i. Comprendere la scena:
Prima ancora di pensare al posizionamento, il regista ha bisogno di una profonda comprensione della scena:
* Leggi e analizza lo script: Questa è la fondazione. Il regista deve comprendere lo scopo della scena, le motivazioni del personaggio, il sottotesto, il tono e il contributo generale alla narrazione.
* Identifica gli obiettivi e la posta in gioco: Cosa vogliono ottenere i personaggi nella scena? Cosa succederà se ci riusciranno o falliscono? Questo guida le loro azioni e influenze bloccando le decisioni.
* Determina l'arco emotivo: In che modo le emozioni dei personaggi e la scena si evolvono dall'inizio alla fine? Il blocco dovrebbe riflettere e migliorare questo viaggio emotivo.
* Considera l'impostazione: In che modo la posizione influenza i personaggi e la storia? L'ambiente diventa un partecipante attivo sulla scena.
* Consultare l'equipaggio chiave: Collaborare con il direttore della fotografia (direttore della fotografia), della produzione e degli attori per condividere idee e garantire che tutti siano sulla stessa pagina.
ii. Elementi chiave della messa in scena e del blocco:
* Staging: La disposizione complessiva di attori ed elementi all'interno della scena. Ciò include la propria posizione l'uno rispetto all'altro, l'impostazione e la fotocamera. La messa in scena stabilisce il contesto e le relazioni della scena.
* Blocco: I movimenti e le azioni specifici degli attori all'interno della scena. Ciò include ingressi, uscite, gesti e interazioni fisiche. Bloccare le guide dell'occhio dello spettatore e aiuta a raccontare visivamente la storia.
* Posizionamento e movimento della telecamera: Decidere dove sarà posizionata la fotocamera per ogni scatto e come si muoverà (o non si muoverà) durante la scena. Ciò è fortemente influenzato dal blocco e viceversa.
* Composizione: La disposizione degli elementi visivi all'interno del frame. Ciò include l'uso di linee, forme e colori per creare un'immagine visivamente accattivante e significativa.
iii. Considerazioni che guidano le scelte di stadiazione e blocco:
* Clarity: Il blocco dovrebbe essere chiaro e comprensibile per il pubblico. Evita movimenti o disordine inutili che potrebbero distrarre dalla storia.
* Focus: Dirigi l'attenzione del pubblico agli elementi più importanti della scena. Questo può essere ottenuto attraverso il blocco, l'illuminazione e il posizionamento della fotocamera.
* sottotesto: Il blocco può essere usato per rivelare emozioni e motivazioni sottostanti. Ad esempio, un personaggio che si sente vulnerabile potrebbe stare con le spalle alla stanza.
* Pace and Rhythm: Il blocco dovrebbe contribuire al ritmo complessivo e al ritmo della scena. Un movimento più veloce può creare un senso di eccitazione o tensione, mentre un movimento più lento può creare un senso di calma o riflessione.
* Relazioni del personaggio: Il blocco può essere usato per illustrare le relazioni tra i personaggi. Ad esempio, i personaggi che sono in conflitto potrebbero essere posizionati distanti, mentre i personaggi che sono vicini potrebbero essere posizionati vicini.
* Storytelling visivo: Usa il blocco per migliorare la narrazione. Ad esempio, un personaggio che cammina verso la telecamera potrebbe simboleggiare la loro crescente fiducia, mentre un personaggio che si allontana potrebbe simboleggiare il loro ritiro.
* Efficienza e praticità: Il blocco dovrebbe essere pratico e realizzabile entro i limiti dei vincoli di set, budget e tempo. Anche la sicurezza è fondamentale.
IV. Il processo di stadiazione e blocco:
1. Brainstorming e visualizzazione iniziali: Il regista visualizza la scena nella loro mente, considerando diverse opzioni di stadiazione e blocco. Potrebbero disegnare idee su un quaderno o creare uno storyboard.
2. Prove con attori (lettura della tabella, bloccare le prove):
* Tabella Leggi: Leggere la sceneggiatura con gli attori per discutere dei loro personaggi, motivazioni e significato generale della scena.
* Blocco delle prove: Lavorare con gli attori sul set (o uno spazio stand-in) per sperimentare diverse opzioni di blocco. Questo è un processo collaborativo in cui il direttore fornisce una guida, ma anche gli attori contribuiscono con le loro idee. Il regista di solito bloccerà la scena utilizzando approssimativamente marchi generali come "Stage Right" e "Stage Left", "Downstage" (verso il pubblico/fotocamera) e "Upstage" (lontano dal pubblico/fotocamera). Noteranno anche azioni specifiche, come "John raccoglie il vetro" o "Mary si siede sulla sedia".
3. Blocco della fotocamera con il cineasta: Una volta impostato il blocco, il regista lavora con il cineasta per determinare gli angoli e i movimenti della telecamera. Ciò implica considerare fattori come:
* Copertura: Garantire che tutte le azioni importanti vengano catturate sulla fotocamera.
