Controllare la prospettiva del pubblico può essere difficile quando si lavora con un budget limitato. Quando giri un pezzo sceneggiato o un progetto in stile documentaristico, potresti non avere sempre il controllo che vorresti su cose che influenzano il tono delle tue riprese come luci, location e scenografia. Potresti avere poco o nessun denaro per costumi e oggetti di scena, potresti essere limitato al luogo in cui si trovano i soggetti del tuo documentario, o potresti semplicemente avere a malapena abbastanza attrezzatura per l'illuminazione per ottenere una ripresa adeguatamente esposta. Controllando la prospettiva della tua fotocamera, puoi guidare la reazione del tuo pubblico alle immagini che coinvolgono tecniche che possono essere ottenute con quasi tutti i budget.
Le sottili tradizioni del linguaggio visivo
Proprio come i pittori spesso preferiscono un certo tipo di composizione per trasmettere un'emozione particolare, i cineasti hanno sviluppato negli anni un linguaggio visivo complesso per la narrazione. Questo linguaggio è raccontato attraverso l'uso del colore, del contrasto, del punto di vista, della messa a fuoco e del movimento. Anche se all'inizio può sembrare che i lungometraggi abbiano un aspetto uniforme, a ben guardare noterai che i film horror del cinema moderno hanno un aspetto molto diverso dalle commedie romantiche (a meno che tu non stia guardando un film come "Warm Bodies ” che incrocia entrambi i generi.)
Gli stili che compongono questo sistema di narrazione visiva non sono stati formati in modo arbitrario. Sono il risultato dell'apprendimento di come le persone reagiscono alle immagini. Molti dei grandi cineasti hanno studiato le opere di maestri pittori e artisti di tradizioni che risalgono a secoli fa e hanno incorporato queste tecniche nel modo in cui girano. Questo non vuol dire che il linguaggio della narrazione visiva non si sia evoluto. Se guardi scene di alcuni thriller degli anni '40 e alcuni realizzati negli ultimi anni, vedrai che condividono alcune somiglianze; tuttavia, molte cose sono cambiate nel modo in cui il genere viene ora comunemente girato.
Il pubblico è diventato in sintonia con le tecniche comuni utilizzate dai cineasti durante le riprese di determinati tipi di storie. Se riesci a portare alcune di queste tecniche nelle tue produzioni, puoi attirare più facilmente ed efficacemente il pubblico nella tua storia.
Trovare la tua storia
Il tipo di storia che racconterai influenza il modo in cui la girerai. Per iniziare, devi capire che tipo di storia stai raccontando. Lo stile comune di girare un film d'azione sulle arti marziali è molto diverso da quello di un dramma storico. Anche se stai girando un documentario, devi pensare a cosa tratterà la storia. Entrambi "Enron:The Smartest Guys in the Room ” e “Sala da ballo pazza " sono stati girati in modo molto efficace ma in modo molto diverso.
Pensa e guarda storie simili alla tua. Anche se hai una storia che non rientra in un genere, guarda storie che hanno elementi simili ai tuoi. Quindi, se hai un film con spada, sandali e zombi ambientato nell'Impero Romano, guarda cose come "Spartacus ” e “L'alba dei morti ” quindi, trova le parti della tua storia che la rendono unica. Evidenziali con l'uso della fotocamera.
Imparare a manipolare e controllare la prospettiva della telecamera per migliorare la tua narrazione manterrà il tuo pubblico coinvolto.
Sforzati per un'esecuzione coerente della tecnica rispetto all'originalità. I western trovano ancora un pubblico e non li guardano per vedere qualcosa di nuovo. Scoprirai che man mano che impari e padroneggi le abilità tecniche per controllare i tuoi scatti, il tuo punto di vista e il senso della storia ti faranno occasionalmente prendere una piccola pausa dalla tradizione visiva. Sono spesso queste sottili differenze che possono avere il maggiore impatto sul proprio stile visivo.
Gli elementi della prospettiva della fotocamera
Ciò che vede la tua fotocamera, vede il tuo pubblico. Per utilizzare la prospettiva della tua fotocamera per supportare la tua storia, devi imparare a manipolare i diversi elementi della prospettiva della fotocamera. Questi elementi sono:frame rate, proporzioni, campo visivo, messa a fuoco, profondità di campo, punto di vista, angoli, inquadratura, movimento e velocità.
