Incredibili ritratti di creatori di immagini sono stati presentati in anteprima al Tribeca 2019 e alcuni nuovi documentari in programma affermano il valore della narrazione intima.
Al Tribeca Film Festival di quest'anno, diversi nuovi documentari rivelano il potere della narrazione con una telecamera. Ecco i nostri pensieri.
Martha:A Picture Story
Quando New York Post La fotografa Martha Cooper ha pettinato Alphabet City per immagini di riempimento negli anni '70, la street art era un atto emergente ed effimero di trasgressione. I graffiti non erano il suo soggetto come fotografa, ancora. Aveva qualcosa in comune con questi estranei anonimi che creavano i propri mondi su muri di mattoni. Il loro gioco stava creando gioia da qualunque cosa fosse intorno. Cooper fu quindi attratto dalla meraviglia, soprattutto perché apparteneva a ragazzi che si divertivano in quartieri degradati mentre l'economia immobiliare di New York City andava storta. Le immagini che Cooper ha trovato tra le notizie erano tutte magiche in mezzo alla desolazione quotidiana. Potresti riconoscere alcuni dei bambini che ha fotografato:un ragazzo con in mano un idrante antincendio che zampilla, un giovane con un piccione appollaiato sulla mano con lo skyline di New York sullo sfondo. Artisti come Shepherd Fairey e Banksy si sono appropriati delle immagini di Cooper in omaggio.
Gran parte dei primi lavori di Cooper a New York City presentavano etichette in grassetto sullo sfondo. In seguito ha trovato spiriti affini negli artisti dei graffiti ed è diventata famosa per aver documentato il loro lavoro nel suo libro fotografico Arte metropolitana . Il primo documentario di Selena Miles, Martha:Una storia per immagini, riprende l'ampia influenza di quel volume, che molti appassionati e artisti di street art chiamano "la Bibbia".
Il film affascina immediatamente gli spettatori di "Marty" Cooper e del suo lavoro. A 34 anni, è diventata la prima donna in assoluto a lavorare come fotografa personale presso Post e ha iniziato a costruire il tesoro di opere espansive catalogate in Martha:A Picture Story . Ogni rapida sequenza di diapositive d'archivio e taglio agile ed esigente è un gancio nel documentario contagiosamente vibrante. Martha:una storia illustrata è un film su come la cultura visiva si è diffusa prima di Internet. L'emozione di scoprire quella cultura - e, per Cooper, com'è stato averla vista per la prima volta e averla diffusa in giro - è il cuore pulsante del film. Una colonna sonora piena di funk e groove si abbina sia all'energia di Cooper che a quella dei suoi devoti sbalorditi.
Miles è una regista australiana autodidatta che ha girato un film hi-fi con Martha:A Picture Story . Il pubblico può vedere la Cooper di oggi nei suoi anni '70 in giro con artisti di graffiti incappucciati, discutendo dell'impulso per il suo lavoro. La corsa che l'ha riportata in strada di notte con queste figure anonime è così potente e leggera. Quando un curatore dice a Cooper che le persone non prendono sul serio i volti sorridenti quando si tratta di fotografie, la sua risata rimbalza attraverso la galleria bianca stantia che li circonda. Cooper fa un tour dei muri di graffiti protetti da cancello indipendente a Miami e si chiede se le sue foto possano ancora essere rilevanti quando il mezzo è così contenuto e facilmente instagrammato. Martha:una storia illustrata dimostra l'utilità di spiriti come quello di Cooper quando le città si gentrificano e le etichette e i murales non autorizzati, il record della storia di un popolo, vengono dipinti.
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Tutto quello che posso dire
Shannon Hoon, frontman dei Blind Melon, era noto nella sua cerchia ristretta per aver girato quasi ogni momento dal 1990 fino al giorno della sua morte nel 1995. Quei momenti evocativi e privati sono stati cuciti insieme dai registi Danny Clinch, Taryn Gould e Colleen Hennessy, a cui anche Hoon come regista. Il risultato è un tributo agrodolce e straziante all'innegabile potenziale di Hoon come regista.
