i. Pianificazione e preparazione - Posare le basi
* Visione:
* Concetto/umore: Che storia vuoi raccontare? Gioioso, pensieroso, potente, misterioso? Definisci la * sensazione * a cui mi puni. Questo influenzerà tutto il resto.
* Foto di riferimento: Guarda i ritratti che ammiri. Analizzare l'illuminazione, la posa, la composizione e le tavolozze dei colori. Non copiare, ma usali come ispirazione e per comunicare la tua visione al tuo modello.
* Comunicazione con il tuo modello: Questo è cruciale. Discuti il concetto, l'umore e l'aspetto che stai cercando. Mostra loro le foto di riferimento. Più capiscono, meglio possono incarnare il personaggio desiderato.
* Scouting di posizione (o configurazione in studio):
* Sfondo: Considera lo sfondo. Completa il soggetto o distrae? Cerca sfondi puliti e ordinati o quelli che aggiungono contesto. Pensa a colori e trame.
* Luce ambientale: Osserva la luce esistente. Come cade sull'argomento? Dove sono le ombre? Questo ti aiuterà a decidere quanta luce artificiale (se presente) avrai bisogno. Considera l'ora del giorno per la luce naturale ("Golden Hour" è popolare).
* Controllo degli ingranaggi:
* Camera: Qualsiasi fotocamera può prendere un ritratto, ma una DSLR o una fotocamera mirrorless offre un maggiore controllo.
* Lenti:
* 50mm: Una lunghezza focale classica e versatile che si avvicina alla visione umana naturale. Spesso veloce (apertura larga come f/1.8 o f/1.4) per buone prestazioni in condizioni di scarsa illuminazione e profondità di campo superficiale.
* 85mm: Eccellente per lusingare le caratteristiche del viso, fornendo più compressione e sfocatura dello sfondo.
* 35mm: Può essere utilizzato per i ritratti ambientali, che mostrano più sfondo per fornire contesto.
* Lenti zoom: (ad es. 24-70mm, 70-200mm) Offri flessibilità.
* illuminazione (se necessario):
* Riflettore: Un modo semplice ed economico per rimbalzare la luce e riempire le ombre.
* Speedlight (flash): Utile per aggiungere la luce di riempimento o creare un illuminazione più drammatica.
* Studio Strobes: Per un'illuminazione più potente e controllabile in un'impostazione in studio.
* Softboxes/ombrelli: Utilizzato per diffondere la luce e creare ombre più morbide.
* Tripode: Utile per immagini nitide, specialmente in condizioni di scarsa luminosità o quando si utilizza lenti più lunghe.
ii. Shoot - Cattura l'immagine
* Impostazioni della fotocamera:
* Apertura:
* Apertura larga (ad es. F/1.4, f/2.8): Crea una profondità di campo superficiale, offuscando lo sfondo e isolando il soggetto. Ottimo per enfatizzare gli occhi. Richiede un'attenta messa a fuoco.
* Apertura più stretta (ad es. F/5.6, f/8): Mantiene più l'immagine a fuoco, utile per i ritratti di gruppo o i ritratti ambientali in cui si desidera che lo sfondo sia nitido.
* Velocità dell'otturatore: Scegli una velocità dell'otturatore abbastanza velocemente da evitare la sfocatura del movimento. Generalmente, la lunghezza 1/focale (o più veloce) è un buon punto di partenza (ad es. 1/50 di secondo con una lente da 50 mm). Regola se necessario per il movimento del soggetto e la luce disponibile.
* Iso: Mantenere l'ISO il più basso possibile per ridurre al minimo il rumore. Aumentare solo se necessario per ottenere la velocità e l'apertura dell'otturatore desiderate.
* Modalità Focus: Utilizzare l'autofocus a punto singolo (AF-S o One-shot) per ritratti statici. Per i soggetti in movimento, utilizzare l'autofocus continuo (Servo AF-C o AI). Concentrati sugli occhi:sono la chiave per connettersi con lo spettatore.
* Modalità di misurazione: La misurazione di valutazione/matrice è un buon punto di partenza. Regolare la compensazione dell'esposizione (+/-) se necessario per garantire che il soggetto sia adeguatamente esposto. La misurazione di spot può essere utile per situazioni di illuminazione difficili.
* White Balance: Impostare il bilanciamento del bianco in modo che corrisponda alle condizioni di illuminazione (ad es. Luce del giorno, nuvoloso, tungsteno, fluorescente). Puoi anche sparare in formato grezzo e regolare il bilanciamento del bianco in post-elaborazione.
* Posa:
* naturale e rilassato: Le pose migliori sembrano senza sforzo. Inizia con pose semplici e regola gradualmente.
* Corpo angolato: Avere il soggetto leggermente angolato verso la fotocamera è generalmente più lusinghiero di una posa diretta.
* Shift di peso: Spostare il peso da una gamba all'altra può creare una posa più dinamica e rilassata.
* Posizionamento della mano: Presta attenzione alle mani. Evita posizioni di mano rigide o scomode. Farli riposare naturalmente in grembo, toccare il viso o tenere un oggetto.
* Posizione del mento: Abbassare leggermente il mento può ridurre al minimo un doppio mento.
* Contatto visivo: Il contatto visivo diretto crea una forte connessione con lo spettatore. Tuttavia, sembrare leggermente off-camera può anche creare un umore più pensieroso o misterioso.
* Esperimento: Non aver paura di provare pose e angoli diversi. Ottieni feedback dal tuo modello.
* Tecniche di illuminazione:
* Luce naturale:
* Open Shade: Fornisce una luce morbida e uniforme ed evita ombre aspre.
