differenza:
* Frame rate:
* Scatta a 24fps (o 23.976fps): Questo è il rate di frame del film standard. È essenziale per raggiungere la caratteristica sfocatura del movimento e la sensazione cinematografica. Se la fotocamera non ha questo, scatta a una velocità di fotogramma più elevata e confortalo a 24 fps in post (ne parleremo più avanti).
* Velocità dell'otturatore:
* Regola dell'otturatore di 180 gradi: La velocità dell'otturatore ideale per 24fps è 1/48 di secondo. La maggior parte delle telecamere non ha 1/48, quindi usa 1/50. Questo aiuta a creare una sfocatura naturale che è più vicina al film. Se si utilizza una frequenza fotogramma più elevata, è necessario regolare di conseguenza la velocità dell'otturatore (ad esempio 60fps =1/120 °).
* Apertura e profondità di campo:
* profondità di campo superficiale: Usa un'ampia apertura (ad es. F/2.8, f/1.8 o più larga se l'obiettivo consente) di sfocare lo sfondo e isolare il soggetto. Questo crea un aspetto più cinematografico. Ricorda di inchiodare la tua attenzione!
* Usa lenti veloci: Le lenti che consentono aperture più ampie (number F inferiori) sono la chiave.
* illuminazione:
* illuminazione morbida: Il film utilizza spesso un'illuminazione morbida e diffusa. Utilizzare softbox, diffusori e bottoni per creare luce delicata e lusinghiera. Evita la luce dura e diretta.
* illuminazione motivata: Assicurati che le tue fonti di illuminazione abbiano senso all'interno della scena. Pensa a dove la luce proviene realisticamente.
* Temperatura del colore: Presta attenzione alla temperatura del colore (misurata in Kelvin). Diversi stock di film hanno preferenze per determinate temperature di colore. Considera di riscaldare leggermente la luce (ad esempio, usando gel CTO sulle luci).
* Profili di immagini:
* Shoot Flat: Utilizzare un profilo "log flat" o "registro" sulla fotocamera (ad es. S-log, c-log, v-log, n-log). Ciò conserva informazioni più dinamiche e informazioni sul colore, offrendo una maggiore flessibilità in post-produzione. Sii consapevole che i profili piatti sembrano * poco lusinghieri * direttamente dalla fotocamera; Devi valutarli.
* Scelta dell'obiettivo:
* Lenti vintage: Prendi in considerazione l'uso di obiettivi vintage (in particolare adattati alle telecamere mirrorless) per il loro carattere unico, imperfezioni e rendering più morbido.
* Lenti privilegiati: Le lenti principali (lunghezza focale fissa) offrono spesso una migliore qualità dell'immagine, aperture più ampie e un'atmosfera più cinematografica.
* Movimento della fotocamera:
* Movimenti lisci: Utilizzare treppiedi, gimbal, cursori e altre apparecchiature di stabilizzazione per creare movimenti di telecamera liscio e controllato.
* Movimenti intenzionali: Ogni mossa della fotocamera dovrebbe avere un motivo. Sta rivelando informazioni? Seguire l'argomento? Aggiungere il dinamismo?
iii. Post-produzione (classificazione dei colori ed effetti):
Qui è dove hai davvero scolpito l'aspetto del film. Usa il tuo software di editing (Premiere Pro, DaVinci Resolve, Final Cut Pro, ecc.).
* Classificazione del colore:
* Esposizione e contrasto: Regola l'esposizione e il contrasto per abbinare l'aspetto del film desiderato. Spesso, il film ha un contrasto leggermente inferiore rispetto al moderno video digitale. Sollevare delicatamente i neri e abbassare i luci.
* Temperatura e tinta del colore: Stretta la temperatura del colore e la tinta per creare la tavolozza dei colori desiderata. Sperimenta toni più caldi o più freschi, a seconda dello stock del film che stai emulando.
* Canali di colore: Regola singoli canali di colore (rosso, verde, blu) per creare sottili spostamenti di colore e migliorare i toni specifici.
