Gli errori di continuità sono uno dei modi più semplici per distogliere l'attenzione del tuo pubblico. Parliamo di come risolvere i problemi di continuità in post-produzione.
A cosa pensi quando senti la parola “continuità?”
Potresti pensare a una tazza di Starbucks seduta su un tavolo a Westeros, o forse a una mano che dà una spinta motivazionale a un velociraptor. Ma uno degli aspetti tecnici più importanti che entrano in gioco in un film è il montaggio di continuità. Questo, ovviamente, accade quando un'inquadratura è seguita da un'altra inquadratura che ha senso temporalmente e spazialmente nella scena.
Ora, in termini di gaffe di continuità del montaggio, potresti aver notato evidenti differenze visive tra i tagli dei principali film di successo a causa delle riprese effettuate mesi dopo le riprese originali. Ci sono una miriade di ragioni per cui la continuità del montaggio di un film ne risente. Tuttavia, quasi sempre, la persona da incolpare non è l'editore.
Problemi di produzione e intoppi logistici possono rendere la vita di un montatore un inferno quando vengono forniti tutti i filmati sconnessi. Tuttavia, ci sono alcune tecniche e suggerimenti da ricordare sulla continuità prima di affrontare la modifica successiva. Cominciamo!
Supervisore dello script e editor
Potresti pensare:ma non c'è una persona sul set incaricata di assicurarsi che questi evidenti problemi di mancata corrispondenza non si verifichino ?
Puoi scommetterci. Nella maggior parte dei casi, il supervisore della sceneggiatura ha il compito di garantire che tutta la continuità sia coerente da un'inquadratura all'altra. Quindi, nello specifico, il loro compito è essere consapevoli di cosa stanno facendo i personaggi e di dove si trovano in tutta la copertura che si svolge in una scena.
Se sei mai stato su un set prima, sai quanto può essere caotico, disorganizzato e frenetico ogni aspetto. È logico che il supervisore della sceneggiatura commetta qualche errore di tanto in tanto, permettendo a qualcosa di oltrepassarlo mentre la scena viene girata.
Nel complesso, il supervisore della sceneggiatura sta controllando il guardaroba, gli oggetti di scena, lo stile e le modifiche al set che potrebbero verificarsi tra una ripresa e l'altra. Vanity Fair ha pubblicato un esempio incredibile e un'analisi approfondita dell'importanza di un supervisore della sceneggiatura alcuni anni fa. Dai un'occhiata qui sotto.
Pensa a un personaggio che mangia un cheeseburger durante una conversazione. Immaginate se, durante il dialogo tra i due personaggi, la quantità di cheeseburger consumata aumentasse e diminuisse nel corso della scena. Parliamo di un boccone fino alla fine dell'hamburger e ritorno.
Un altro eccellente esempio di qualcosa di evidente sarebbe un personaggio che fuma una sigaretta. La conversazione inizia e il personaggio accende la sigaretta e fuma la sigaretta per il corso della conversazione. La scena si conclude con il personaggio che spegne la sigaretta in un posacenere.
Quindi, diciamo che il regista fa girare la scena all'attore 10 volte. Ora, avrebbero fumato più di una sigaretta nel tempo necessario per filmare quella scena 10 volte. Quindi devi scegliere le riprese (si spera che siano buone e utilizzabili) che abbiano senso in sequenza per quanto tempo la sigaretta resterà accesa durante la conversazione.
- 7 errori di continuità comuni (ed evitabili)
Praticamente ti viene dato quello che ti viene dato con il filmato. Ma questo tipo di continuità è controllabile solo dal punto di vista dell’editore. Allora come possiamo, come redattori, garantire una continuità coesa in altre aree?
Diversi tipi di continuità
I diversi tipi di taglio che puoi eseguire sono quelli in cui diventa divertente. A parte gli oggetti di scena fisici, la decorazione del set, i capelli, il trucco e il guardaroba, ci sono altri tipi di continuità più tecnici. Questi elementi includono la linea degli occhi, i tagli corrispondenti al movimento e i cambi di scena. Inoltre, eviti che il pubblico venga disorientato a causa della violazione delle regole dei 30 e 180 gradi.