* Inquadratura: Creazione di composizioni visivamente accattivanti e significative.
* Continuità: Mantenere un aspetto coerente in tutta la scena.
* illuminazione: Usando l'illuminazione per migliorare l'umore e l'atmosfera della scena.
4. Prove con fotocamera: Provare la scena con gli attori e la troupe della telecamera per perfezionare i movimenti di blocco e della telecamera. Questa è un'opportunità per identificare eventuali problemi o incoerenze e apportare modifiche prima delle riprese.
5. Shoot: Riprendendo la scena, usando il blocco finalizzato e il piano della telecamera.
6. Regolazioni: Anche dopo un'attenta pianificazione, il regista potrebbe aver bisogno di apportare modifiche al blocco o al piano della telecamera durante le riprese. Ciò potrebbe essere dovuto a circostanze impreviste, come un attore che lotta con un particolare movimento o un problema tecnico con la telecamera.
v. Tecniche e considerazioni in dettaglio:
* Movimento motivato: Ogni movimento dovrebbe avere una ragione, contribuendo allo stato obiettivo o emotivo del personaggio. Evita il vagabondo arbitrario.
* Focus e enfasi: Usa il blocco per attirare gli occhi del pubblico su elementi chiave. Questo può essere ottenuto da:
* Immagini di palcoscenico: Organizzare attori in formazioni visivamente forti e significative. Ad esempio, un personaggio in piedi da solo e isolato nella cornice.
* Angolo della fotocamera: Un angolo basso può far apparire un personaggio potente, mentre un angolo elevato può renderli vulnerabili.
* Profondità: Utilizzando la profondità del set per creare interessanti composizioni visive.
* svelamento: Rivelando gradualmente informazioni o personaggi al pubblico per costruire suspense o creare un senso di scoperta.
* Livello: Utilizzando altezze diverse per mostrare dinamiche di potenza. Un personaggio in piedi su una piattaforma o su una scala dominerà visivamente quelli sotto.
* Crosses: Movimento pianificato da una posizione all'altra. Usa croci per:
* Stabilire nuove relazioni
* Focus a turni
* Cambia la dinamica di una scena
* Business: Azioni piccole e naturalistiche che gli attori eseguono, come versare un drink, regolare la cravatta o agitarsi con una penna. Il business aggiunge realismo e rivela il carattere.
* Sightline: Garantire che gli attori possano vedersi e che la fotocamera possa catturare le loro prestazioni.
* imbrogliare: Accendere leggermente il corpo dell'attore verso la telecamera per migliorare la loro visibilità.
* Marchi colpiti: Gli attori hanno bisogno di tornare in modo affidabile a punti specifici sul set, spesso contrassegnati con nastro. Questo è cruciale per la messa a fuoco, l'illuminazione e il posizionamento della fotocamera.
* Master Shot, Copertura e editing: Il blocco è previsto in relazione a come la scena verrà modificata insieme. Un colpo principale mostra l'intera scena, seguita da scatti più stretti che enfatizzano momenti e personaggi specifici.
* Lavorare con gli attori: I registi devono essere collaborativi, comprendendo che gli attori portano le proprie interpretazioni e fisicità al ruolo. Il miglior blocco proviene da una partnership, trovando movimento che sembra naturale e veritiero per il personaggio.
vi. Esempi di tecniche di blocco:
* Confronto: Due caratteri si affrontano direttamente, spesso in piedi vicino.
* Intimità: I personaggi sono posizionati vicini tra loro, spesso toccanti o abbracciati.
* Dynamic di potenza: Un personaggio si trova sopra o dietro l'altro, affermando il loro dominio.
* Isolamento: Un personaggio è solo, separato dagli altri personaggi.
* Discovery: Un personaggio entra in una stanza e scopre qualcosa di inaspettato.
vii. Strumenti e tecnologia:
* Software di rottura dello script: Aiuta a organizzare la sceneggiatura, identificare gli elementi chiave e pianificare il programma di tiro.
* Software di elenco dei tiri: Utilizzato per creare un elenco dettagliato di tutti gli scatti nella scena, inclusi angoli della telecamera, movimenti e blocco degli attore.
* Software di storyboard: Consente al regista di visualizzare la scena e pianificare i movimenti di blocco e della fotocamera.
* Scouting virtuale: Usando la realtà virtuale per esplorare il set e pianificare il blocco prima delle riprese.
In sintesi:
La messa in scena e il blocco efficaci sono molto più che solo gli attori in movimento su un set. È un potente strumento di narrazione che può migliorare l'impatto emotivo di una scena, chiarire le relazioni dei personaggi e guidare l'attenzione del pubblico. Considerando attentamente tutti i fattori coinvolti e lavorando in collaborazione con il cast e l'equipaggio, un regista può creare un'esperienza visivamente convincente e significativa per il pubblico. Il buon blocco sembra invisibile; Serve così bene la storia che il pubblico è attratto dalla narrazione senza essere consapevolmente consapevole delle scelte del regista.