I compagni di band di Hoon lo rimproverano costantemente di "giocare con la sua videocamera" prima degli spettacoli ad alto rischio; la sua fidanzata del liceo Lisa gli chiede di smettere di rotolare quando sono soli. I momenti durante il film contrastano delicatamente con il loro rifiuto e affermano il valore supremo della macchina da presa come messaggero. Il cantante/chitarrista registra la televisione quando la notizia delle rivolte di Los Angeles si diffonde e un giornalista menziona un "fotografo dilettante" (George Holliday) che ha girato e pubblicato un video cruciale in cui la polizia ha picchiato Rodney King. Il video di Blind Melon per "No Rain" è il motivo per cui il singolo ha raggiunto il numero sette nelle classifiche di Billboard un anno dopo l'uscita dell'album, lo apprendiamo dal filmato di Hoon.
La sua sensibilità varia da pazientemente neorealista a teneramente sciocco a stridentemente personale. Un uomo del Midwest in tutto e per tutto, Hoon appare come un'anima incrollabile ma gentile. Getta una recensione negativa nel water davanti alla telecamera e registra una telefonata con suo padre alla vigilia di una condanna al carcere per DUI. Hoon tradisce la telecamera mentre guida attraverso il paese degli Amish vicino alla sua città natale di Lafayette, alla vigilia di un trasferimento a Los Angeles, nuota in una piscina con i suoi nuovi compagni di band destinati alla fama e risponde alla prima telefonata in sala parto con Lisa e la sua bambina. Sono anche i piccoli momenti di noia intermedi che educano i nostri sensi su chi era Noon e cosa significava per lui la sua macchina fotografica.
Tutto quello che posso dire lo spiega direttamente. Un giornalista chiede a Hoon dei riferimenti religiosi nei testi di canzoni come "Holyman", e lui risponde in modo eloquente:non crede nella religione, ma descrive la sua esperienza di Dio come "seduto da solo e parlando con qualcuno", il rituale che ha mantenuto con la sua macchina fotografica. Hoon è visto e conosciuto in modo più completo dalla telecamera di cui non fa mai a meno. Quella comunione era qualcosa che voleva condividere con il mondo. È verso la fine quando lo dice apertamente. "Voglio entrare nel cinema", confessa. Blind Melon è troppo grande, la vita è troppo occupata, dice. Ed è già abbastanza difficile raggiungere il pareggio sulla strada dopo aver provato la riabilitazione per droga e alcol. Hoon si è registrato in un letto d'albergo dicendo a Lisa al telefono di quanto ha bisogno di scendere dal tour bus ed essere lì quando la figlia dice le sue prime parole. È l'ultimo fotogramma dell'archivio di Hoon, scattato ore prima che venisse trovato senza risposta su quell'autobus il giorno della sua morte.
La canalizzazione rispettosa fatta dal team di registi, in particolare il montaggio di Gould, non è stata altro che un'impresa spirituale. Il risultato della loro cura è un film inquietante che si sente fedele alla visione di Hoon espressa nelle sue immagini e nelle sue parole. Dopo essere stato così immerso nel mondo di Hoon, è possibile immaginare che il musicista sia euforico per la forma che ha preso il suo lavoro. Se solo il finale potesse cambiare.
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Un ragazzo di Coney Island
Per ogni aspirante personaggio pubblico che è dotato e interessato a raccontare la propria storia, un altro non è in grado di sintetizzare la propria esperienza e fare appello agli altri. Intere carriere possono dipendere da queste forze. I media usano notoriamente giocatori NBA incompresi come linee principali per pettegolezzi e drammi. Quando Zatella Beaty sta toccando profondamente Iverson uscito nel 2014, il pubblico ha finalmente assorbito l'intera storia dietro l'esterno irriverente dell'11 volte NBA All Star. Film come il suo trascendono anni di frasi sonore ascoltate dai fan.