- Comprendere (e occasionalmente ignorare) la regola dei 180 gradi
Queste sono tutte cose in cui puoi aiutare nella tua modifica. Esistono diversi modi per passare da una scena a quella successiva, ad esempio dissolvenze in apertura o in chiusura.
Tagli e movimento
Tuttavia, secondo la Teoria dell'immagine in movimento:considerazioni ecologiche di J. D. Anderson e B. F. Anderson, "circa il 95% dei confini del montaggio sono tagli, che costituiscono l'unione di due fotogrammi della fotocamera." Quindi, la forma più semplice di taglio è il modo più importante ed efficace per raccontare la tua storia.
Tagliare l'azione e il movimento implica passare da un'inquadratura all'altra una volta che un personaggio esegue un'azione.
Supponiamo che un uomo si avvicini a un'auto e allunghi la mano per raggiungere la maniglia della portiera. Nel momento in cui la sua mano tocca la maniglia della portiera, esegui un'inquadratura più ravvicinata della sua mano che apre la portiera, invece di tagliare al centro di lui che apre la portiera solo per tagliare su di lui seduto in macchina.
Per ulteriori informazioni sui diversi tipi di tagli che potresti aggiungere al tuo repertorio, dai un'occhiata al nostro tutorial sui nove tagli essenziali che ogni editor dovrebbe conoscere di seguito!
Linea degli occhi abbinata
La corrispondenza della linea degli occhi è fondamentale, poiché comunica in modo non verbale che due personaggi stanno conversando.
Ciò significa che se includi un'inquadratura di un personaggio che guarda fuori dallo schermo e a destra, per avere una continuità coerente, dovresti tagliare sul secondo personaggio che guarda fuori dallo schermo, ma a sinistra (tornando al primo personaggio).
Questa continuità spaziale è forse una delle regole più singolari e importanti del cinema. Aiuta tutto a sembrare naturale ai nostri occhi.
Regole a 30 e 180 gradi
A proposito di orientamento, prendiamo le regole dei 30 e 180 gradi, secondo le quali la telecamera non dovrebbe mai attraversare una linea invisibile di 180 gradi quando copre una scena. Ciò garantisce che il tuo pubblico capisca dove si trovano i personaggi tra loro e con l'ambiente che li circonda.
Passare all'inquadratura successiva che sia inferiore a 30 gradi o superiore a 180 gradi disorienterà lo spettatore e qualcosa sembrerà fuori posto. Un buon esempio visivo di ciò di cui stiamo parlando arriva da Film Riot, con un'eccellente angolazione dall'alto verso il basso per dimostrare esattamente come seguire la regola.
Come affrontare la modifica
La forma più semplice di montaggio di continuità segue l'idea stessa che il pubblico ha bisogno di vedere cosa succede in una scena da una chiara progressione sequenziale da un'inquadratura all'altra. Non dovrebbero mai essere confusi riguardo ai movimenti di base, alle linee e alla posizione spaziale dei personaggi.
- Come creare continuità quando si utilizzano filmati d'archivio
Il montaggio è uno dei tipi di scene più divertenti da modificare. Molto probabilmente, otterrai un sacco di filmati di personaggi che progrediscono in un modo che dovrebbe sembrare che si estenda su una grande quantità di tempo o avvenga rapidamente. Quindi, questo potrebbe significare che stai modificando un montaggio di un bambino che si prepara per la scuola o che impara a giocare a basket nel corso di un anno scolastico.
Quando modifichi la scena, assicurati che le riprese seguano la sequenza temporale di cui hai bisogno. Non passare da uno scatto in autunno a uno in estate, per poi tornare a uno scatto in inverno. Anche se il montaggio sembra ovunque, il pubblico ha bisogno di quella continuità per credere alla storia.
Che cos'è la modifica della discontinuità?