Frequenza fotogrammi e proporzioni
Purtroppo, per molte produzioni, le decisioni su quali proporzioni o frame rate utilizzare non sono creative ma si basano sulla distribuzione finale del progetto o sui limiti tecnici dell'attrezzatura utilizzata. Anche online, il frame rate massimo supportato da molti host di video è di 30 fps. 
La maggior parte delle fotocamere economiche riprende solo a 24, 25 o 30 fps.
Le proporzioni per la maggior parte delle moderne apparecchiature video sono 1,78:1 (16X9) sebbene alcune fotocamere supportino lo standard cinematografico di 1,85:1 (Academy), ma formati più ampi come 2,35:1 (scope) che sono popolari per i grandi film epici non lo sono supportato al di fuori delle telecamere cinematografiche di fascia alta senza perdere la risoluzione per il ritaglio o lo stiramento di un'immagine più stretta.
Campo visivo
Tutto ciò che rientra nell'inquadratura dell'immagine catturata da una fotocamera è il suo campo visivo. Il campo visivo di una fotocamera è determinato da due fattori, la distanza della fotocamera dal soggetto e la lunghezza focale dell'obiettivo. L'uso di un obiettivo con una lunghezza focale ridotta offre un ampio campo visivo che consente di catturare molto sfondo con il soggetto. Gli obiettivi con ampi campi visivi riducono anche la percezione del movimento della fotocamera, rendendoli una scelta popolare per gli scatti d'azione a mano. Un obiettivo con una lunghezza focale lunga offre un campo visivo ristretto che consente di ottenere primi piani con la fotocamera più lontana dal soggetto. Gli obiettivi con campi visivi ristretti vengono utilizzati anche per ridurre la profondità di campo e far risaltare il soggetto rispetto allo sfondo.
Esistono diversi tipi di scatti comuni in produzione che prendono il nome per descrivere il loro campo visivo in relazione al soggetto. Questi scatti includono:extra-wide, wide, medium, close-up e extra-close-up. Alcune inquadrature ampie sono indicate come inquadrature stabili perché includono l'area intorno ai soggetti e danno un senso di collocazione in un ambiente. Senza stabilire le inquadrature, il pubblico può sentirsi come se non sapesse dove si svolge la storia. Non è raro passare avanti e indietro da un'inquadratura media, in cui il soggetto è inquadrato all'incirca dalla vita alla sommità della testa, a un primo piano, in cui il soggetto è inquadrato all'incirca dalla parte superiore del torace alla sommità della testa , ma il campo visivo in questi diversi scatti dovrebbe rimanere lo stesso.
La coerenza del campo visivo nei diversi tipi di scatti che fai può essere molto importante per mantenere l'atmosfera e il tono della tua storia. Inquadrare i soggetti con tutti i primi piani e tutte le medie riprese con lo stesso campo visivo, aiuta a trasmettere un senso di stabilità all'atmosfera di una scena; quindi, se c'è un cambiamento drammatico nella storia, puoi interrompere questo schema di riprese per migliorare il cambiamento drammatico. Al contrario, se il tono della storia è uniforme e il campo visivo nello stesso tipo di inquadrature cambia costantemente, può attirare il pubblico fuori dalla storia. Questo tipo di incoerenza del campo visivo è spesso indicato come segno di una produzione di bassa qualità o di “grado B”.
Messa a fuoco e profondità di campo
Molto spesso vorrai che il soggetto del tuo scatto sia a fuoco, ma potresti volerlo sfuocare o metterlo a fuoco e sfocarlo per supportare la sua confusione, lesioni o qualche altro tipo di trauma. L'uso della messa a fuoco negli scatti per dare risalto a determinate aree dell'inquadratura può essere controllato modificando la profondità di campo. Uno scatto con un'ampia profondità di campo ha oggetti in primo piano, al centro e sullo sfondo a fuoco. Uno scatto con una profondità di campo ridotta ha solo la parte centrale a fuoco; se il tuo soggetto è l'unica cosa al centro di questo tipo di scatto, risalterà davvero. L'occhio umano è naturalmente attratto dalle cose che sono a fuoco, quindi le riprese con i personaggi a una profondità di campo ridotta sono diventate molto popolari nei drammi moderni e nelle commedie romantiche. Una profondità di campo ridotta può essere utilizzata anche per nascondere le cose sullo sfondo che non sembrerebbero attraenti a fuoco. Nei film d'azione, l'eroe è quasi sempre rappresentato visivamente come al comando del suo ambiente, quindi per l'eroe vengono generalmente utilizzate solo inquadrature con profondità di campo medie e grandi.
