Quando abbiamo deciso di trovare i maestri moderni del paesaggio in bianco e nero, siamo rimasti stupiti dalla qualità e dalla varietà delle scenografie monocromatiche realizzate oggi. Tre artisti ci spiegano perché gli strumenti digitali hanno trasformato il bianco e nero e l'hanno mantenuto fiorente. Uno ha iniziato come ingegnere di progettazione audio, un altro come fotoreporter e un altro come fotografo pubblicitario. Tutti loro sono stati attratti dalla creazione di paesaggi in bianco e nero e, sebbene si possa dire che tutti e tre lavorino in uno stile "classico", ognuno ha un carattere distinto nelle proprie immagini. Stare con FilmL'unico fotografo del nostro trio di monocromi, David Fokos potrebbe essere considerato un tradizionalista tradizionalista, in particolare data la sua attrezzatura fotografica:una fotocamera Korona 8×10 vintage, più un obiettivo, e solo uno, un Rodenstock Apo-Sironar-S da 210 mm f/5.6. (Su 8×10, l'obiettivo è l'equivalente di circa 28 mm in 35 mm full frame.) Usa la pellicola in fogli Kodak Tri-X Pan. Ma dopo aver sviluppato la pellicola, Fokos passa al digitale. Se un negativo sembra promettente, lo scansiona a una risoluzione molto alta (il file dell'immagine in scala di grigi è - trattieni il respiro - 800 MB) e si mette a lavorarci sopra in Adobe Photoshop. Spesso trascorre più di 100 ore su un'immagine e talvolta finisce per scartarla comunque. Perché non acquisire digitalmente? Uno dei motivi principali è che Fokos stampa in grande, a volte fino a 7 piedi e mezzo di larghezza. "E la pellicola 8×10 mi dà la risoluzione di cui hanno bisogno", dice. "Solo negli ultimi due anni l'acquisizione digitale è stata in grado di competere con questo". Fokos osserva inoltre che il fallimento della reciprocità (la tendenza della pellicola a essere sottoesposta a lunghi tempi di esposizione) di Tri-X aiuta a evitare che le alte luci si spezzino durante esposizioni così lunghe, a volte fino a un'ora.
Il che ci porta al look di David Fokos. "Per le scene che contengono molto movimento, le mie esposizioni vanno da 20 secondi a 60 minuti", afferma. “Questo processo elimina quello che ho definito rumore visivo:tutti gli eventi temporali a breve termine, le cose in movimento, che possono distrarci dal concentrarci sulle forme fondamentali sottostanti. In un certo senso, è come sfogliare una pagina per rivelare un mondo che, sebbene molto reale, non è vissuto visivamente".
La prima immagine nella galleria di accompagnamento, di Shark Tooth Cliff a Martha's Vineyard, MA, è stata scattata in circa 90 secondi. A quel punto, Fokos si rese conto che la luna avrebbe mostrato una sfocatura da movimento. Quindi ha preso anche un'esposizione veloce e ha composto. Ha anche regolato il contrasto locale e ha bruciato in alto e in basso.
L'altra immagine di Fokos nella galleria, "Eight Rocks and a Stone", è stata realizzata a Lucy Vincent Beach a Martha's Vineyard. Catturata in meno di un secondo a f/45 o f/64, è una delle poche immagini di Fokos che interrompe il movimento. Dice che voleva "creare un'immagine archetipica che rappresentasse la mia estate trascorsa passeggiando su quella spiaggia".
Digitale al primo passaggio
Mentre le composizioni di Chuck Kimmerle evocano i maestri del paesaggio del secolo scorso (cita Edward Weston e Fay Godwin), lui crede che il digitale sia un'estetica diversa dal film. "L'acquisizione digitale ha un aspetto e una sensazione diversi rispetto al film, né migliore, né peggiore, e credo che queste differenze dovrebbero essere celebrate e sfruttate a proprio vantaggio", afferma. “Non proverei mai a far sembrare l'uno uguale all'altro. Se davvero volessi o avessi bisogno di un look Tri-X, girerei un film Tri-X".
Kimmerle scatta con una Nikon D3x e i suoi obiettivi includono Nikon 24 mm, 45 mm e 85 mm PC-E per i controlli di inclinazione e spostamento. Per la foto "Sage Fence, Dead Horse Road, WY", nella nostra galleria, ha utilizzato un 24–70 mm f/2.8 AF-S Nikkor per realizzare l'esposizione a 1/4 di secondo a f/8, ISO 100. "Questo l'immagine è un buon esempio di posto giusto al momento giusto”, dice. “L'artemisia si trova lungo una linea di recinzione che avevo superato una mezza dozzina di volte, senza mai notare nulla di speciale. Poi, dopo una giornata trascorsa a cercare fotografie, mi sono diretta verso casa e, poco dopo il tramonto, l'ho vista letteralmente sotto una nuova luce. La luce soffusa, direzionale, post-tramonto, direttamente alle mie spalle, faceva brillare i rami, come se fossero illuminati dall'interno."