* luts (tabelle di ricerca): Usa LUTS progettati per emulare titoli di film specifici. Ci sono molti LUT gratuiti e pagati disponibili online. Ma ricorda, Luts sono solo un punto di partenza:dovrai comunque perfezionare il grado.
* Strumenti di emulazione del film: Software come FilmConvert, DeHancer e CineMatch sono appositamente progettati per emulare gli stock di film. Offrono profili di colore altamente accurati e emulazione del grano.
* Aggiunta di grano:
* Aggiungi grano sottilmente: Non esagerare con il grano. Dovrebbe essere sottile e organico.
* Usa grano di alta qualità: Utilizzare trame o plugin di cereali di alta qualità per evitare un aspetto rumoroso o artificiale.
* Abbina la dimensione del grano alla risoluzione: Se stai producendo a una risoluzione inferiore, ridurre di conseguenza la dimensione del grano.
* Cadenza del movimento (conforme a 24fps):
* Se hai sparato a un frame rate più elevato:
* Conform (Interpreta il filmato): Nel software di editing, "interpreta filmati" o modifica la velocità del frame della clip su 24fps. Questo rallenta il filmato, creando la sfocatura del movimento 24fps. Questo metodo è preferito in quanto dà l'aspetto più naturale, preservando i frame originali.
* Flusso ottico/fusione del telaio (non consigliato): Evitare l'uso del flusso ottico o della miscelazione del telaio per ottenere 24fps a meno che non sia assolutamente necessario. Questi metodi possono creare artefatti innaturali. Dovrebbero essere usati come ultima risorsa.
* Effetti dell'obiettivo (la sottigliezza è la chiave):
* Vignetting sottile: Aggiungi una sottile vignetta (oscurando gli angoli) per disegnare l'occhio dello spettatore al centro della cornice.
* Aberrazione cromatica (molto sottile): Aggiungere molto sottilmente l'aberrazione cromatica (frange a colori attorno ai bordi) per emulare le imperfezioni nelle lenti vintage. Ancora una volta, * molto sottile * è la chiave; Troppo sembra amatoriale.
* Distorzione dell'obiettivo: Applicare una sottile distorsione delle lenti (canna o pincushi) per imitare le caratteristiche delle lenti vintage.
* HALAZIONE: Aggiungi alione nelle aree in cui ci sono luci luminose.
* Proprietà:
* Proprietà cinematografica: Ritarti il tuo filmato su un rapporto cinematografico come 2.39:1 (Cinemascope) o 1.85:1. Le barre nere nella parte superiore e inferiore della cornice danno immediatamente una sensazione più filmica.
* Sound Design:
* Prestare attenzione al sound design come è altrettanto importante. La qualità del suono contribuisce anche alla sensazione del film dell'intero pezzo.
IV. Takeaway chiave ed errori comuni:
* Non esagerare: L'obiettivo è quello di creare un look da film sottile e convincente, non uno sdolcinato o troppo elaborato. Meno è spesso di più.
* Inizia con un buon filmato: Migliore il filmato della tua fonte (esposizione, messa a fuoco, illuminazione), più facile sarà ottenere un buon aspetto del film. Non puoi sistemare le cattive riprese nel post.
* Comprendi gli stock di film: Ricerca diversi stock cinematografici e le loro caratteristiche (colore, grano, contrasto) per trovare l'aspetto che vuoi emulare.
* esperimento e pratica: Il modo migliore per imparare è sperimentare diverse tecniche e praticare le tue capacità di classificazione dei colori.
* errori comuni da evitare:
* Oversharpening: Evita di oscurare i tuoi filmati, poiché ciò lo renderà più digitale.
* Troppo grano: Troppo grano sembra artificiale e distratto.
* illuminazione dura: L'illuminazione dura e diretta è un omaggio che il filmato non è film.
* Colori innaturali: Evita colori eccessivamente saturi o innaturali.
Considerando attentamente questi fattori e tecniche, è possibile creare filmati video che emulano in modo convincente l'estetica del film, portando un'atmosfera più cinematografica e coinvolgente nei tuoi progetti. Buona fortuna!