Punto di vista
Il punto di vista è quando la fotocamera riprende una scena (o un singolo scatto) come se la vedessimo dalla prospettiva del soggetto. Quel soggetto potrebbe essere una persona, un animale o anche una graffetta. Spesso il punto di vista di una telecamera può influenzare il modo in cui le persone interpretano la scena. Le riprese POV principali esistono dall'era del cinema muto. 
Questi scatti ti portano nella prospettiva o negli occhi del personaggio principale. Dal film The Blair Witch Project , i registi hanno persino utilizzato le riprese di Lead POV come unico punto di vista della telecamera. Le telecamere di sicurezza forniscono il secondo punto di vista più comune nei lungometraggi; tuttavia, il più bello e meno utilizzato è il punto di vista del cofano o del paraurti di un'auto. Usato ampiamente negli anni '70, da allora è diventato un punto fermo nelle scene di inseguimenti in auto.
Angoli
Gli angoli possono trasmettere cose sui personaggi inconsciamente. Ad esempio, quando l'eroe trionfante si fa avanti per salvare la situazione, se viene utilizzata un'angolazione dal basso, ciò suggerisce che il personaggio è nobile, coraggioso e potente. Gli angoli bassi possono anche dare ai soggetti una sensazione prepotente che li rende o più grandi della vita o minacciosi. Gli angoli alti spesso fanno sembrare le persone piccole, deboli o insignificanti, quindi se il nostro eroe è stato colpito dall'alto, potremmo pensare che sia spaventato, in preda al panico o incapace.
Gli angoli a livello degli occhi o gli angoli standard offrono interpretazioni più neutre e spesso sembrano più personali. La maggior parte delle commedie romantiche sono girate da questa angolazione. Gli angoli bassi che non sono livellati sono conosciuti come angoli olandesi. Gli angoli olandesi sono comunemente usati nei thriller e nei film horror per ritrarre il pericolo poiché tendono a dare al pubblico una sensazione di disagio.
Inquadratura
Qualcosa di apparentemente semplice come dove si trova il soggetto nell'inquadratura e dove sta guardando può avere un grande impatto sulla tua produzione. Nei telegiornali e negli spot pubblicitari, il soggetto è spesso al centro dell'inquadratura e guarda direttamente l'obiettivo della fotocamera. Nella pellicola, i soggetti sono solitamente fuori centro e raramente, se non mai, guardano direttamente nella telecamera. Questo tipo di inquadratura si basa sulla regola dei terzi che divide lo schermo in nove parti con tre piani orizzontali e tre verticali. Nel film, i personaggi vengono spostati sul lato destro o sinistro dello schermo che sarebbero i piani verticali uno e tre. Quando le persone sono inquadrate al centro, piano verticale due, viene utilizzato per rompere la quarta parete o per mettere a disagio il pubblico a seconda del contesto. A volte nel film si vedono anche situazioni in cui gli attori sono quasi fuori dall'inquadratura o solo le loro ombre sono nell'inquadratura per suggerire azioni nascoste o il loro ritiro da una scena o una situazione.
Movimento
Anche il modo in cui muovi la telecamera deve corrispondere alla tua storia. Se stai girando un film ambientato nella corte reale francese nel 18° secolo, allora molte mosse elaborate di dolly e gru potrebbero funzionare bene. Allo stesso modo, se stai raccontando un dramma cruento in un centro città, le riprese a mano leggermente traballanti potrebbero essere ben accolte dal tuo pubblico. Se hai scambiato i due stili, il pubblico potrebbe non accettare le storie raccontate in un modo visivamente sconosciuto.
Esistono molti termini diversi per il movimento della fotocamera e sono spesso correlati ai diversi tipi di supporto della fotocamera utilizzati.
Il movimento per i treppiedi è pan (ruotare la testa del treppiede a sinistra oa destra) e tilt (angolare la testa del treppiede in alto o in basso). Poiché una persona con una fotocamera a mano può imitare i movimenti del treppiede, gli stessi termini vengono utilizzati per gli scatti a mano libera.
Il movimento del carrello o del dispositivo di scorrimento è il carrello dentro (si avvicina al soggetto), carrello fuori (si allontana dal soggetto), camion (sposta la fotocamera a sinistra o a destra), carrellata (la fotocamera si muove con il movimento del soggetto mantenendo il campo visivo della stessa dimensione. Può essere fatto anche a mano.)