Come la maggior parte degli sparatutto digitali in bianco e nero, cattura in RAW e converte in seguito. In termini di "Sage Fence, Dead Horse Road, WY", Kimmerle ha ritenuto che l'immagine fosse troppo nitida e dura. Quindi ha aggiunto un livello sfocato in Photoshop, una tecnica a volte chiamata Effetto Orton (dal nome di Michael Orton, che ha aperto la strada alla tecnica utilizzando i sandwich di diapositive).
Kimmerle, che di solito limita le sue modifiche a schivare e bruciare, nota che questo era un livello insolito di manipolazione. "Lavorare in digitale offre un controllo molto maggiore e molte più opzioni di interpretazione rispetto a quelle che si possono trovare in una camera oscura standard, specialmente per il lavoro in bianco e nero", afferma. “Purtroppo, molte persone cadono vittime delle trappole del potere della post-elaborazione. Non sanno quando o come trattenersi, per essere sottili. Fanno troppo perché possono, affidandosi a trucchi e espedienti digitali che mascherano un'immagine anziché migliorarla."
Kimmerle realizza immagini di paesaggi esclusivamente in bianco e nero, dice, per due motivi. "Il primo è che sono molto più interessato alla forma e alla consistenza di un oggetto che al suo colore", afferma. “Quei tratti sono più potenti, più emotivi della tinta e della tonalità di un oggetto. L'altro motivo è che sono fermamente convinto che la fotografia creativa sia un processo in due fasi:la creazione dell'immagine e la presentazione della stampa. Oppure, per citare Ansel Adams, "Il negativo è il punteggio e la stampa la performance"."
Due cappelli molto diversi
Da un'occhiata al sito web di Chris Clor, potresti avere l'idea che siano due fotografi diversi. Il suo lavoro commerciale a colori per clienti aziendali tende a compositi selvaggiamente fantasiosi (alcuni potrebbero dire esagerati) chiaramente non destinati a rappresentare la realtà. I suoi paesaggi in bianco e nero, come la sua fotografia dell'isola di Skye, sono molto classici, persino austeri. "Dato che gran parte dei soggetti in bianco e nero che fotografo sono paesaggi o paesaggi urbani, ho adottato un approccio più diretto alla fotografia, preferendo quasi nessuna manipolazione", ci dice. "Qualcosa sul bianco e nero richiede un po' più di realismo fotografico, poiché al suo interno è già un'astrazione, che vediamo a colori".
Per l'immagine di Skye, Clor ha utilizzato la sua Canon EOS-1Ds Mark II e l'obiettivo Canon EF 24–70 mm f/2.8L per un'esposizione di 1/200 sec a f/5.6, ISO 100. Dopo andando in scala di grigi, ha "schivato e bruciato al minimo, un po' di riduzione del rumore nel cielo e nitidezza".
Clor utilizza attualmente attrezzature molto diverse. "Preferisco la mia Sony NEX-7 abbinata a un secchio di vecchi obiettivi Olympus OM che possiedo dalla mia prima vera fotocamera, una Olympus OM-1", dice. "Questi sono obiettivi che hanno circa 30 anni e, nel mio libro, superano gli obiettivi moderni."
Pensare in bianco e nero
I nostri maestri in bianco e nero sono d'accordo:per affinare le tue abilità in bianco e nero, fallo e basta. Molto. "Devi inserire le ore e le miglia", dice Clor. "Suggerirei di pianificare un'escursione fotografica in un luogo che ti interessa, non una vacanza con i bambini in cui lavori in qualche servizio fotografico, ma un viaggio dedicato alla fotografia".
“Per migliorare nel lavorare in bianco e nero, penso che sia importante immergersi completamente in esso, allenandosi a vedere il mondo come appare nelle composizioni di nero, bianco e grigio ”, dice Fokos. Suggerisce di acquisire immagini contemporaneamente in RAW e JPEG monocromatico per visualizzare l'immagine sull'LCD in bianco e nero.
"L'errore più grande commesso da chi è nuovo al bianco e nero è fare troppo affidamento sulle differenze di colore piuttosto che sulle differenze di luminosità o luminosità", afferma Kimmerle. “Colori radicalmente diversi possono apparire, in un'immagine in bianco e nero, come la stessa tonalità di grigio. Vedere in bianco e nero è un'abilità che va appresa facendo”.