* Golden Hour (Sunrise/Sunset): Luce calda e morbida che è molto lusinghiera.
* retroilluminazione: Posizionare il soggetto con la luce dietro di loro può creare un bellissimo effetto luce sul cerchio. Usa un riflettore o un flash di riempimento per illuminare il viso del soggetto.
* Luce artificiale:
* Una configurazione della luce: Un buon punto di partenza per i principianti. Posizionare la sorgente luminosa per creare ombre e luci gradevoli. Usa un riflettore per riempire le ombre sul lato opposto del viso.
* Due configurazioni della luce: Una luce chiave (la sorgente di luce principale) e una luce di riempimento (per ammorbidire le ombre).
* illuminazione a tre punti: Chiave Light, riempimento della luce e una retroilluminazione (per separare il soggetto dallo sfondo).
* Composizione:
* regola dei terzi: Dividi il telaio in nove parti uguali con due linee orizzontali e due verticali. Posiziona elementi chiave (come gli occhi) lungo queste linee o alle loro incroci.
* Linee principali: Usa le linee sullo sfondo per disegnare l'occhio dello spettatore verso il soggetto.
* Inquadratura: Usa elementi in primo piano (come alberi, porte o archi) per inquadrare il soggetto.
* Spazio negativo: Lascia spazio vuoto attorno al soggetto per creare un senso di calma ed equilibrio.
* Headroom: Lascia un po 'di spazio sopra la testa del soggetto, ma evita di lasciare troppo.
* Livello oculare: Le riprese a livello degli occhi crea un senso di connessione con il soggetto.
* Dirigere il tuo modello:
* Sii chiaro e conciso: Dare istruzioni specifiche.
* Sii positivo e incoraggiante: Crea un'atmosfera rilassata e confortevole.
* Dai feedback: Dì loro cosa ti piace e cosa vuoi che si adattino.
* Mostra esempi: Se hai problemi a spiegare qualcosa, mostra loro una foto di riferimento.
* Ascolta il loro input: Potrebbero avere idee che non hai considerato.
iii. Post -elaborazione - Miglioramento dell'immagine
* Software: Adobe Lightroom, Adobe Photoshop, Capture One, Luminar AI, ecc.
* Regolazioni di base:
* Esposizione: Regola la luminosità complessiva dell'immagine.
* Contrasto: Regola la differenza tra le luci e le ombre.
* Highlights/Shadows: Regola la luminosità delle luci e delle ombre separatamente.
* bianchi/neri: Regola i punti bianchi e neri per massimizzare la gamma dinamica.
* Clarity/Texture: Aggiungere o ridurre la nitidezza e i dettagli. Usa con parsimonia:troppo può sembrare artificiale.
* Vibrance/saturazione: Regola l'intensità dei colori. La vibrazione influisce sui colori meno saturi più della saturazione.
* White Balance: Attivare l'equilibrio bianco per garantire colori accurati.
* Regolazioni locali:
* Benunni di regolazione/Filtri graduati: Applicare regolazioni su aree specifiche dell'immagine (ad esempio, illuminare gli occhi, scurire lo sfondo).
* Ritocco (opzionale):
* Levigatura della pelle: Riduci le imperfezioni e le rughe, ma fai attenzione a non liscia eccessiva della pelle, in quanto può sembrare innaturale.
* Miglioramento degli occhi: Affila gli occhi e aggiungi un sottile catline.
* sbiancamento dei denti: Sianellare leggermente i denti, ma evita di farli sembrare troppo artificiali.
* Affilatura: Affila l'immagine per una visualizzazione ottimale. Utilizzare diverse tecniche di affitto per diverse dimensioni di output (ad es. Web vs. Print).
* Riduzione del rumore: Ridurre il rumore nell'immagine, specialmente nell'ombra.
IV. Stili di ritratto - Adattare il tuo approccio
* Ritratto classico: Concentrati sulla cattura di un'immagine senza tempo e lusinghiera del soggetto. Sfondo semplice, illuminazione morbida e una posa naturale.
* Ritratto ambientale: Mostra l'argomento nel loro ambiente, fornendo contesto e raccontando una storia su chi sono. Le lenti più larghe e le aperture più basse sono comuni.
* Candido ritratto: Cattura il soggetto in un momento naturale e non esposto. Richiede pazienza e riflessi rapidi.
* Ritratto di alto livello: Luminoso, arioso e ottimista. Anche illuminazione, sfondo di colore chiaro e ombre minime.
* Ritratto di basso tasto: Drammatico, lunatico e misterioso. Sfondo scuro, ombre forti e punti salienti minimi.
* Ritratto creativo: Sperimenta diverse tecniche di illuminazione, posa e effetti post-elaborazione per creare un'immagine unica e artistica.
takeaway e suggerimenti chiave:
* Pratica, pratica, pratica: Più spari, meglio diventerai.
* Impara dai tuoi errori: Analizza le tue immagini e identifica le aree per il miglioramento.
* Esperimento: Non aver paura di provare cose nuove.
* Sviluppa il tuo stile: Trova ciò che funziona per te e crea un look da firma.
* Connettiti con l'oggetto: La cosa più importante è catturare la propria personalità e le loro emozioni.
* Imparare sempre: Leggi libri, guarda tutorial e partecipa a seminari per continuare a migliorare le tue abilità.
* Backup delle tue immagini! Utilizzare più posizioni di backup.
Comprendendo questi elementi e praticando regolarmente, puoi migliorare significativamente le tue capacità di fotografia di ritratto. Buona fortuna e buon tiro!