Il movimento per la gru o il fiocco è il braccio verso l'alto o verso il basso (inclinando il braccio verso l'alto o verso il basso). Gru e fiocchi sono talvolta chiamati bracci.
Il movimento dell'obiettivo zoom è lo zoom avanti (allunga la lunghezza focale) o lo zoom indietro (riduce la lunghezza focale). Mentre uno zoom avanti o indietro ha un effetto simile a un carrello avanti o indietro, la profondità di campo dell'inquadratura cambia con lo zoom; inoltre, la maggior parte degli obiettivi zoom distorce l'immagine durante lo zoom, alterando anche l'aspetto dello scatto. Uno zoom avanti o un carrello sul viso di un soggetto può rendere più evidente la sua espressione facciale.
Velocità
Effetti come il rallentatore o il time lapse influenzano il modo in cui gli eventi vengono percepiti dal pubblico. Il rallentatore creato dalle riprese a frame rate elevati e dalla riproduzione a velocità normale può essere utilizzato per ottenere una serie di risposte diverse e attualmente è visto più frequentemente nei film d'azione per enfatizzare un'azione spettacolare di un eroe come uno spartano che salta drammaticamente in l'aria mentre sta per abbattere il suo nemico. Il time lapse viene creato scattando foto o filmati per un lungo periodo di tempo e comprimendoli per un breve periodo di tempo. Questo può far sentire le persone come se il tempo stesse volando o può segnalare una transizione drammatica. Un esempio comune sarebbe vedere le fasi lunari passare rapidamente per suggerire che è trascorso un mese di tempo nella storia.
Conclusione
Uno dei modi migliori per imparare a controllare la prospettiva del tuo pubblico con il lavoro con la videocamera è studiare altre immagini di grandi storie simili alla tua e vedere come il direttore della fotografia l'ha realizzata. La maggior parte dei generi cinematografici ha film che hanno rivoluzionato il modo in cui è stato girato quel tipo di film, ad esempio "Allenatore di scena ” per i western, “Blade Runner ” per la fantascienza e “Die Hard ” per i film d'azione. Studiare questi tipi di film per aiutarti a capire quali scelte di ripresa sono state utilizzate per guidare queste storie ti aiuterà a prendere decisioni simili sui tuoi progetti. Naturalmente, non c'è alcun sostituto per l'esperienza pratica, quindi assicurati di esercitarti con ciò che hai visto.
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Prospettiva forzata e profondità di campo effetti visivi
La prospettiva forzata è l'illusione che due oggetti siano della stessa scala ed esistano sullo stesso piano di profondità. Prima della CGI, i modellisti creavano set elaborati con fori o "finestre". Posizionando questo set estremamente vicino alla telecamera, metterebbero in scena gli attori molto lontani sullo sfondo. Questo dava l'illusione che gli attori fossero davvero all'interno di questo modello e che il modello fosse reale. Un altro uso della prospettiva forzata consisteva nel far apparire gli oggetti più grandi o più piccoli. Un punto fermo dei film di fantascienza pre-CGI, questo effetto è stato ottenuto mettendo in scena un attore (o un oggetto) vicino alla telecamera per farlo sembrare più grande della vita e posizionando un oggetto (o attore) molto sullo sfondo per farlo sembrare piccolo rispetto all'oggetto in primo piano.
La prospettiva forzata con profondità di campo può essere utilizzata anche per effetti visivi nella fotocamera. Nell'applicazione più comune, la fotocamera ingrandisce completamente e accorcia la profondità di campo. Quindi gli attori che corrono, guidano o stanno fermi reagiscono a una serie di segnali come i fuochi d'artificio. Sulla telecamera, gli attori appaiono nel bel mezzo di un'esplosione o di un incidente quando in realtà possono trovarsi a diverse centinaia di metri di distanza. A causa della prospettiva della telecamera e della profondità di campo ridotta, il pubblico sperimenta l'illusione che tutto ciò avvenga sullo stesso piano di esistenza.
Con i progressi della CGI e la presenza continua del 3D, le tecniche di prospettiva forzata e profondità di campo sono ora effetti pratici utilizzati dai registi per lo più a basso budget; tuttavia registi con budget elevato come Peter Jackson e Christopher Nolan li usano ancora oggi.
Odin Lindblom è un pluripremiato montatore e direttore della fotografia il cui lavoro include film, pubblicità e video aziendali.