C'è un momento in A Kid From Coney Island quando Stephen A. Smith lo spiega perfettamente. Il motivo per cui Stephon Marbury era così odiato dai fan dei Knicks, dice, è che non ha mai stretto una relazione forte con qualcuno - un giornalista, un allenatore - che potesse diffondere il messaggio di chi è e da dove viene. I cineasti Coodie Simmons e Chike Ozah (il video "Through The Wire" di Kanye West) hanno realizzato questo per Marbury con una profondità toccante in A Kid From Coney Island. L'urgenza sentita dagli amici e dalla famiglia di Marbury di trasmettere la sua trasformazione è innegabile in questo documentario, grazie alle interviste girate da angolazioni estremamente diverse in ambientazioni vivaci su misura per ogni soggetto. Anche l'argilla viene utilizzata per articolare le scene dell'ascesa sotto pressione di Marbury ai Minnesota Timberwolves a 20 anni.
Il rapper e il compagno intimo Fat Joe, la madre e i fratelli di Marbury, e i colleghi di corte facilitano una sorprendente gamma emotiva. Il film corre alla velocità del ballo di strada di New York nel raccontare la storia delle scarpe da basket da $ 15 ben intenzionate ma fallite di "Starbury" (LeBron ha rovinato tutto con la sua recensione negativa), la sua personalità standard si scontra con il famigerato allenatore dei Knicks Larry Brown e il suo desiderio fin dalla prima infanzia di riscattare la sua famiglia dalla povertà con un contratto NBA. Vediamo l'attuale Marbury in carne e ossa quando parte per la Cina in esilio e diventa una persona nuova dopo che la morte di suo padre lo ha quasi allontanato completamente dal basket.
Le scene girate in un barbiere di Coney Island dopo il ritiro di Stephon mostrano il nativo di New York che esprime i suoi obiettivi in un modo che non avrebbe mai potuto fare prima. Dice a un ragazzino che ha in programma di entrare nella NBA che, certo, potrebbe farlo, o potrebbe essere il presidente se vuole. "Sai che il mio documentario parlerà di te", gli dice Marbury.
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The Queen Collective Shorts
Per battezzare lo sforzo di Queen Latifah di nutrire i registi e accelerare l'equità di genere e razziale dietro la macchina da presa, due brevi documentari sono stati proiettati al Tribeca prima di debuttare su Hulu questo fine settimana. “Ballet After Dark” annuncia la voce distintiva del regista B. Monet con un profilo di Tyde-Courtney Edwards. Ha fondato il cosiddetto programma di danzaterapia per sopravvissuti a traumi. Mentre Edwards racconta la sua stessa storia, i ballerini sembrano interpretare l'attacco e le conseguenze in modalità di performance art. La forma rasenta lo sperimentale mentre utilizza elementi artistici per proteggere una narrativa fondata. Questo è un equilibrio difficile da trovare. Monet dimostra che si può fare con eleganza. Le sequenze di balletto d'insieme girate in un grande edificio abbandonato riecheggiano le interruzioni nel documentario del 2012 di Heidi Ewing e Rachel Grady Detropia, quando un giovane cantante d'opera è stato mostrato mentre provava l'acustica della rovina durante brevi intermezzi. La coreografia ispirata funge da purificazione sia per il soggetto che per lo spettatore che incontra i benefici della danzaterapia in modo viscerale e attivo.
B. Monet ha parlato sul palco di come il tutoraggio basato sui processi attraverso The Queen Collective tramite Procter &Gamble ha cambiato la sua vita. È apparsa alla premiere al fianco di Haley Elizabeth Anderson, che ha diretto il cortometraggio “If There Is Light”. Quel film vede una madre che naviga nell'inferno dei senzatetto a New York City mentre è malata attraverso gli occhi di sua figlia di 14 anni, Janiyah, che racconta candidamente il film. Entrambi i cortometraggi di The Queen Collective testimoniano una perseveranza inflessibile, qualcosa che i realizzatori hanno detto di aver appreso mentre si collegavano in rete con conti bancari vuoti e continuavano a lavorare nonostante non si sentissero visti. Latifah ha detto alla regista Dee Rees in un'introduzione venerdì come le donne nelle troupe dei suoi progetti hanno fame di tutoraggio. Vuole aiutare.