Ma la discontinuità non è sempre una cosa negativa. Ad esempio, i flashback sono un modo molto efficace per portare avanti la narrazione spiegando cosa sta accadendo attualmente attraverso uno sguardo ai personaggi del passato.
In termini di editing, fai attenzione a cosa tagli. Ad esempio, passa a un'inquadratura di una località o di un luogo che offra agli spettatori un contesto immediato prima di lanciarsi in una conversazione o in un'azione. Taglia su oggetti e luoghi del passato, quindi taglia all'inizio della scena.
Stabilire inquadrature e B-roll è il migliore amico di un montatore. Non darli mai per scontati!
La discontinuità può essere anche un modo magistrale per trarre in inganno lo spettatore. Potresti trovare una situazione per questo approccio se un personaggio è confuso, disorientato o sta perdendo il controllo.
Andare avanti e indietro rapidamente nel tempo e nello spazio è un ottimo modo per mostrare il caos in un modo che non distragga lo spettatore dalla storia. In realtà è molto utile alla storia, soprattutto se termini la sequenza in modo da centrare nuovamente il pubblico, ad esempio con un'inquadratura decisiva o un taglio su uno schermo nero.
Hai notato che i colpi d'ambientazione continuano ad apparire? Sono un ottimo modo per resettare o riaffilare tutto.
Padroneggiare l'arte dell'editing parallelo
Il montaggio parallelo consiste nel tagliare avanti e indietro tra due personaggi o posizioni simultaneamente. Questo è un modo divertente per mostrare l'azione che si svolge nel mondo del film che il tuo pubblico sta guardando. Ciò fornisce anche al pubblico il contesto su dove e cosa stanno facendo gli altri personaggi in relazione tra loro.
Quando prendi decisioni editoriali con questo tipo di approccio, assicurati sempre di fornire il contesto per la “nuova” scena in modo che il pubblico sappia esattamente quale narrazione sta guardando.
Un'altra forma di continuità è trovare un flusso coerente nella tua modifica. Ad esempio, non vuoi mai che lo spettatore venga espulso dalla storia a causa di un taglio incoerente. Se lasci un'inquadratura di un personaggio che dice una battuta, taglia sul personaggio opposto per mostrare come reagisce a ciò che viene detto.
Una volta che hai tagliato quella reazione, assicurati di dare al pubblico il tempo di capire cosa viene comunicato, sia in modo non verbale che con le parole. Non limitarti al personaggio che parla troppo velocemente.
Il modo migliore per assicurarti di avere il tempismo giusto è modificare la scena e guardarla come uno spettatore obiettivo. Guarda il video qui sotto se vuoi un eccellente esempio di cosa non fare.
Che cos'è la modifica sovrapposta?
Utilizzato principalmente con scene d'azione, questo stile di editing di continuità enfatizza un momento o un'azione particolare. Segue l'azione in corso, quindi passa immediatamente a una diversa angolazione della telecamera della stessa azione.
Sembra che sarebbe strano e scoraggiante, visivamente parlando. Ma, se inserito in una scena con molto sforzo, ha senso. Potresti anche non renderti conto di aver visto la stessa azione svolgersi due volte.
Questa scena di inseguimento da Mission Impossible 2 è un ottimo esempio di questo tipo di modifica.
In conclusione
Il editing della continuità riguarda più il sentimento e l'intuizione che il calcolo e la precisione. Le scene che monti devono fluire in modo che abbiano senso nel contesto della storia e mantengano il pubblico coinvolto senza alienarlo.
Che si tratti di assicurarsi che i personaggi siano rivolti nella giusta direzione tra un taglio e l'altro o di ricordarsi di interrompere l'azione, il montaggio gioca un ruolo cruciale nel raccontare la storia in modo coerente.
Ricorda, come ogni aspetto del cinema, a volte è uno sforzo di gruppo che richiede opinioni e voci esterne per aiutarti ad arrivare al traguardo. A volte un secondo paio di occhi è il miglior aiuto che puoi ricevere come editor video.
Immagine di copertina di Fabio Pagani .
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